Unter dem Label "WDR: The Cologne Broadcasts" veröffentlicht die WDR Mediagroup Musikproduktionen aller Genres aus über 50 Jahren Radio. In Kooperation mit dem Label audite ist dabei eine bislang 23 Produktionen umfassende Reihe entstanden, die sowohl Archivaufnahmen des Rundfunksenders als auchmehr
Constantin Silvestri | Eivind Aadland | Heinz Holliger | Ferenc Fricsay | Karl Böhm | Michael Gielen | Joseph Keilberth | Géza Anda
"Dies ist demnach eine überaus wichtige Veröffentlichung, nicht nur als Glied in der einzigartigen Karriere von Fischer-Dieskau, sondern als eine Gestaltung des größten Liedzyklus der Musikgeschichte, die nichts an Frische und Aktualität eingebüßt hat." (Pizzicato)
Titelliste
Multimedia
- audite-Serie mit D. Fischer-Dieskau in WDR Print 2/2007
- Supersonic Award für "F. Schubert: Die Winterreise"
- "The Cologne Broadcasts" in FonoForum 7/2007
- Schatz-Suche – „Cologne Broadcasts“ in „WDR Print“
- "FiDi vor der Priesterweihe", FonoForum 7/2007
- "Fischer-Dieskau, radioscopie d'un mythe" (Diapason juin 2007)
- Bericht über audites Fischer-Dieskau-Serie auf MDR Figaro
- Supersonic Award für "Edition Géza Anda – Vol. I: Mozart"
- Supersonic Award für "Edition Géza Anda – Vol. IV: Bartók"
- Digibooklet
- BR 4 Klassik CD-Tipp_20151208
- Digibooklet
- Preis der Deutschen Schallpattenkritik (Bestenliste I-2014)
- booklet_digital version
- DigiBooklet
- Schweizer Musikpreis - Heinz Holliger_Tagesanzeiger_20150912
- Digibooklet
- Teaser Patricia Kopatchinskaja
- Interview Patricia Kopatchinskaja: Strings Magazine, Juni 2016
- Digibooklet
- Digibooklet
Informationen
Unter dem Label "WDR: The Cologne Broadcasts" veröffentlicht die WDR Mediagroup Musikproduktionen aller Genres aus über 50 Jahren Radio. In Kooperation mit dem Label audite ist dabei eine bislang 23 Produktionen umfassende Reihe entstanden, die sowohl Archivaufnahmen des Rundfunksenders als auch Neueinspielungen mit dem WDR Sinfonieorchester umfasst. Deren thematisch zusammenhängende Produktionen sind teilweise auch als Einzelserien zusammengefasst und erhältlich: Die vierteilige Serie Géza Anda schließt mit bislang weitgehend unveröffentlichten Studio-Aufnahmen und Konzertmitschnitten des WDR Köln aus den Jahren 1952 bis 1970 eine Lücke in der Diskographie des Ungarn Géza Anda, der als einer der bedeutendsten Pianisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts gilt. Mit Klavierkompositionen aus drei Epochen – darunter Werke von Mozart, Beethoven, Brahms, Liszt, Schumann, Chopin und Bartók – präsentiert Anda einen repräsentativen Querschnitt seines breit gefächerten Repertoires und zeigt sich nicht nur als Ausnahmepianist, der sich frei von jeglicher Romantisierung bewegt, sondern auch in der Rolle des Dirigenten. In der drei Produktionen umfassenden Reihe, die sich dem bedeutendsten Liedsänger des 20. Jahrhunderts Dietrich Fischer-Dieskau widmet, findet sich neben einer Einspielung der Winterreise aus dem Jahr 1952 auch die erste Gesamteinspielung des Magelonen-Zyklus von Johannes Brahms sowie neben verschiedenen Schubert-Liedern auch die Kerner-Lieder, op. 35 und der Liederkreis, op. 39 von Robert Schumann. Die zwischen 1952 und 1955 aufgezeichneten Interpretationen Fischer-Dieskaus zählen zu den bedeutendsten Zeugnissen der Liedkunst und zeigen den frühen Höhepunkt seiner stimmlichen und gestalterischen Fähigkeiten. Karl Böhm (1894-1981) hat Schallplattengeschichte geschrieben. Sein auf Tonträgern dokumentiertes Schaffen reicht von den 1930er-Jahren bis ins Jahr vor seinem Tod; viele seiner Einspielungen gelten als Referenzaufnahmen. Die beiden CDs aus dem WDR-Archiv mit bislang unbekannten Einspielungen des Kölner Rundfunk Sinfonieorchesters (heute: WDR Sinfonieorchester Köln) aus den 1960er und 1970er Jahren runden das Bild des international rührigen Opern- und Konzertdirigenten ab bzw. rücken es teilweise auch zurecht. Insbesondere Böhms Interpretationen der Kompositionen von Richard Strauss nehmen einen besonderen Stellenwert ein, da er mit diesem Komponisten eine enge Freundschaft pflegte und seine Interpretation von Strauss' Werken daher als ausgesprochen authentisch gilt. Ferner findet sich unter den Archivaufnahmen des WDR auch eine Einspielung der Haydn-Sinfonien Nr. 44 und Nr. 98 aus den Jahren 1952 und 1953 unter der Leitung von Ferenc Fricsay. Im Rahmen der Neueinspielungen mit dem WDR Sinfonieorchester finden sich die Gesamteinspielungen sämtlicher sinfonsicher Werke Edvard Griegs (Dirigent: Eivind Aadland) und Robert Schumanns (Dirigent: Heinz Holliger). Sowohl der Norweger Aadland als auch Schumann-Experte Holliger bestechen in den fünf- bzw. sechsteiligen Gesamteditionen vor allem durch ihre authentische Herangehensweise und dem WDR Sinfonieorchester Köln gelingt unter Holligers Leitung eine erfrischende und fundierte Korrektur des weit verbreiteten Schumann-Bildes.
Besprechungen
Gramophone | August 2019 | Richard Whitehouse | 1. August 2019
THE ULTIMATE CHOICE
Nine decades of recordings reflect changing attitudes to Schumann’s Second
This leaves Heinz Holliger with the WDR Symphony of Cologne as prime recommendation. Long crucial to his work as composer and conductor, Holliger’sMehr lesen
Almost 175 years since its completion, Schumann’s Second Symphony can, more than ever, be heard as the true embodiment of musical mid-Romanticism, as well as being the salient symphonic achievement from that interregnum stretching between Schubert and Bruckner.
Schumann has long been central to Heinz Holliger’s creative thinking. His Cologne account – part of the most inclusive overview of Schumann’s orchestral works to date – fuses chamberlike clarity, authenticstyle astringency and full-orchestral immediacy for astounding results.
Correspondenz Robert Schumann Gesellschaft | Nr. 39 / Januar 2017 | Irmgard Knechtges-Obrecht | 1. Januar 2017
Die Musiker des WDR Sinfonieorchesters finden aufgrund des feinnervigen und auf Schumann spezialisierten Dirigats von Heinz Holliger für jedes Werk den entsprechenden Ton, was diese CD besonders farbenreich und vielseitig werden lässt. Mehr lesen
Correspondenz Robert Schumann Gesellschaft | Nr. 39 / Januar 2017 | Gerd Nauhaus | 1. Januar 2017
Wir erleben ein homogenes Quartett, aus dem sich die halsbrecherisch schwierige 1. Hornpartie bei Bedarf heraushebt, das aber in lyrischen wie dramatischen Partien mühelos seinen Mann steht, so dass eine der mitreißendsten Darbietungen des Konzertstücks entsteht, die der heutige Musikmarkt zu bieten hat.Mehr lesen
Stereo | 1/2017 Januar | Arnt Cobbers | 1. Januar 2017 Kritiker-Umfrage: Die zehn besten CDs 2016
Arndt Cobbers: 2. Schumann, Sämtliche Sinfonische Werke Vol. 5; Kopatchinskaja, Lonquich, WDR Sinfonieorchester, Holliger (Audite): Das alsMehr lesen
Correspondenz Robert Schumann Gesellschaft | Nr. 39 / Januar 2017 | Michael Struck | 1. Januar 2017
[Patricia Kopatchinskaja] zwingt uns zum Zuhören. Kein Ton lässt sie kalt. Sie liebt die Extreme, lebt sie geigerisch aus – und wirkt dann mitunter wie eine "Nina Hagen des klassischen Violinspiels".Mehr lesen
Rheinische Post | 28. Dezember 2016 | Volker Hagedorn | 28. Dezember 2016 | Quelle: http://www.rp-on...
Die Geister, die Robert Schumann rief
Sein großartiges Violinkonzert wird derzeit von vielen Geigern entdeckt. Ein Vergleich fördert spannende Entdeckungen zutage
"Robert hat ein höchst interessantes Violinkonzert beendet, er spielte es mir ein wenig vor, doch wage ich mich darüber nicht auszusprechen, als bisMehr lesen
Ach, hätten ihm Geisterstimmen doch noch zugeflüstert, dass 150 Jahre später fast alle großen Geiger sein Stück spielen würden! Vorläufige Krönung: drei der derzeit profiliertesten Geigerinnen. Als erste legte Isabelle Faust vor einem Jahr ihre Aufnahme mit dem Freiburger Barockorchester vor, es folgte Patricia Kopatchinskaja mit dem WDR-Sinfonieorchester, und nun ist auch Carolin Widmanns Aufnahme mit dem Chamber Orchestra of Europe (COE) zu haben. Die Musikerinnen, alle zur Generation der frühen 1970er zählend, haben endgültig jene Stufe der Rezeption gezündet, auf der es nicht mehr um eine umstrittene Rarität geht.
Denn dieses Werk gehört zum Großartigsten, was Schumann für sinfonische Besetzung geschrieben hat. Ein neuer Ton ist da zu hören, im ersten d-Moll-Satz blockhaft Archaisches in expressive Rückblicke drängend, im zweiten Satz subtilste Rhythmik. Mit dem Finale indes hatte schon Clara ein Problem, und Joachim fand es "entsetzlich schwer für die Geige". War das ein Grund, die Partitur zu verstecken? Auf Claras Wunsch kam sie nicht in die Gesamtausgabe. Joachim, Besitzer des Autographs, verwies dazu 1889 auf "eine gewisse Ermattung, welcher geistige Energie noch etwas abzuringen sich bemüht".
Auf ihn und Clara geht die zählebige "ideé fixe" zurück, Schumanns Spätwerk zeige Züge geistiger Zerrüttung. Joachims Sohn verkaufte das Autograf der Preußischen Staatsbibliothek 1907 mit der Auflage, das Konzert 100 Jahre lang nicht zu publizieren, Schumanns Tochter Eugenie wehrte sich noch als Greisin gegen die Publikation, die 1937 nur möglich wurde, weil die Nazis einen "arischen" Ersatz für das Violinkonzert von Felix Mendelssohn brauchten. Dem Nationalgeiger Georg Kulenkampff war die Partie zu schwer (anders als zur selben Zeit dem jungen Yehudi Menuhin in den USA), und kein Geringerer als Paul Hindemith gab sich dazu her, von 523 Takten der Sologeige mehr als die Hälfte umzuschreiben, sie hochzuoktavieren, einfacher spielbar und dabei "brillanter" zu machen – was faule Routiniers gern "dankbar" nennen.
Auch diese "Uraufführung" vom 26. November 1937 kann man nun wieder hören, ohne die einleitenden Worte von Propagandaminister Goebbels zu Beginn dieser "Kraft durch Freude"-Veranstaltung in Berlin. Georg Kulenkampff hetzt durch den ersten Satz wie durch eine Zirkusnummer, den letzten Satz hat er von Schumanns Metronomzahl 63 auf 104 hochgedreht, und der langsame Satz versinkt zum Glück im spacigen Zirbeln der Interferenzen und Datenverluste, die sich beim Überspielen welker Wachsplatten auf Band ergaben. Obwohl auch Yehudi Menuhin das Werk wenig später in den USA spielte, hatte es nun einen braunen Schatten zusätzlich zum Zerrüttungsverdacht. Wirklich verlässliche Notenausgaben gibt erst seit knapp zehn Jahren.
Diese lange Geschichte ist wie weggeblasen, wenn das famose Chamber Orchestra of Europe dirigentenlos in den ersten Satz einsteigt, schneller als von Schumann gedacht, voller Sturm und Drang. Die leeren E-Saiten der Geigen werden bewusst expressiv, fast schmerzhaft eingesetzt, was die Nachdenklichkeit der Solistin um so deutlicher macht. Den halben Noten zwischen ihren Sechzehnteln sinnt Carolin Widmann wie mit weiten Blicken nach, während Kopatchinskaja diese Töne ankrallt, hinschmeißt, fast wütend, und Isabelle Faust lange und kurze Noten in Schönheit verbindet – nuancenreich, nicht oberflächlich.
Das Freiburger Barockorchester, von Pablo Heras-Casado geleitet, entwickelt dabei nicht so viel Sog wie das Chamber Orchestra of Europe, lässt aber Registerwechsel, Farbkontraste deutlicher werden und ist trockener aufgenommen. Das größer besetzte WDR-Sinfonieorchester unter Heinz Holliger, als Autor ein kompetenter und subtiler Schumann-Versteher, wirkt dagegen etwas gedeckelt und unterspannt – in kuriosem Kontrast zur Geigerin Patricia Kopatchinskaja, der ihr Eigensinn öfter wichtiger ist als das poetische Potenzial der Musik. Krachende Tonbildung im Forte und Pianissimi an der Grenze der Hörbarkeit können durchaus nerven, auch wenn man ihr alle Aktionen glaubt und sich oft fragt, was ihr wohl als nächstes einfällt. Sie gibt ein bisschen das "bad girl".
Die Überraschungen ihrer Kolleginnen liegen in dem, was sie bei Schumann entdecken. Während Isabelle Faust ihn behutsam mit der weiten Welt verbindet, geht Carolin Widmann ins Innere und beschert uns im langsamen Satz die zärtlichsten Töne, unfassbar intim. Ihre schlichten leisen Synkopen in Takt 13 und 14 wagt man kaum ein zweites Mal zu hören, so etwas Unwiederbringliches haben sie. Dabei hilft freilich eine Aussteuerung, die die Solovioline auch bei leisesten Tönen unterstützt, während Isabelle Faust realistischer aufgenommen wurde, tiefer im Geflecht der umgebenden Töne. Genau das hat man Schumann – im bornierten Vergleich mit Genrestandards – vorgeworfen: Sein Solopart bewege sich zu oft im Schatten tieferer Lagen.
Vielleicht nimmt sich da einfach ein Subjekt zurück? Im Finale gilt das allerdings auch fürs Genie. Vielleicht war es Zeitdruck, der Schumann hier auf die "Images der Polenromantik" (so der Musikwissenschaftler Reinhard Kapp) vertrauen ließ: Eine gigantische Polonaise tritt auf der Stelle, Holzbläser verbreiten schauerlichen sächsischen Humor und die Geige spinnt fingerbrecherische Girlanden. Soll man das einfach schnell hinter sich bringen? Widmann und Kopatchinskaja drehen das Tempo auf 80 hoch, nur Faust lässt sich (fast) auf Roberts Angabe ein, und prompt scheint die Violine doch etwas zu sagen. Nur was? Rätsel hinter einer lächelnden Maske: Wir sollten nicht glauben, ihn jetzt zu kennen.
Record Geijutsu | Dec.2016 | 1. Dezember 2016 Spezielle Empfehlung
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
Record Geijutsu | Dec.2016 | 1. Dezember 2016 Spezielle Empfehlung
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Das Orchester | 11/2016 | Jörg Loskill | 1. November 2016 | Quelle: http://www.dasor...
Der vielseitige Musiker Heinz Holliger ist als Dirigent ein kenntnisreicher Schumann-Exeget, der zusammen mit dem Maßstäbe setzenden WDR-Orchester alles zum Leuchten, Glühen und Brillieren bringt, was der Komponist anstrebte: einfach schöne Musik aus dem Geist der pulsierenden und aktuellen Romantik, ungebrochen, aber nachhaltig reflektiert.Mehr lesen
Die Zeit | Nr. 43 vom 13. Oktober 2016 | Volker Hagedorn | 13. Oktober 2016
Roberts Rächerinnen
Faust, Kopatchinskaja und Widman: Drei profilierte Geigerinnen haben Schumanns Violinkonzert eingespielt
Wie gewohnt gibt die Moldawierin ein bisschen das bad girl.Mehr lesen
Fanfare | October 2016 | Peter Burwasser | 1. Oktober 2016
This is the sixth and final volume of Audite’s survey of the complete symphonic works of Robert Schumann. As is often the case with suchMehr lesen
While there are no revelations in this program, the music is generally of high quality, even though it comes from the end of Schumann’s career, perhaps something of a rejoinder to the “truism” that Schumann’s abilities and imagination had eroded somewhat at this point. The problem for the listener, at least this one, is that the blustery nature of this dramatic music becomes a bit wearisome by the end of a complete listening. In hindsight, it may have made more sense to have included these dramatic overtures in more varied programs of symphonies and concertos, as is usually the practice in presenting such work. The exception is the early attempt at symphonic writing by a 21-year-old Schumann, the incomplete Symphony in G-Minor, named for the city it was premiered in, Zwickau. It is replete with lovely writing, with the composer’s signature firmly in place.
The complete set of Schumann orchestral music by these forces is certainly a success by almost any measure. I would offer one caveat, and that is that the WDR SO, while excellent and a great pleasure to hear, lacks the ultimate degree of polish and finesse of the top-tier orchestras of the world. But I’m not sure how much that matters in this material, given that a certain degree of lustiness, if anything, enhances the expressiveness of the music.
Fanfare | October 2016 | Martin Anderson | 1. Oktober 2016
As usual (as if you remember these things from one year to the next), I’ll lead up to my final choices with a few deserving near-misses. I’llMehr lesen
But now it’s time to wander off the beaten track a little. A third volume of the Röntgen String Trios (Nos. 9–12) from the Lendvai String Trio (Champs Hill Records CHRCD101) kept that particular flag flying, but I have more Röntgen to come back to in my final five. Two recordings from The Sixteen brought music of extraordinary beauty: Vol. 1 of Monteverdi’s Missa a Quattro voci e salmi, conducted by Harry Christophers (Coro COR16142), and the fourth album in a series conducted by Eamonn Dougan that uncovers the music of the Polish Renaissance and here featured three Italian composers who worked in Poland: Asprilio Pacelli, Vincenzo Bertolusi, and Luca Marenzio (COR16141). Another BIS release brought the orchestral works of George Butterworth that we all know and love (The Banks of Green Willow, Six Songs from “A Shropshire Lad,” the Shropshire Lad rhapsody, Two English Idylls, and Love Blows as the Wind Blows), with the BBC National Orchestra of Wales conducted by Kriss Russman, but added two new scores: Russman’s realization for string orchestra of the Suite for String Quartette and his completion of an Orchestral Fantasia, of which Butterworth left only 92 bars of score when he went off to war and an early death (BIS-2195). A Lawo Classics CD (LWC1101) from Rune Alver of the Norwegian David Monrad Johansen’s piano music made a better case for him than many of his more imposing scores and demonstrated how much the music of Debussy echoed round the fjords. A Neeme Järvi CD from Chandos, with the two suites from Martinů’s ballet Špaliček and the Rhapsody-Concerto for viola and orchestra, the latter with the violist Mikhail Nemtsov and the Estonian National Symphony Orchestra (CHAN 10885), was nothing less than life-enhancing. A CPO CD of chamber music—Clarinet Quartet, op. 1; Fantasiestücke, op. 2; Violin Sonata, op. 6—by the Viennese composer Walter Rabl (1873–1940) was a revelation: music as good as Brahms’s, but Rabl stopped composing at the age of 30. This album makes it plain what a terrible loss to music that was, since he still had half his life ahead of him. Another CPO CD (777 687-2) brought Paul Graener‘s Piano Concerto, op. 72, Symphonietta, op. 27, Drei Schwedische Tänze, op. 98, and Divertimento, op. 67, from pianist Oliver Triendl and the Munich Radio Orchestra conducted by Alun Francis—such big-hearted music that one feels that, despite his association with the Nazi Party (he was vice-president of the Reichsmusikkammer from 1935 to 1941), he must have been a decent soul underneath it all. Last of my nearly-made-it recordings is Leo Ornstein‘s Piano Quintet and Second String Quartet, from Marc-André Hamelin and Pacifica String Quartet (Hyperion CDA68084)—just about the feistiest piano quintet you will ever hear.
Now to my final five. Neeme Järvi’s recording of Kurt Atterberg’s First and Fifth Symphonies made it into my Want List last year, and his account of No. 3, “West Coast Pictures,” does so this year as well. The entire album is nothing less than glorious, the chief glory being the 36-minute Third Symphony, composed in 1914–16 as (as the title, Västkustbilder, suggests) a series of tableaux depicting the Swedish west-coast archipelago where it was written. A double album of Korngold’s Complete Songs (not quite, in fact, since they left one or two things out) from baritone Konrad Jarnot and soprano Adrianne Pieczonka, with Reinild Mees at the piano, offered one masterpiece after another: There is not a weak bar in sight, and all of it glows with Korngold’s unique ardent lyricism. A three-CD set from the violinist Oliver Kipp and cellist Katharina Troe (Thorofon (CHT 2628/3) assembled all Röntgen’s works for solo violin, solo cello, and violin-cello duo and so offered a musical feast of astonishing richness, almost all of it completely known before now. The two string quintets by Sergei Taneyev—op. 14 in G Major and op. 16 in C Major—are both masterpieces that open windows on to the human soul; they get wonderful performances from the Utrecht String Quartet, joined by the cellist Pieter Wispelwey in op. 14 and violist Alexander Nemtsov in op. 6 (MDG603 1923-2). Finally, a boxed set of Telemann’s complete wind concertos (with La Stagione Frankfurt and Camerata Köln conducted by Michael Schneider; CPO 777 939-2) collects eight separate CDs released between 2007 and 2012, and brought eight-and-a-half hours of unalloyed pleasure. The very list of the 46 concertos assembled here beggars belief: All with strings and basso continuo, there are six concertos for flute and for two flutes and bassoon; five for oboe; four for two horns; two each for two oboes and bassoon, oboe d’amore, two chalumeaux (an early form of clarinet), recorder and two violins, two recorders; and one each for horn, two horns and two oboes, two oboes d’amore, two chalumeaux and two bassoons, recorder and flute, oboe and two violins, recorder, alto recorder, recorder and bassoon, recorder and horn, piccolo, trumpet, and trumpet and two oboes. And there’s not a dull piece among them—imagine a musical landscape somewhere between the Bach violin concertos and Handel’s concerti grossi and you’ll have some idea of the sheer delight awaiting the listener.
Frankfurter Allgemeine Zeitung | Montag, 19. September 2016 Nr. 219 | Jan Brachmann | 19. September 2016
Redet diese Musik, träumt sie?
Zwei Editionen mit den Konzerten von Robert Schumann wetteifern um die Deutung – auf hohem Niveau
Patricia Kopatchinskaja, die sonst gern alles gegen den Strich zu bürsten sucht, geht das Konzertstück sensibel an, als würde ihre Geige leise weinen in der Höhe zu einem Orchesterlied ohne Worte. Spannungsreich sind ihre Pianissimi, von Akzenten durchzuckt. In einer Illusion des Improvisierten hört man dem allmählichen Verfertigen der Musik beim Spielen zu. Und der große Apparat des Orchesters, die gelegentliche Brillanz der Soli haben dabei nur den Sinn, Palisaden zu ziehen rings um die Gärten dieses Traums.Mehr lesen
Frankfurter Allgemeine Zeitung | Montag, 19. September 2016 Nr. 219 | Jan Brachmann | 19. September 2016
Redet diese Musik, träumt sie?
Zwei Editionen mit den Konzerten von Robert Schumann wetteifern um die Deutung – auf hohem Niveau
Holliger und Kopatchinskaja machen im Violinkonzert auch Schumanns Zerrissenheit hörbar. Anschwellend, ausbrechend, versinkend entfaltet sich das erste Orchestertutti. In Kopatchinskajas erst dünnem, dann schnell und scharf akzentuiertem Geigenton liegen Wachheit, Reizbarkeit, bis jäh die Spannkraft erlahmt, die Sehnsucht nach Rückzug spürbar wird – und die Musik implodiert. Gespenstisch doppelgesichtig fallen Selbstbehauptung und seelische Ermüdung auseinander. Im Souveränitätsverlust treten Seiten des Menschlichen zutage, aus denen Kunst eine eigene Dringlichkeit gewinnt. Holliger hat das erkannt – und zugelassen.Mehr lesen
American Record Guide | September / October 2016 | Stephen Wright | 1. September 2016 | Quelle: http://www.ameri...
This is Volume 6 of Audite’s Complete Symphonic Works edition and contains Schumann’s earliest and latest pieces for orchestra, including all hisMehr lesen
Beethoven’s influence is also obvious in the only non-overture here, the unfinished Zwickau Symphony of 1833; this is Schumann’s third and final revision of the first movement, so it lacks the slow intro of John Gardiner’s 1998 recording (DG 457591). Gardiner’s orchestra has 40 strings where Holliger’s has 60, plus Holliger’s accents are tempered and his pace relaxed, so I heard for the first time the influence of Louis Spohr—another hero of the young Schumann—in the wilting chromaticism of the s tring figures.
Before the two-movement symphony, Holliger raises the curtain on the concert with the mature sonata-form Manfred Overture. In it we hear Holliger’s approach to all the overtures: warm, genial, and flowing. He lets the dramatic tension build up slowly, free of histrionics, with subtle orchestral flexibility to broaden tempos for grand climaxes and lyrical passages. The violins are split left and right as they were in Schumann’s time and they play cleanly, without vibrato, and this clarifies Schumann’s allegedly thick and clumsy orchestrations. There’s no mention anywhere of period instruments or gut strings, so I assume they’re modern, but at 60 strong they don’t sound shrill, nor do they indulge any supposed historic practice like swelling on long notes.
The sound quality matches interpretation: warm, full, and detailed, especially the surround-sound recording, right now available only as a download from Audite’s website (mentioned on the back of the digipak). The improvement in three-dimensional depth and presence is unmistakable in the five overtures recorded in 2010 but subtle in the symphony and Manfred recorded in 2015. Considering the high quality of both performance and surround-sound recording, I hope Audite issues a boxed set of this complete series on SACD (or Blu-Ray).
The booklet is informative, recounting the circumstances of each piece’s composition. This is an attractive and rewarding survey of Schumann’s overtures and makes me want to hear the other volumes in the series.
Das Orchester | 09/2016 | Thomas Bopp | 1. September 2016
Den Interpreten gelingt so ein bis ins kleinste Detail durchdachter Ansatz, der einen frappierend natürlichen Organismus hervorbringt, wo eines aus dem anderen erwächst.Mehr lesen
Das Orchester | 09/2016 | Thomas Bopp | 1. September 2016 | Quelle: http://www.dasor...
Zur Aufnahme mit Isabelle Faust und dem Freiburger Barockorchester haben nun auch Heinz Holliger und seine Solistin Patricia Kopatchinskaja im Rahmen der Gesamtveröffentlichung aller Orchesterwerke Schumanns mit dem WDR Sinfonieorchester Köln ihre Sicht auf das Violinkonzert niedergelegt. Und die dürfte Schumanns Vorstellungen vielleicht sogar noch um einiges näher kommen, als dies Isabelle Faust und den Freiburgern gelungen war.Mehr lesen
Spiegel online
| Sonntag, 21.08.2016 | Werner Theurich | 21. August 2016 | Quelle: http://www.spieg...
Violinkonzerte: Schumanns spätes Sorgenkind
Für die Violine gibt es beliebtere Konzerte als das von Robert Schumann. Carolin Widmann nahm sich das als spröde verschriene Werk vor. Bei ihr klingt es ganz anders als bei der Kollegin Kopatchinskaja
Man sieht Patricia Kopatchinskaja förmlich die Polonaise des dritten Satzes tanzen, weiß man doch aus ihren Konzerten, dass sie gerne mal den angestammten Solistenplatz verlässt und über die Bühne wandelt.<br /> <br /> Ihrem ausdrucksstarken und triumphierenden Spiel tut das Wilde natürlich keinen Abbruch, außerdem kann sie sich auf das sichere Geflecht der WDR-Truppe verlassen. Kopatchinskajas druckvoller Ansatz bekommt dem nun gar nicht so spröden Konzert ebenso ausgezeichnet wie Widmanns ganz andere Akzente. Klar ist auf jeden Fall: Schumanns lange geschmähtes Sorgenkind ist aller Sorgen ledig, wenn es in den richtigen Händen liegt.Mehr lesen
Ihrem ausdrucksstarken und triumphierenden Spiel tut das Wilde natürlich keinen Abbruch, außerdem kann sie sich auf das sichere Geflecht der WDR-Truppe verlassen. Kopatchinskajas druckvoller Ansatz bekommt dem nun gar nicht so spröden Konzert ebenso ausgezeichnet wie Widmanns ganz andere Akzente. Klar ist auf jeden Fall: Schumanns lange geschmähtes Sorgenkind ist aller Sorgen ledig, wenn es in den richtigen Händen liegt.
Fono Forum | August 2016 | Michael Kube | 1. August 2016 Empfehlung des Monats
Ein großer Zyklus kommt zum Abschluss. Nach den Sinfonien, Konzerten und Konzertstücken stehen in der letzten Folge der nahezu rundwegMehr lesen
Holliger aber sind anscheinend gerade diese Partituren ans Herz gewachsen – so ausgeglichen und wirklich als große Werke gespielt habe ich sie noch nicht gehört. Und sie zeigen Schumann im vollen Besitz seiner Fertigkeiten. Wer noch immer von angeblichen Problemen bei der Instrumentation spricht, sollte eher von Problemen der jeweiligen Interpretation sprechen (einer meiner persönlichen Favoriten ist und bleibt die Ouvertüre zu "Julius Cäsar"). Der für Schumann charakteristische, kompakte Klang kommt jedenfalls dem Sinfonieorchester des WDR entgegen, das schon fünf der Kompositionen 2010 eingespielt und sich den "Manfred" wie auch die frühe, unvollständig gebliebene Zwickauer Sinfonie in g-Moll nun für das Finale aufgespart hat – nicht als Supplement, sondern als geniale Vorschau auf das, was noch kommen sollte. So gespielt wirken die beiden Sätze denn auch nicht als philologische Kuriositäten, sondern künstlerisch berechtigt. Aus Holligers Nähe zu Schumann ist hier mit kühlem Kopf etwas Erstrangiges erwachsen.
Fanfare | August 2016 | Huntley Dent | 1. August 2016
The Schumann Violin Concerto, rejected in his lifetime by its dedicatee, Joseph Joachim, and suppressed after his death by his wife Clara and devotedMehr lesen
As a non-fan of the Violin Concerto, I can hardly credit that I am even more enthusiastic about this new release in Heinz Holliger’s ongoing Schumann orchestral cycle, of which this is Volume 4, with the extraordinary violinist Patricia Kopatchinskaja as soloist. In its daring departures from convention their reading surpasses Faust’s in fascination. To begin with, Kopatchinskaja, who was born in the former Soviet republic of Moldavia in 1977, has assumed the mantle of the late Lydia Mordkovitch for fierceness of attack and courageous nonconformity. Her timbre here is almost never consistent within a phrase or even beautiful. The tone whistles, whines, and scrapes as often as it sings, all in service of an interpretation that takes not a single note for granted. I associate this kind of keenly felt violin playing with Leila Josefowicz and more recently the young Norwegian phenom Vilde Frang. But Kopatchinskaja is the only violinist who has the ferocity to frighten me—I found her extreme interpretation of the Prokofiev Violin Concerto No. 2 and the Stravinsky Violin Concerto with Vladimir Jurowski from 2013 (Naïve) almost too unsettling to listen to. But it and her other releases, especially a disc of violin concertos by Eötvös, Bartók, and Ligeti on the same label, have been rapturously received, or at the very least caused heads to turn. The same is certainly true here.
The Schumann Piano Concerto exists at the opposite end of universal love and admiration, which makes things difficult for a relative unknown like Hungarian pianist Dénes Várjon—he won’t be unknown to those who have heard his recordings on Naxos, ECM, Hyperion, Capriccio, and other labels (I seem to be out of the loop on this one). A graduate of the Liszt Academy in Budapest, where he now teaches, Várjon has recorded Holliger’s music under the composer, so I assume a close musical affinity. Here they collaborate to produce a reading of the A-Minor Concerto that I’d describe as streamlined but intense. Tempos and phrasing are not out of the ordinary. The total timing is about the same as for Jan Lisiecki’s recent DG recording (reviewed in Fanfare 39:5), but where Lisiecki is poetic to the point of being subdued, Várjon puts his technique on extrovert display. Short of Martha Argerich’s charismatic, rocket-fueled interpretations, this is one of the more engaging readings of the solo part that I’ve heard, even if the finale loses oomph after a while.
Heinz Holliger has focused his Schumann cycle on making us hear the music without prejudice and absent the traditional Schumann Romantic sound. His starkness in the Violin Concerto succeeds remarkably well, although the orchestral part in the Piano Concerto feels a little abrupt and dry at times. At 77 he’s very much a force to be reckoned with. Holliger’s transition from superstar oboist to composer and conductor has worked on all counts, although here he doesn’t make the WDR Symphony sound better than workmanlike. That hardly matters, nor does the good but not exceptional recorded sound. It’s Kopatchinskaja’s highly original playing that wins the day.
Fanfare | August 2016 | Jim Svejda | 1. August 2016
The fourth and fifth volumes of Audite’s Schumann series with Heinz Holliger and the West German Radio Symphony are in many ways the mostMehr lesen
The version of the Piano Concerto is all we’ve come to expect from this excellent series, including alert, rhythmically flexible playing from a first-class radio orchestra (people who play to microphones for a living), a conductor who knows his business in Schumann (a firm grasp of the long line, an ability to clarify the occasionally dense inner voicing, a total lack of fear when it comes to punching the telling accent, an uncanny knack for pointing out the previously overlooked—but deeply important—detail), together with superbly realistic recorded sound that nonetheless bathes everything in an early-Romantic glow. The young Hungarian pianist Dénes Várjon takes a wonderfully fresh and unaffected approach to this familiar music; while everything feels perfectly controlled, he bends the bar line in a way that recalls the great Schumann pianists of the past (Cortot and Rubinstein especially) but nothing feels willful or self-aggrandizing. If the finale lacks the head-long excitement of Fleisher, Janis, Richter, and others, then overall it’s an immensely satisfying outing that makes you want to hear some of the solo piano music from this source. (There’s already an excellent version of the violin sonatas with Carolin Widmann on ECM 1902 and an even finer recording of the cello music with Steven Isserlis on Hyperion 67661.)
Wild child Patricia Kopatchinskaja’s presence guarantees an immensely individual look at the problematic Violin Concerto, and, as usual, she doesn’t disappoint. From her first entrance, it’s a startlingly original interpretation, with a seemingly endless variety of tone color—insured by her endless types of vibrato—down to that chilling moment in the heart of the first movement where the line is so drained of life it sounds like someone keening at a funeral. (There are other moments where the sound is so intense at the lower range of audibility that you wonder if she heard of Leonard Bernstein’s extraordinary instruction to a string section: “Play triple piano, but use the kind of vibrato you use playing triple forte.”) Holliger adds as much point and thrust as he possibly can to the outer movements—especially the opening movement, which for once never seems to drag—and although the slow movement seems less a premature anticlimax than usual, things never quite add up (as they never quite have, at least on records).
Kopatchinskaja is just as committed and persuasive in the violin Fantasie, whose gypsy-like opening flourishes are a reminder that it was written for the Hungarian-born Joseph Joachim, who actually played the piece (he refused to touch the concerto). Like the late Concert Allegro with Introduction which Schumann began writing only three days after the Fantasie was finished, it’s a work whose thematic inspiration is pretty thin gruel, as is the working out of the basic material. Like Kopatchinskaja, pianist Alexander Lonquich does everything he can to invest his part with life and interest, though well before the Concert Allegro begins you realize why—after a certain point—the composer’s widow stopped playing it in public.
All concerned are on far firmer footing in the earlier Introduction and Allegro appassionato, written well before Schumann was beginning to lose his grip on things. Lonquich responds admirably to the work’s impetuosity and high romance, though not with quite the same magical fusion of freshness and knowing finesse Jan Lisiecki achieves in his recent recording with Antonio Pappano (DG 479 5327).
The orchestra’s horn section turns in a spectacular account of the op. 86 Konzertstück, which still gets recorded far more frequently than it’s actually performed, given that its often stratospheric writing for the first horn is an endless series of clams just waiting to happen. Holliger and the soloists’ colleagues give them rousing support, though the closing bars lack the visceral excitement of Gerard Schwarz and the Seattle Symphony’s madcap dash to the end (Naxos 8.572770).
Collectors of this fine series will have snatched up both installments by now; others can proceed with minimal caution, as anything Kopatchinskaja does these days is mandatory listening.
Fanfare | August 2016 | Jim Svejda | 1. August 2016
The fourth and fifth volumes of Audite’s Schumann series with Heinz Holliger and the West German Radio Symphony are in many ways the mostMehr lesen
The version of the Piano Concerto is all we’ve come to expect from this excellent series, including alert, rhythmically flexible playing from a first-class radio orchestra (people who play to microphones for a living), a conductor who knows his business in Schumann (a firm grasp of the long line, an ability to clarify the occasionally dense inner voicing, a total lack of fear when it comes to punching the telling accent, an uncanny knack for pointing out the previously overlooked—but deeply important—detail), together with superbly realistic recorded sound that nonetheless bathes everything in an early-Romantic glow. The young Hungarian pianist Dénes Várjon takes a wonderfully fresh and unaffected approach to this familiar music; while everything feels perfectly controlled, he bends the bar line in a way that recalls the great Schumann pianists of the past (Cortot and Rubinstein especially) but nothing feels willful or self-aggrandizing. If the finale lacks the head-long excitement of Fleisher, Janis, Richter, and others, then overall it’s an immensely satisfying outing that makes you want to hear some of the solo piano music from this source. (There’s already an excellent version of the violin sonatas with Carolin Widmann on ECM 1902 and an even finer recording of the cello music with Steven Isserlis on Hyperion 67661.)
Wild child Patricia Kopatchinskaja’s presence guarantees an immensely individual look at the problematic Violin Concerto, and, as usual, she doesn’t disappoint. From her first entrance, it’s a startlingly original interpretation, with a seemingly endless variety of tone color—insured by her endless types of vibrato—down to that chilling moment in the heart of the first movement where the line is so drained of life it sounds like someone keening at a funeral. (There are other moments where the sound is so intense at the lower range of audibility that you wonder if she heard of Leonard Bernstein’s extraordinary instruction to a string section: “Play triple piano, but use the kind of vibrato you use playing triple forte.”) Holliger adds as much point and thrust as he possibly can to the outer movements—especially the opening movement, which for once never seems to drag—and although the slow movement seems less a premature anticlimax than usual, things never quite add up (as they never quite have, at least on records).
Kopatchinskaja is just as committed and persuasive in the violin Fantasie, whose gypsy-like opening flourishes are a reminder that it was written for the Hungarian-born Joseph Joachim, who actually played the piece (he refused to touch the concerto). Like the late Concert Allegro with Introduction which Schumann began writing only three days after the Fantasie was finished, it’s a work whose thematic inspiration is pretty thin gruel, as is the working out of the basic material. Like Kopatchinskaja, pianist Alexander Lonquich does everything he can to invest his part with life and interest, though well before the Concert Allegro begins you realize why—after a certain point—the composer’s widow stopped playing it in public.
All concerned are on far firmer footing in the earlier Introduction and Allegro appassionato, written well before Schumann was beginning to lose his grip on things. Lonquich responds admirably to the work’s impetuosity and high romance, though not with quite the same magical fusion of freshness and knowing finesse Jan Lisiecki achieves in his recent recording with Antonio Pappano (DG 479 5327).
The orchestra’s horn section turns in a spectacular account of the op. 86 Konzertstück, which still gets recorded far more frequently than it’s actually performed, given that its often stratospheric writing for the first horn is an endless series of clams just waiting to happen. Holliger and the soloists’ colleagues give them rousing support, though the closing bars lack the visceral excitement of Gerard Schwarz and the Seattle Symphony’s madcap dash to the end (Naxos 8.572770).
Collectors of this fine series will have snatched up both installments by now; others can proceed with minimal caution, as anything Kopatchinskaja does these days is mandatory listening.
Gramophone | August 2016 | David Threasher | 1. August 2016
With this sixth and final volume in his series of the 'Complete Symphonic Works', Heinz Holliger mops up the remaining segment of Schumann'sMehr lesen
That makes Holliger's the most complete cycle of the orchestral works to have arrived in ages. Dausgaard's three single discs (BIS) took in all the symphonic works (including both versions of the Fourth Symphony) along with the six overtures, while Gardiner's triple-set, on period instruments, dispensed with the overtures but included the wonderful Konzertstück for four horns and orchestra. If and when Holliger's six full-price discs come out in a budget-price box, that'll make this easily one of the most attractive collections of this music.
For those less bothered about such notions of completeness, other attractions include Holliger's clear-sighted interpretations, revealed in sound that is focused without being over-analytical. Perhaps the youthful 'Zwickau' piece and the much later concert overtures can't boast the winning melodies that make the greatest of Schumann's works stand out but they display all the composer's motivic skills and his development of the Beethovenian model in his own Romantic language, and offer valuable alternative lights on his orchestral career.
www.peterhagmann.com
| 13. Juli 2016 | Peter Hagmann | 13. Juli 2016 | Quelle: http://www.peter...
Ein Fall für die ideale Diskothek
Die Orchestermusik Robert Schumanns in Aufnahmen mit dem Dirigenten Heinz Holliger
Ins ebenfalls späte, lange Zeit verkannte Violinkonzert stiegt Patricia Kopatchinskaja mit geradezu erschreckender Verve ein, während Dénes Várjon im Klavierkonzert vorführt, was behende Leichtfüssigkeit diesem früher gern hingedonnerten Werk beibringt. Viel zu hören gibt es da, viel zu entdecken und zu staunen.Mehr lesen
www.peterhagmann.com
| 13. Juli 2016 | Peter Hagmann | 13. Juli 2016 | Quelle: http://www.peter...
Ein Fall für die ideale Diskothek
Die Orchestermusik Robert Schumanns in Aufnahmen mit dem Dirigenten Heinz Holliger
Auch jenseits dessen warten die Aufnahmen mit manch ungewohnter Erfahrung auf. Die vierte Sinfonie, d-moll, lässt sich in der gewohnten Version von 1851 wie in der kaum je gespielten Erstfassung von 1841 hören.Mehr lesen
www.peterhagmann.com
| 13. Juli 2016 | Peter Hagmann | 13. Juli 2016 | Quelle: http://www.peter...
Ein Fall für die ideale Diskothek
Die Orchestermusik Robert Schumanns in Aufnahmen mit dem Dirigenten Heinz Holliger
Wer wissen möchte, wie Schumann im besten Fall klingen kann, wird um diese sechs Compact Discs nicht herumkommen.Mehr lesen
www.limelightmagazine.com.au
| July 2016 | Philip Clark | 1. Juli 2016
Thinking-Man's Schumann
Holliger's scholarly perspective impresses in symphonic mop-up
No man or woman alive knows more about the inner-workings of Schumann's music than Holliger, [...] teases out those melodic and harmonic fingerprints about to blossom in his mature symphonies. His Manfred Overture reminds us of the daring instability of Schumann's harmony – a music that opens the door, and takes a peek, at some harmonic traits of 20th-century music. The final volume has a slight feeling of mopping up what was left; but Holliger's interpretive perspectives make it worthwhile.Mehr lesen
hifi & records | 3/2016 | Ludwig Flich | 1. Juli 2016
Nun ist Holligers Schumann-Projekt abgeschlossen, und die Qualität hat sich von CD zu CD noch gesteigert. [...] Wer nach mehr Selbstverständlichkeit im Klang sucht, dem rate ich, alternativ die Flac-Version (48/24; auch in Surround) von der Audite-Website herunterzuladen.Mehr lesen
BBC Music Magazine | July 2016 | Erik Levi | 1. Juli 2016
Patricia Kopatchinskaja is typically bold and provocative in Schumann's Violin Concerto. Largely eschewing the full-blooded sonorities favoured byMehr lesen
Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester are responsive partners both in the Violin Concerto and its far less problematic counterpart for piano. This latter work is presented in a relatively straightforward manner by Dénes Várjon, who emphasises its playfulness and lightness of touch, especially in the slow movement and Finale.
Holliger is particularly good at bringing out light and shade in Schumann's orchestration and highlighting inner details. This clarity of texture is evident throughout the two Konzertstücke for piano Op. 92 and Op. 134, where Holliger matches Alexander Lonquich's muscular tone with powerfully driven orchestral tuttis. The Konzertstücke for four horns, magnificently executed by the orchestra's principals, also benefits from Holliger's insights, the irresistible exuberance of the outer movements contrasting with the mellifluous expressiveness achieved in the central Romanze. Less convincing is the Fantasie for violin and orchestra, composed in the same year as the Violin Concerto but less exalted. Kopatchinskaja shows considerable charismatic imagination in projecting the rustic features of the faster section, but makes a few slips of intonation.
BBC Music Magazine | July 2016 | Erik Levi | 1. Juli 2016
Patricia Kopatchinskaja is typically bold and provocative in Schumann's Violin Concerto. Largely eschewing the full-blooded sonorities favoured byMehr lesen
Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester are responsive partners both in the Violin Concerto and its far less problematic counterpart for piano. This latter work is presented in a relatively straightforward manner by Dénes Várjon, who emphasises its playfulness and lightness of touch, especially in the slow movement and Finale.
Holliger is particularly good at bringing out light and shade in Schumann's orchestration and highlighting inner details. This clarity of texture is evident throughout the two Konzertstücke for piano Op. 92 and Op. 134, where Holliger matches Alexander Lonquich's muscular tone with powerfully driven orchestral tuttis. The Konzertstücke for four horns, magnificently executed by the orchestra's principals, also benefits from Holliger's insights, the irresistible exuberance of the outer movements contrasting with the mellifluous expressiveness achieved in the central Romanze. Less convincing is the Fantasie for violin and orchestra, composed in the same year as the Violin Concerto but less exalted. Kopatchinskaja shows considerable charismatic imagination in projecting the rustic features of the faster section, but makes a few slips of intonation.
De Gelderlander | 29 juni 2016 | Maarten-Jan Dongelmans | 29. Juni 2016 Klassiek: Zweedse nachtegaal zingt Noorse muziek
Aadland geeft de vurige eerste dans meteen het volle pond en dit stuk komt dan ook heftig binnen. In de tweede en derde dans worden contrasten heerlijk uitgewerkt en is tevens aandacht voor joviale humor. Een schijf om vaak van te genieten.Mehr lesen
The Strad | June 15, 2016 | Peter Quantrill | 15. Juni 2016 | Quelle: http://www.thest... Two of today’s leading violinists take on the challenge of Schumann’s Concerto
The more consistently inspired outer movements bring out her quixotic, mercurial best, and once past an awkward edit into the finale, Kopatchinskaja makes this gawky but charming polonaise smile in ways that elude most of the competitionMehr lesen
RBB Kulturradio | Do 09.06.2016 | Dirk Hühner | 9. Juni 2016
Robert Schumann ist für den Schweizer Oboisten, Komponisten und Dirigenten Heinz Holliger mehr als eine Passion. Seit seiner Jugend ist er geradezuMehr lesen
Die sechste und letzte Folge sämtlicher sinfonischer Werke von Schumann umfasst sechs Ouvertüren und die frühe so genannte "Zwickauer Sinfonie". Wie bei den vorangegangenen Teilen entfaltet sich auch hier eine fein abgestimmte Dramaturgie, die verschiedene Lebensphasen und Stoffe zu einem größeren Bild zusammenfügt. Schon in der vom 21-jährigen Schumann in mehreren Anläufen zu Papier gebrachten "Zwickauer Sinfonie" weht und zirkuliert ein unruhiger Geist. Die in den 1850er Jahren, und also als "spät" apostrophierten Ouvertüren lenken diesen Geist auf literarische Stoffe von Shakespeare, Goethe, Schiller und Lord Byron. Aufruhr herrscht auch hier, aber doch in dramatische Form gegossen.
Schnelle Umschwünge
Dass die Ouvertüren heute kaum noch im Konzertleben anzutreffen sind, ist ein Manko des weniger auf klassische Bildung als auf Effekt zielenden Konzertbetriebs. Zumindest hat Heinz Holliger mit diesen Aufnahmen alle Vorurteile gegenüber einer groben Orchestrierung oder Gedankenschwäche bei Schumann gründlich widerlegt. Die Marseillaise in der Ouvertüre zu Goethes "Herrmann und Dorothea" ist nicht der einzige revolutionäre Ton, der hier immer wieder anklingt. Das Obsessive von Schumanns notorischen Motivdrehungen und –windungen schlägt hier Funken. Dabei sind die Tempi nirgends übertrieben schnell. Holliger strafft vor allem die Dynamik, die schnelle Umschwünge vollführen kann, ohne Nebenstimmen zuzudecken. Das WDR Sinfonieorchester Köln hat sich hier einen überraschend hellen Schumann-Ton erarbeitet, der fast kammermusikalisch erscheint.
Wenn diese CD mit den Fanfarentönen der "Julius Caesar"-Ouvertüre zu Ende geht, ist damit auch ein Aufnahmezyklus vollendet, der noch lange Bestand haben wird als einsichtige und Einsichten verschaffende Schumann-Gesamtschau.
Mostly Classic | 2016.6 | 1. Juni 2016
Japanische Rezension siehe PDF! Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | juni 2016 | Gerard Scheltens | 1. Juni 2016
Maar het "pièce de résistance" van deze cd is toch het Konzertstück voor vier hoorns, dat door de eigenaardige bezetting niet vaak wordt gespeeld. Maar wat een geweldig stuk ... wat een vrolijkheid... en wat een speelplezier... hier kom je helemaal van bij...Mehr lesen
MJ | 2016.6 | Ikuo Tsunoda | 1. Juni 2016
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
Crescendo Magazine | Le 22 mai 2016 | Ayrton Desimpelaere | 22. Mai 2016 Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
La baguette de Heinz Holliger est toujours aussi attrayante, presque envoutante tant le chef parvient à faire sortir de l’orchestre une intensité dramatique et une énergie jamais interrompue.Mehr lesen
Crescendo Magazine | Le 22 mai 2016 | Ayrton Desimpelaere | 22. Mai 2016 Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
Ce dernier volume est clairement l’aboutissement d’une réflexion et Heinz Holliger ne vient pas ici pour faire de la redite. A la tête d’un très bel orchestre, il dépoussière le répertoire avec bienveillance et respect du texte en prêtant une attention particulière à ce que rien ne soit figé. Entre le regard porté sur les enchainements harmoniques et le souffle de la ligne musicale, Holliger joue de son orchestre et développe le discours musical grâce à des tempi allants assumés et maîtrisés. Une masse généreuse au service du texte et d’un répertoire bien trop souvent massif et négligé. Il y a ici un travail considérable sur la texture, le flux, le timbre et l’homogénéité des pupitres qui ne peut être effectué que par un chef de talent.Mehr lesen
Crescendo Magazine | Le 22 mai 2016 | Ayrton Desimpelaere | 22. Mai 2016 Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
La violoniste Patricia Kopatchinskaja offre quant à elle une lecture éclairée et déterminée. Sous la baguette attentive de Heinz Holliger, elle exploite toute l’étendue de ses capacités pour rendre sa lecture passionnante. Il suffira d’écouter le mouvement central pour saisir la douceur du timbre et la compréhension sans faille de l’architecture. Patricia Kopatchinskaja croit en chaque note et dégraisse magistralement cette œuvre trop souvent négligée.Mehr lesen
www.niusic.de
| 13.05.2016 | Konrad Bott | 13. Mai 2016 | Quelle: http://www.niusi...
Liebevolle Ausnüchterung
Wenig Schmelz, viel Energie – Heinz Holligers Schumann erfrischt und hält auf Trab
Wo Akzente gesetzt werden, wird auch die hartnäckigste Schnarchnase aus dem Bett geschubst. Jeder Takt macht neugierig auf den nächsten, jede Kantilene wirkt frisch und sportlich, ohne zu hasten. Dass Schumanns sinfonischen Werke nicht nur etwas für romantische Schwelger sind, hat Holliger mit dieser Aufnahme ein für allemal klargestellt.Mehr lesen
Infodad.com | May 12, 2016 | 12. Mai 2016 When soloists soar
Having long since proved himself a superior oboist, Heinz Holliger is nowMehr lesen
Infodad.com | May 12, 2016 | 12. Mai 2016 When soloists soar
Having long since proved himself a superior oboist, Heinz Holliger is nowMehr lesen
Crescendo Magazine | Le 10 mai 2016 | Ayrton Desimpelaere | 10. Mai 2016 Fin d’une intégrale Grieg
Les artistes réunis ici proposent une conclusion tout en couleur et raffinée. La baguette énergique d’Aadland offre une multitude de dynamiques à travers une lecture naturelle et douée d’une certaine sensibilité sans pour autant rentrer dans le piège de la sur-exaltation. A chaque fois, ce sont des petits tableaux sonores que parviennent à illustrer l’orchestre et le chef.Mehr lesen
Gramophone | 03.05.2016 | David Threasher | 3. Mai 2016
Schumann’s Violin Concerto has one of the strangest histories of all great Romantic works. His last piece for orchestral forces, it was inspired byMehr lesen
This coincided with a particularly stressful period in Schumann’s personal and professional life, not least the fallout from his deficiencies as a conductor with the Düsseldorf Musikverein. He was plagued by illness; but work on music for Joachim—two sonatas, the Phantasie, Op 131, and the Concerto—invigorated him and he remarked often on his ability to concentrate diligently on the music for his young new fiddler friend.
Joachim never performed the concerto, though. With Schumann’s decline and suicide attempt, the violinist considered the work to be ‘morbid’ and the product of a failing mind; he wrote that it betrayed ‘a certain exhaustion, which attempts to wring out the last resources of spiritual energy’. This attitude evidently rubbed off on Clara and Brahms, who omitted it from the complete edition of Schumann’s works. Joachim retained the manuscript and bequeathed it to the Prussian State Library in Berlin upon his death in 1907, stating in his will that it should be neither played nor published until 1956, 100 years after Schumann’s death.
It was in 1933, however, that it came to light. This is where the story turns very peculiar. The violinist sisters Jelly d’Arányi and Adila Fachiri held a séance in which the shade of Schumann asked that they recover and perform a lost piece of his; then Joachim’s ghost handily popped up to mention that they might look in the Prussian State Library. A copy of the score was sent to Yehudi Menuhin, who pronounced it the ‘missing link’ in the violin literature between Beethoven and Brahms, and announced he would give its premiere in October 1937. D’Arányi claimed precedence on account of Schumann’s imprimatur (albeit from the other side), and the German State invoked their copyright on the work and demanded a German soloist have the honour. Georg Kulenkampff was eventually entrusted with the world premiere; Menuhin introduced it in the US and d’Arányi in the UK.
It’s long been considered a problematic work, owing partly to Joachim’s opinion of it, partly to some supposedly heavy scoring and partly to the awkward gait of the polonaise finale, which can too easily become a graveyard for dogged soloists. Nevertheless, it’s something of a rite of passage for recording violinists, and two of the finest present it on new discs, as Patricia Kopatchinskaja goes head-to-head with Thomas Zehetmair. Kopatchinskaja (with the Cologne WDR SO under Heinz Holliger in Vol 4 of his series of Schumann’s ‘Complete Symphonic Works’) displays the full range of sounds she is able to draw from her instrument, spinning something almost hallucinatory in the slow movement. The tone employed by Zehetmair (directing the Orchestre de Chambre de Paris) is more focused, more centred, as would appear to be his outlook on the work: all three movements are 40 seconds to a minute faster than Kopatchinskaja. Nevertheless, her concentration and imagination sustain the performance, and Holliger and his players follow her lead in creating some wondrous sounds, demonstrating yet again that Schumann’s orchestration isn’t as leaden as it’s often made out to be.
On first hearing, I wasn’t sure if I’d wish to revisit Kopatchinskaja’s disc in a hurry. But there’s something magnetic about her vision of the work, about the abandon with which she plays, never shunning an ugly tone when it’s called for. Zehetmair’s tidier, more dapper performance avoids such ugliness and makes choosing between the two an invidious choice. Holliger couples an energetic performance of the Piano Concerto with Dénes Várjon, incorporating in the first movement some features of the earlier Phantasie on which it was based, and which some might prefer to the self-conciously individual recent readings by Ingrid Fliter (reviewed on page 40) or Stephen Hough (Hyperion, 4/16). Zehetmair offers a lithe, spontaneous Spring Symphony and the fiddle Phantasie that Joachim did play.
Pat Kop also offers this latter work, on Vol 5 of Holliger’s series. Again, she takes a more spacious, more reactive approach than Zehetmair; elsewhere on the disc, Alexander Lonquich is similarly more inclined to let the music breathe in Schumann’s two single-movement concertante piano works than, say, the tauter Jan Lisiecki (DG, 1/16). The real draw here, though, is the Konzertstück for four horns and orchestra, in a performance that makes a truly joyful noise, even if it’s perhaps less sleek than Barenboim in Chicago or less steampunk than John Eliot Gardiner with a quartet of period piston horns.
These days, you’re as likely to find—on disc, at least—the Cello Concerto co-opted by violinists. Jean-Guihen Queyras returns it to the bass clef, though, completing the series of the three concertos and piano trios with Isabelle Faust, Alexander Melnikov and the Freiburg Baroque Orchestra under Pablo Heras-Casado. Queyras gives the best possible case for the concerto, making a virtue of the relative short-windedness of period instruments but exploiting their greater ensemble clarity. Where the gut strings really tell, though, is in the First Piano Trio—especially at those points at which Schumann asks for new sounds, such as in the first-movement development, where he tells the string players to play at the bridge for an eerie, glassy sound. I’ve enjoyed all the discs in this series without necessarily preferring them to certain older (modern-instrument) favourites. The combination of Queyras’s concerto and the wonderful, driven D minor Trio, though, leads me to suspect that this is the most persuasive of the three.
Gramophone | 03.05.2016 | David Threasher | 3. Mai 2016
Schumann’s Violin Concerto has one of the strangest histories of all great Romantic works. His last piece for orchestral forces, it was inspired byMehr lesen
This coincided with a particularly stressful period in Schumann’s personal and professional life, not least the fallout from his deficiencies as a conductor with the Düsseldorf Musikverein. He was plagued by illness; but work on music for Joachim—two sonatas, the Phantasie, Op 131, and the Concerto—invigorated him and he remarked often on his ability to concentrate diligently on the music for his young new fiddler friend.
Joachim never performed the concerto, though. With Schumann’s decline and suicide attempt, the violinist considered the work to be ‘morbid’ and the product of a failing mind; he wrote that it betrayed ‘a certain exhaustion, which attempts to wring out the last resources of spiritual energy’. This attitude evidently rubbed off on Clara and Brahms, who omitted it from the complete edition of Schumann’s works. Joachim retained the manuscript and bequeathed it to the Prussian State Library in Berlin upon his death in 1907, stating in his will that it should be neither played nor published until 1956, 100 years after Schumann’s death.
It was in 1933, however, that it came to light. This is where the story turns very peculiar. The violinist sisters Jelly d’Arányi and Adila Fachiri held a séance in which the shade of Schumann asked that they recover and perform a lost piece of his; then Joachim’s ghost handily popped up to mention that they might look in the Prussian State Library. A copy of the score was sent to Yehudi Menuhin, who pronounced it the ‘missing link’ in the violin literature between Beethoven and Brahms, and announced he would give its premiere in October 1937. D’Arányi claimed precedence on account of Schumann’s imprimatur (albeit from the other side), and the German State invoked their copyright on the work and demanded a German soloist have the honour. Georg Kulenkampff was eventually entrusted with the world premiere; Menuhin introduced it in the US and d’Arányi in the UK.
It’s long been considered a problematic work, owing partly to Joachim’s opinion of it, partly to some supposedly heavy scoring and partly to the awkward gait of the polonaise finale, which can too easily become a graveyard for dogged soloists. Nevertheless, it’s something of a rite of passage for recording violinists, and two of the finest present it on new discs, as Patricia Kopatchinskaja goes head-to-head with Thomas Zehetmair. Kopatchinskaja (with the Cologne WDR SO under Heinz Holliger in Vol 4 of his series of Schumann’s ‘Complete Symphonic Works’) displays the full range of sounds she is able to draw from her instrument, spinning something almost hallucinatory in the slow movement. The tone employed by Zehetmair (directing the Orchestre de Chambre de Paris) is more focused, more centred, as would appear to be his outlook on the work: all three movements are 40 seconds to a minute faster than Kopatchinskaja. Nevertheless, her concentration and imagination sustain the performance, and Holliger and his players follow her lead in creating some wondrous sounds, demonstrating yet again that Schumann’s orchestration isn’t as leaden as it’s often made out to be.
On first hearing, I wasn’t sure if I’d wish to revisit Kopatchinskaja’s disc in a hurry. But there’s something magnetic about her vision of the work, about the abandon with which she plays, never shunning an ugly tone when it’s called for. Zehetmair’s tidier, more dapper performance avoids such ugliness and makes choosing between the two an invidious choice. Holliger couples an energetic performance of the Piano Concerto with Dénes Várjon, incorporating in the first movement some features of the earlier Phantasie on which it was based, and which some might prefer to the self-conciously individual recent readings by Ingrid Fliter (reviewed on page 40) or Stephen Hough (Hyperion, 4/16). Zehetmair offers a lithe, spontaneous Spring Symphony and the fiddle Phantasie that Joachim did play.
Pat Kop also offers this latter work, on Vol 5 of Holliger’s series. Again, she takes a more spacious, more reactive approach than Zehetmair; elsewhere on the disc, Alexander Lonquich is similarly more inclined to let the music breathe in Schumann’s two single-movement concertante piano works than, say, the tauter Jan Lisiecki (DG, 1/16). The real draw here, though, is the Konzertstück for four horns and orchestra, in a performance that makes a truly joyful noise, even if it’s perhaps less sleek than Barenboim in Chicago or less steampunk than John Eliot Gardiner with a quartet of period piston horns.
These days, you’re as likely to find—on disc, at least—the Cello Concerto co-opted by violinists. Jean-Guihen Queyras returns it to the bass clef, though, completing the series of the three concertos and piano trios with Isabelle Faust, Alexander Melnikov and the Freiburg Baroque Orchestra under Pablo Heras-Casado. Queyras gives the best possible case for the concerto, making a virtue of the relative short-windedness of period instruments but exploiting their greater ensemble clarity. Where the gut strings really tell, though, is in the First Piano Trio—especially at those points at which Schumann asks for new sounds, such as in the first-movement development, where he tells the string players to play at the bridge for an eerie, glassy sound. I’ve enjoyed all the discs in this series without necessarily preferring them to certain older (modern-instrument) favourites. The combination of Queyras’s concerto and the wonderful, driven D minor Trio, though, leads me to suspect that this is the most persuasive of the three.
Thüringen Kulturspiegel | Mai 2016 | Dr. Eberhard Kneipel | 1. Mai 2016
AIte Schönheit - neuer Glanz
Die Gesamtaufnahme von Robert Schumanns Orchesterwerken beim Edel-Label audite
Erster Anlauf, erstaunliche Experimente, imponierende Meisterwerke: Ein außergewöhnliches und an Entdeckungen reiches Hör-Erlebnis ist zu haben – auch dank audite!Mehr lesen
Thüringen Kulturspiegel | Mai 2016 | Dr. Eberhard Kneipel | 1. Mai 2016
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Erster Anlauf, erstaunliche Experimente, imponierende Meisterwerke: Ein außergewöhnliches und an Entdeckungen reiches Hör-Erlebnis ist zu haben – auch dank audite!Mehr lesen
ClicMag | N° 38 Mai 2016 | Pascal Edeline | 1. Mai 2016
Une fois de plus, Holliger concilie l'aspect réfléchi, apollinien, de la lisibilité des lignes et l'aspect dionysiaque de la ferveur, de l'effusion lyrique émanant comme une voix unanime des solistes et de l'orchestre, mais sa direction solaire magnifiant le contraste et la clarté pourrait laisser de marbre les nostalgiques des timbres fondus, des legato sinueux, des élans remontant des profondeurs obscures, des tensions intériorisées, des paysages nimbés de mystère. Mehr lesen
MJ | MAY 2016 | Naoya Hirabayashi | 1. Mai 2016
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
Die Bühne
| Nr. 5 Mai 2016 | 1. Mai 2016
Empfehlungen der BÜHNE-Redaktion: Sterne des Monats
CD des Monats: Schumann, Complete Symphonic Works Vol. IV (audite)
Derzeit erlebt Schumanns Violinkonzert eine wahre Renaissance. Nach Isabelle Faust und Pablo Heras-Casado (harmonia mundi) bricht nun eine weitere CDMehr lesen
Thüringen Kulturspiegel | Mai 2016 | Dr. Eberhard Kneipel | 1. Mai 2016
AIte Schönheit - neuer Glanz
Die Gesamtaufnahme von Robert Schumanns Orchesterwerken beim Edel-Label audite
Erster Anlauf, erstaunliche Experimente, imponierende Meisterwerke: Ein außergewöhnliches und an Entdeckungen reiches Hör-Erlebnis ist zu haben – auch dank audite!Mehr lesen
ensuite Kulturmagazin | Mai 2016 | Francois Lilienfeld | 1. Mai 2016 Aufnahmen mit Ferenc Fricsay (2.Teil)
Bei diesem Werk ist im Übrigen der Vergleich der beiden Fassungen des Trios im 3. Satz reizvoll: Hier die RIAS-Klarinetten mit ihrem samtweichen Ton, bei DG die Bläser der Wiener Symphoniker, die dem Wienerisch-Folkloristischen im Klang näher sind und etwas herber klingen. Die Qualität ist in beiden Fällen fabelhaft.Mehr lesen
Thüringen Kulturspiegel | Mai 2016 | Dr. Eberhard Kneipel | 1. Mai 2016
AIte Schönheit - neuer Glanz
Die Gesamtaufnahme von Robert Schumanns Orchesterwerken beim Edel-Label audite
Erster Anlauf, erstaunliche Experimente, imponierende Meisterwerke: Ein außergewöhnliches und an Entdeckungen reiches Hör-Erlebnis ist zu haben – auch dank audite!Mehr lesen
F. F. dabei | Nr. 9/2016 vom 30. April bis 13. Mai | 30. April 2016 Mediamarkt – F.F. sichtet Musik- und Literaturangebote
Die fünfte Folge der Reihe ergänzt die Solokonzerte mit den kompakten Konzertstücken des Komponisten. Patricia Kopatchinskaja und Alexander Lonquich setzen dabei ihre ganz eigene Handschrift in die Kompositionen.Mehr lesen
The Guardian | 2016/Apr/28 | Andrew Clements | 28. April 2016 Holliger makes Manfred crackle
Anyone who has followed Holliger’s series won’t be disappointed by this final instalment.Mehr lesen
Der neue Merker | 26. April 2016 | Dr. Ingobert Waltenberger | 26. April 2016
Alexander Lonquich am Flügel bringt genau jenen melancholisch-jubelnden Ton, jenes fantastische Fabulieren voller zarter Farben ein, „polarisierend zwischen Trotz und Melancholie auf der einen, Traum und Sehnsucht auf der anderen Seite.“ Heinz Holliger als Seele des Unterfangens ist ein idealer Dirigent und Begleiter, der sich dem Schumann‘schen Kosmos beeindruckend anverwandt hat.Mehr lesen
Kölner Stadtanzeiger | Freitag, 22. April 2016 | Markus Schwering | 22. April 2016
Kampf gegen den Taktstrich
WDR Sinfonieorchester Holliger beendet glänzend seine Totale des orchestralen Schumann
Schließlich gelingt es Holliger, wirkungsvoll ein altes Vorurteil zu dementieren: dasjenige vom unfähigen Orchestrator Schumann und seinem fett-opaken Instrumentalsatz. Der Dirigent orientiert sich bei seinen WDR-Aufnahmen an der historischen Aufführungspraxis: Er dramatisiert, belüftet, entschlackt den Klang, verschärft Akzente, reduziert das Streicher-Vibrato, lässt die Bläserstimmen plastisch heraustreten, verwendet überhaupt auf die Balance der Gruppen größte Sorgfalt. Das Ergebnis: Der reife Schumann klingt hier, auch ohne angezurrte Tempi, jugendlich frisch.Mehr lesen
www.concertonet.com | 04/15/2016 | FC | 15. April 2016 Un dernier volume pour Grieg
On reste en terrain bien connu avec les deux premières, tirées de Peer Gynt, où le chant velouté et cristallin de Camilla Tilling (née en 1971) séduit.Mehr lesen
Gramophone | Wed 13th April 2016 | 13. April 2016
Top 10 Grieg recordings
Aadland’s Cologne Radio Grieg survey continues
The first two discs in this ‘Complete Symphonic Works’ series (10/11, 11/11) were outstanding. This third is wholly exceptional. The presence ofMehr lesen
Aadland’s Romance – unlike Beecham’s it is complete and not marginally reorchestrated – becomes a kind of Norwegian Enigma Variations avant la lettre, mixing a large degree of symphonic seriousness with wit and Griegian nostalgia. The demonstration-class recording showcases a weight and colour of orchestration that puts this Grieg score in the correct but rarely considered position of contemporary to Strauss’s early orchestral masterworks. A piece that (sssh, even on the two Beecham recordings) can sound bloated and occasional claims a place here alongside, indeed anticipates, the disguised turn-of-the-century unnamed symphonies of Rachmaninov, Elgar and the like.
A similar seriousness but never overblown grandeur informs In Autumn. Aadland has already shown us in this cycle that he is good at correctly scaling miniatures both in joy and in grief. He seconds those achievements here in the characterisation of the Lyric Suite and the Sigurd Jorsalfar music, while the five minutes of Klokkeklang (‘Bell-ringing’) become a spooky shadow of the Bøyg’s music in Peer Gynt (eagerly awaited in this series). A compulsively playable record, hugely recommended.
http://theclassicalreviewer.blogspot.de | Wednesday, 13 April 2016 | Bruce Reader | 13. April 2016 A very fine Violin Concerto from Patricia Kopatchinskaja that will surely help this work to gain acceptance and a particularly musical performance of the Piano Concerto in A Minor from Dénes Várjon on Heinz Holliger’s fourth volume of his complete survey of the orchestral works of Schumann for Audite
This is a particularly musical performance lacking in any superficial show for virtuosity’s sake. They receive an excellent recording again from the Philharmonie, Koln and there are excellent booklet notes.Mehr lesen
Audiophile Audition | April 12, 2016 | Gary Lemco | 12. April 2016
The recording and engineering by Mark Hohn has been attentive to all of those glorious color details that make the Grieg experience unique, especially in surround.Mehr lesen
The New Listener | 09/04/2016 | Oliver Fraenzke | 9. April 2016 Perlen des Nordens
Eivind Aadland geht dem Orchesterwerk dieses grandiosen Komponisten auf den Grund, gemeinsam mit dem WDR-Sinfonieorchester Köln spielte er es auf fünf CDs für audite ein. Das Orchester spielt klar und durchhörbar, der Dirigent verzichtet auf alle unnötigen Romantizismen und überdehnte Tempi rubati. [...] Es entstehen vielfarbige Schattierungen und das Ganze wird nicht wie viel zu häufig zu hören in einem einzigen monochromen „Grieg-Klang“ verschmolzen.Mehr lesen
The New Listener | 09/04/2016 | Oliver Fraenzke | 9. April 2016 Perlen des Nordens
Eivind Aadland geht dem Orchesterwerk dieses grandiosen Komponisten auf den Grund, gemeinsam mit dem WDR-Sinfonieorchester Köln spielte er es auf fünf CDs für audite ein. Das Orchester spielt klar und durchhörbar, der Dirigent verzichtet auf alle unnötigen Romantizismen und überdehnte Tempi rubati. [...] Es entstehen vielfarbige Schattierungen und das Ganze wird nicht wie viel zu häufig zu hören in einem einzigen monochromen „Grieg-Klang“ verschmolzen.Mehr lesen
The New Listener | 09/04/2016 | Oliver Fraenzke | 9. April 2016 Perlen des Nordens
Eivind Aadland geht dem Orchesterwerk dieses grandiosen Komponisten auf den Grund, gemeinsam mit dem WDR-Sinfonieorchester Köln spielte er es auf fünf CDs für audite ein. Das Orchester spielt klar und durchhörbar, der Dirigent verzichtet auf alle unnötigen Romantizismen und überdehnte Tempi rubati. [...] Es entstehen vielfarbige Schattierungen und das Ganze wird nicht wie viel zu häufig zu hören in einem einzigen monochromen „Grieg-Klang“ verschmolzen.Mehr lesen
Basler Zeitung | Montag, 4. April 2016 | Sigfried Schibli | 4. April 2016 Holligers Schumannfeier
Vor allem das späte Violinkonzert dürfte in der Aufnahme mit der Geigerin Patricia Kopatchinskaja mit dem WDR-Sinfonieorchester Köln unter Heinz Holliger für Diskussionsstoff sorgen. Die Solistin spielt die Sechzehntelketten des ersten Satzes mit unerhörter Zärtlichkeit; in der Durchführung kommt dann eine Zerbrechlichkeit hinzu, welche die Musik fast zum Stillstand bringt. Das ist mit grosser Behutsamkeit und in der Absicht gespielt, der Musik alles Kraftstrotzende, Gesunde auszutreiben.Mehr lesen
Fono Forum | April 2016 | Michael Kube | 1. April 2016
Nach fast anderthalb Jahren setzt das Label audite seinen Schumann-Zyklus mit einer Doppelfolge fort. Aufgrund der Besetzung und der Werke fraglos einMehr lesen
Wie so oft erweist sich alles nur als eine Frage der Interpretation – von der Verständigkeit gegenüber dem Notentext über das aufmerksame Zusammenwirken bis hin zur passgenauen Artikulation und das rechte Tempo. In diesem Sinne gelingt es Holliger und seinen Solisten mit den Konzertstücken für Klavier op. 92 und op. 134 (Alexander Lonquich) sowie der Violin-Fantasie op. 131 tatsächlich zu überzeugen: Man hört einen Komponisten, dem das virtuose Element eigentümlich fremd und doch so nah war, dem am Ende aber der poetische Gedanke mehr zählte als jede leere Phrase. Hier begegnen sich über mehr als 150 Jahre hinweg die Komponisten Schumann und Holliger auf ästhetischer Ebene – der Dirigent Holliger aber weiß, wie auch der rechte Tonfall in einer klanglich agilen, in nahezu jedem Moment die Aufmerksamkeit bannenden Aufnahme festzuhalten ist. Umso mehr muss der stark aufgeraute, bisweilen kantige Zugriff von Patricia Kopatchinskaja im Violinkonzert verstören, der nicht gerade vor wohliger Wärme sprüht; das kühle Solo des langsamen Satzes lehrt einen gar das Frösteln. Daneben vermag Dénes Várjon im delikat angegangenen Klavierkonzert mit seinem eher vorsichtigen, keineswegs griffigen Forte nicht vollständig zu überzeugen.
CD Journal | APR. 2016 | 1. April 2016
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
concerti - Das Konzert- und Opernmagazin | April 2016 | Dr. Eckhard Weber | 1. April 2016 Unfassbar
Holliger durchmisst mit dem vor Energie strotzenden WDR Sinfonieorchester eine unfassbare räumliche Tiefe – Kopatchinskaja lässt ihren Geigenton vielfach schillern, das alles in präziser Linienführung. Schumanns Klavierkonzert dagegen befreien Holliger und Pianist Denes Varjon entspannt und reflektiert von schwülstiger Romantik, verleihen ihm Dynamik und Licht. Wahre Referenzaufnahmen!Mehr lesen
hifi & records | 2/2016 | Uwe Steiner | 1. April 2016
Patricia Kopatchinskajas Seelenton, im Lyrischen an der Grenze zum Verstummen, offenbart die kaum verhohlene, doch nie ausgestellte Melancholie dieser demonstrativ unvirtuosen Abschiedsmusik. Denes Varjon legt eine genau ausgehörte Deutung des Klavierkonzerts vor, die gerade auch im Finale nicht über die rhythmische Struktur hinwegmusiziert.Mehr lesen
Musica | N° 275 - aprile 2016 | Giuseppe Rossi | 1. April 2016
Un rinnovato interesse per le opere orchestrali di Robert Schumann ha vistoMehr lesen
Musica | N° 275 - aprile 2016 | Giuseppe Rossi | 1. April 2016
Un rinnovato interesse per le opere orchestrali di Robert Schumann ha vistoMehr lesen
Fono Forum | April 2016 | Michael Kube | 1. April 2016
Nach fast anderthalb Jahren setzt das Label audite seinen Schumann-Zyklus mit einer Doppelfolge fort. Aufgrund der Besetzung und der Werke fraglos einMehr lesen
Wie so oft erweist sich alles nur als eine Frage der Interpretation – von der Verständigkeit gegenüber dem Notentext über das aufmerksame Zusammenwirken bis hin zur passgenauen Artikulation und das rechte Tempo. In diesem Sinne gelingt es Holliger und seinen Solisten mit den Konzertstücken für Klavier op. 92 und op. 134 (Alexander Lonquich) sowie der Violin-Fantasie op. 131 tatsächlich zu überzeugen: Man hört einen Komponisten, dem das virtuose Element eigentümlich fremd und doch so nah war, dem am Ende aber der poetische Gedanke mehr zählte als jede leere Phrase. Hier begegnen sich über mehr als 150 Jahre hinweg die Komponisten Schumann und Holliger auf ästhetischer Ebene – der Dirigent Holliger aber weiß, wie auch der rechte Tonfall in einer klanglich agilen, in nahezu jedem Moment die Aufmerksamkeit bannenden Aufnahme festzuhalten ist. Umso mehr muss der stark aufgeraute, bisweilen kantige Zugriff von Patricia Kopatchinskaja im Violinkonzert verstören, der nicht gerade vor wohliger Wärme sprüht; das kühle Solo des langsamen Satzes lehrt einen gar das Frösteln. Daneben vermag Dénes Várjon im delikat angegangenen Klavierkonzert mit seinem eher vorsichtigen, keineswegs griffigen Forte nicht vollständig zu überzeugen.
Record Geijutsu | APR. 2016 | 1. April 2016
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Fanfare | April 2016 | Peter Burwasser | 1. April 2016
This is volume five of Audite’s survey of the complete symphonic music of Edvard Grieg, and not surprisingly, it continues to delight with excellentMehr lesen
No surprises here as far as Aadland and his Cologne musicians are concerned, and that’s a good thing, because previous releases have also featured lusty, deeply committed performances. Great engineering from Audite, also as usual (and I am only hearing it in standard CD playback). This is a terrific series.
Record Geijutsu | APR. 2016 | 1. April 2016
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Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
Stuttgarter Zeitung | 22.03.2016 | Dr. Uwe Schweikert | 22. März 2016
Eine Großtat für Robert Schumann
Heinz Holliger und das WDR Sinfonieorchester Köln nehmen das gesamte sinfonische Werk auf
Man sagt wohl nicht zu viel, wenn man diese CDs als die wichtigste Schumann-Einspielung seit langem rühmt. Sie beweist, dass es keines historischen Instrumentariums und auch keines Spezialistenensembles bedarf, um die Werke aus dem Geist der Zeit für heute aufs Neue zu verlebendigen.Mehr lesen
The Guardian | Thursday 17 March 2016 | Andrew Clements | 17. März 2016
Schumann: Konzertstücke; Fantasies
CD review – questing and luxuriant
The work for four horns stands out, if only for the novelty of its scoring, and Holliger’s performance – with a fabulously secure quartet of soloists – luxuriates in the sonorities it generates, while in the two works with piano, the soloist Alexander Lonquich finds moments of poetic beauty in the lyrical interludes. Mehr lesen
ClicMag | N° 36 - 03/2016 | Pascal Edeline | 1. März 2016
Patricia Kopatchinskaja takes the experimental qualities of the Violin Concerto, a late work, as a guiding principle for her individual interpretation, rising above clichéd Romanticist listening habits. In the Piano Concerto, Dénes Várjon also expresses a particular Romantic clarity, characterised by fresh sounds and fluid tempi.Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | maart 2016 | Gerard Scheltens | 1. März 2016 | Quelle: https://www.opus...
het vioolconcert met de wervelende " Pat Kop" een waar feest.Mehr lesen
American Record Guide | March / April 2016 | Vroon | 1. März 2016
This series has been good except where there is formidable competition. This program is, by that standard, mixed. Certainly the Norwegian Dances hereMehr lesen
I don’t like ‘The Mountain Thrall’, a six-minute piece for baritone and orchestra.
That leaves the six orchestral songs. Three of them are familiar: the two Solveig songs from Peer Gynt and ‘The Last Spring’. To those are added ‘From Monte Pincio’, ‘A Swan’, and ‘Henrik Wergeland’. I know no better recording of the six songs, though of course there are better ones of the Solveig songs in sets of Peer Gynt. (Eileen Farrell did one of them with Fiedler.)
Tempos are slower than in any other recording I know. The singer never sounds “operatic” but has a sweet folk simplicity combined with a lovely, well-trained voice. There’s a Norwegian melancholy here that often fails to show up.
The six songs take 27 minutes (Inger Dam-Jensen on Naxos takes 24 minutes). Add the 8 minutes of the two Lyric Pieces, and there is 35 minutes of music here that can’t be beat elsewhere. Sound is excellent.
Audio | 03/2016 | Lothar Brandt | 1. März 2016
Bei seinem Violinkonzert, das Robert Schumann noch vor dem Fall in die geistige Umnachtung vollenden konnte, fühlen sich Geiger und KommentatorenMehr lesen
Musik & Theater | 03/04 März/April 2016 | Reinmar Wagner | 1. März 2016 Feuerwerk an Ideen
[...] wenn Patricia Kopatchinskaja mit dabei ist, dann erhält die Bezeichnung Fantasie erst ihre wahre Bedeutung: Ein Feuerwerk an Ideen – manche spektakulär, manche nur Nuancen – lebendig, rhythmisch aufsässig präsentiert oder in lässiger Nonchalance gibt dieser Musik improvisatorischen Charakter.Mehr lesen
Record Geijutsu | March 2016 | 1. März 2016
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
BBC Radio 3 | Record Review - Saturday 27th February 2016 | Andrew McGregor | 27. Februar 2016
BROADCAST
Record Review
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
The Herald Scotland | Friday 26 February 2016 | Michael Tumelty | 26. Februar 2016
Moldovan-born violinist Patricia Kopatchinskaja plays the Violin Concerto with an elemental conviction I have not heard. Her attack is phenomenal and she obviously believes every note she is playing. In the melting slow movement she will break your heart;Mehr lesen
http://asiagolfonline.com | 26.02.2016 | 26. Februar 2016
Patricia Kopatchinskaja plays the Violin Concerto with an elemental conviction I have not heard. Her attack is phenomenal and she obviously believes every note she is playing. In the melting slow movement she will break your heartMehr lesen
www.ilcorrieremusicale.it | 13 febbraio 2016 | Stefano Cascioli | 23. Februar 2016
Prosegue l’integrale delle opere sinfoniche di Schumann che l’AuditeMehr lesen
Vorarlberger Nachrichten | 19. Februar 2016 | Fritz Jurmann | 19. Februar 2016 MusikTipps von Fritz Jurmann
[...] auch hier setzt [Kopatchinskaja] in [Schumanns] späten, oft verkannten Violinkonzert d-Moll mit vibratoarmem Spiel und leeren Saiten deutliche Akzente. Experimentelle Züge dienen der Künstlerin als Leitbild für ihre stark individuelle Lesart jenseits aller klischeehaft romantisierten Hörgewohnheiten. Desgleichen verfährt sie mit seiner Fantasie für Violine, die ihrer ungezügelten Spielweise besonders entgegenkommt.Mehr lesen
Rondo | Nr. 936 // 16. - 22.04.2016 | Guido Fischer | 19. Februar 2016
Herb, mit ungeschöntem Zugriff, bis an die Grenze des Brutalen richtet Patricia Kopatchinskaja den Blick auf die klaffenden Wunden, die diese Partitur eben auch offenbart. Und der Finalsatz ist trotz des Sehnsuchtstons doch ein einziger Seelentaumel.Mehr lesen
Vorarlberger Nachrichten | 19. Februar 2016 | Fritz Jurmann | 19. Februar 2016 MusikTipps von Fritz Jurmann
[...] auch hier setzt [Kopatchinskaja] in [Schumanns] späten, oft verkannten Violinkonzert d-Moll mit vibratoarmem Spiel und leeren Saiten deutliche Akzente. Experimentelle Züge dienen der Künstlerin als Leitbild für ihre stark individuelle Lesart jenseits aller klischeehaft romantisierten Hörgewohnheiten. Desgleichen verfährt sie mit seiner Fantasie für Violine, die ihrer ungezügelten Spielweise besonders entgegenkommt.Mehr lesen
Rondo | Nr. 936 // 16. - 22.04.2016 | Guido Fischer | 19. Februar 2016
Ins hymnische Land der Schwärmerei lädt [...] das Konzertstück für vier Hörner ein – dank der vier Bravour-Hornisten des WDR Sinfonieorchesters Köln.Mehr lesen
www.ilcorrieremusicale.it | 18 febbraio 2016 | Stefano Cascioli | 18. Februar 2016
Senza dubbio è un Cd piuttosto singolare, che, vista la proposta di brani ben poco conosciuti, ha i tratti delle incisioni “di riempimento” (necessarie in ogni integrale che si rispetti), ma non per questo è una proposta meno interessante, anzi gli accostamenti sono davvero suggestivi, e chiariscono ancor meglio alcune peculiarità del complesso pensiero schumanniano.Mehr lesen
www.pizzicato.lu | 11/02/2016 | Alain Steffen | 11. Februar 2016 Holligers moderner Schumann
Ich habe mit Heinz Holliger als Dirigent nicht selten meine Schwierigkeiten. Gerade im romantischen Repertoire ist er mir oft zu kühl und zuMehr lesen
Wie schon Isabelle Faust räumt auch Kopatchinskaya mit den Klischees auf und zeigt uns Schumanns Musik in einem sehr frischen und dynamischen Gewand. Holliger dirigiert erstaunlich musikantisch, verzichtet aber wie gewohnt auf zu starke romantische Exkurse. So stehen vor allem ein aktzentreiches und klares Musizieren im Vordergrund.
Mit dem gleichen Konzept geht Holliger auch das beliebte Klavierkonzert an. Genussvoll lässt er das hervorragend disponierte WDR Sinfonieorchester Köln aufspielen, sieht aber seinen Schumann auch hier durch eine strengere klassischere Brille. Was der Musik aber sehr gut tut. Dénes Varjon spielt das Konzert sehr virtuos und mit einer sehr deutlichen Artikulation. Ob man jetzt dieses eher unromantische Interpretationskonzept mag oder lieber die Werke in der klassischen Optik sieht sei einem jeden überlassen. Für mich jedenfalls kommt das Violinkonzert in der Interpretation Kopatchinskaya/Holliger sehr nahe an das Referenzniveau heran.
Vol V. präsentiert etwas weniger attraktive Werke. Hier sticht insbesondere das Konzertstück für vier Hörner ins Auge. Holliger und seine Solisten wollen von Jägerromantik nichts wissen und spielen das Stück äußerst präzise und klar. Der Wohlklang der Hörner ist zwar präsent, ist aber mehr das Resultat einer analytischen und architektonisch begründeten Interpretation als das einer rein atmosphärisch orientierten. Alexander Lonquich spielt die beiden Konzertstücke für Klavier und Orchester op. 92 & 114 mit schönem Ton und ausgewogenem Ausdruck, Kopatchinskaya ist in der Fantasie für Violine und Orchester wieder einmal überragend. Heinz Holliger kann diesen drei Werken deutlich weniger interessante Aspekte abgewinnen als dem Violinkonzert oder dem Klavierkonzert.
Heinz Holliger continues to explore Schumann’s symphonic works in a very clear and analytical way. The highlight of the CDs is the very fresh and vivid performance of the Violin Concerto.
www.pizzicato.lu | 11/02/2016 | Alain Steffen | 11. Februar 2016 Holligers moderner Schumann
Ich habe mit Heinz Holliger als Dirigent nicht selten meine Schwierigkeiten. Gerade im romantischen Repertoire ist er mir oft zu kühl und zuMehr lesen
Wie schon Isabelle Faust räumt auch Kopatchinskaya mit den Klischees auf und zeigt uns Schumanns Musik in einem sehr frischen und dynamischen Gewand. Holliger dirigiert erstaunlich musikantisch, verzichtet aber wie gewohnt auf zu starke romantische Exkurse. So stehen vor allem ein aktzentreiches und klares Musizieren im Vordergrund.
Mit dem gleichen Konzept geht Holliger auch das beliebte Klavierkonzert an. Genussvoll lässt er das hervorragend disponierte WDR Sinfonieorchester Köln aufspielen, sieht aber seinen Schumann auch hier durch eine strengere klassischere Brille. Was der Musik aber sehr gut tut. Dénes Varjon spielt das Konzert sehr virtuos und mit einer sehr deutlichen Artikulation. Ob man jetzt dieses eher unromantische Interpretationskonzept mag oder lieber die Werke in der klassischen Optik sieht sei einem jeden überlassen. Für mich jedenfalls kommt das Violinkonzert in der Interpretation Kopatchinskaya/Holliger sehr nahe an das Referenzniveau heran.
Vol V. präsentiert etwas weniger attraktive Werke. Hier sticht insbesondere das Konzertstück für vier Hörner ins Auge. Holliger und seine Solisten wollen von Jägerromantik nichts wissen und spielen das Stück äußerst präzise und klar. Der Wohlklang der Hörner ist zwar präsent, ist aber mehr das Resultat einer analytischen und architektonisch begründeten Interpretation als das einer rein atmosphärisch orientierten. Alexander Lonquich spielt die beiden Konzertstücke für Klavier und Orchester op. 92 & 114 mit schönem Ton und ausgewogenem Ausdruck, Kopatchinskaya ist in der Fantasie für Violine und Orchester wieder einmal überragend. Heinz Holliger kann diesen drei Werken deutlich weniger interessante Aspekte abgewinnen als dem Violinkonzert oder dem Klavierkonzert.
Heinz Holliger continues to explore Schumann’s symphonic works in a very clear and analytical way. The highlight of the CDs is the very fresh and vivid performance of the Violin Concerto.
www.artalinna.com | 3 février 2016 | Jean-Charles Hoffelé | 3. Februar 2016 De l’impossibilité de finir
Finir ainsi une série aussi gagnante est simplement impossible, il faut qu’Audite joigne à l’Orchestre Symphonique de Cologne un chœur norvégien pour que la baguette inspirée d’Eivind Aadland nous offre la version intégrale de la musique de scène pour Peer Gynt, Olaf Trygvason, Sigurd Jorsalfar, Terre en vue et le sublime Devant un couvent du Sud où Camilla Tilling ferait merveille.Mehr lesen
NDR Kultur | 21. Januar 2016
BROADCAST
"Matinee"
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
Gramophone | Fri 8th January 2016 | Philip Clark | 8. Januar 2016
Schumann's symphonies – building a fantasy world
Philip Clark explores why Simon Rattle, Heinz Holliger, Yannick Nézet-Séguin and Robin Ticciati are immersing themselves in Schumann's highly individual sound world
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings bless the darkness with glimpses of light – when you’re RobertMehr lesen
The symphonic models are clear and we hear the ghostly spectre of Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms and Mendelssohn – but no one has told Schumann’s material that it needs to conform, and the music cannot help but spill over any frame its composer attempts to place around it. The first movement of his Symphony No 1 reaches an apparent cathartic end-point as a solo flute line marked dolce reconciles grinding harmonic and structural inner tensions. Time to stop this madness. But then brass, percussion and trilling woodwinds unleash a stampeding burlesque march. Baleful chromatic inclines smudge the harmony, like Offenbach or Sousa turned on their dark side, and such instability derives from the restlessness of Schumann’s mind, you think, rather than being an overtly conceptual compositional strategy.
The free jazz of the Second Symphony’s sostenuto assai prologue, C major credentials asserted by having the strings play anything but, as the brass sustain pure C major triads; in the Third Symphony, that extra movement that sneaks in before the finale, a cobwebby and gothic reimagining of the grounding contrapuntal principles of Renaissance music and Bach; and the audacious cyclic structure of the Fourth Symphony, each movement played attacca and dovetailing into the next. This music of demons and angels grapples also with angles – to take on structure, awkward punctuation, Schumann pushing form, his personal mission being to remould the symphony. And when the realisation dawns that Schumann composed the first version of what would become his Fourth Symphony in the same year as his First Symphony, eyes blink in astonishment. The natural order of things would be to presume that Schumann’s streamlined Fourth Symphony is a perfect distillation of the first three symphonies – but the pathway through Schumann’s symphonic journey is filled with unexpected and improbable twists and turns.
Deciding to record a cycle of the Schumann symphonies begs the question: what exactly should be recorded? And complementary but divergent ideas about the Schumann symphonies have been paraded as rarely before, with four major conductors during the past 18 months releasing four major cycles on disc. Sir Simon Rattle, with the Berlin Philharmonic, gives us four symphonies with the early 1841 version of the Fourth, while Yannick Nézet-Séguin (and the Chamber Orchestra of Europe) and Robin Ticciati (with the Scottish Chamber Orchestra) opt for Schumann’s 1851 revised version. But Heinz Holliger and the WDR Symphony Orchestra of Cologne – like Sir John Eliot Gardiner and his Orchestre Révolutionnaire et Romantique, whose trailblazing 1997 Schumann cycle was given the boxed-up DG reissue treatment last year – perceive Schumann’s symphonic evolution in seven stages. When Holliger completes his cycle during the next year and a half, Schumann’s early Symphony in G minor (theZwickau Symphony) will take its place alongside the first three canonic symphonies, both versions of the Fourth, and the often-overlooked mini-me symphony Overture, Scherzo and Finale – Schumann’s compositional twists of fate put into historical context by a composer/conductor/oboist who has been obsessed with the composer’s enigma for more than 40 years.
I made Rattle’s cycle my Critics’ Choice album of the year in the December 2014 issue; I’ve also elevated Nézet-Séguin’s to an equivalent position in the past. Ticciati’s set has given me much pleasure too, and even more to think about. Nézet-Séguin and Ticciati deploy chamber-orchestra string sections, with Ticciati most explicitly evoking period-instrument practice. Rattle’s Berlin set carries its weightier orchestral ballast very elegantly, and his set became my portal back to Schumann after a longer period than I care to admit when my listening had been dominated by Beethoven, Brahms and Bruckner. Rattle’s opulent, rapacious approach – the climax of the First Symphony’s opening movement and the Trio in the Second Symphony’s Scherzo seemingly moving faster than time itself, while the Berlin strings float the slow movement towards heaven – represented the warmest welcome back possible to Schumann’s dream-built chimeric fantasy world, the heartfelt directness of his melodic fancy played out over structural chess moves. Ticciati’s sometimes manically driven, flintier orchestral sound can be unexpectedly austere; Nézet-Séguin’s cycle is the most unashamedly Romantic of the four, fevered-brow gesturing, rubato with attitude.
Despite their differences, though, the sets are unified by one underlying common denominator – none of them could have been recorded 30, or even 20, years ago. Over the phone from his home in Zurich, Heinz Holliger suppresses a laugh when I ask: why now? Why, suddenly, have maestros gone all Schumann crazy? ‘Well, I started conducting him 30 years ago, when too many conductors had problems with Schumann,’ he reflects. ‘He was never a problem for pianists or composers – Debussy and Berg held him in great esteem – but conductors realised that you cannot try to sight-read Schumann; if you do, the music is completely grey.’ And even 50 shades of grey would not be enough to express Schumann’s multiverse of colour? ‘He does not write out everything; he doesn’t tell you which voice is the principal and which accompanies; nor whether one instrument should have a diminuendo while the others crescendo. To make a Schumann symphony sound light and transparent, as he intended, takes a lot of rehearsal. Each player needs to know whether they’re playing part of only the harmony, or whether they are involved in the counterpoint. Schumann was a great writer of words too, and you need to understand how close the phrasing is to speech. But many conductors are not so interested in this background; they just play what they read.’
Holliger reminds me that Schumann never heard more than 12 first violins during his whole life and, in his view, the period-instrument movement has had a very positive effect on how conductors perceive appropriate orchestral weighting and internal balance. And when I talk to Sir Simon Rattle a few weeks earlier, he makes a characteristically smart analogy: ‘We think of Beethoven and Brahms as being the grizzled old lions of Austro-German symphonic tradition,’ he tells me, ‘but Schumann’s symphonies move like a panther. Beethoven plunges his feet forcefully through the ground; but Schumann’s feet sprint and never fully touch the floor.’
Rattle can’t quite explain why Schumann is suddenly so de rigueur, although sometimes, he says, mysterious forces collude to raise the collective consciousness around a particular composer. But the important thing for Rattle is that distinct and informed conductorly perspectives must all be celebrated. Ticciati’s way is not his way, but Rattle admires enormously how he tackles the 1851 revision of the Fourth Symphony: ‘Robin makes a clear case for how the revised version can retain the radical edge of the 1841 version. Still it sounds like a fireball and I take my hat off to him.’
Which Fourth Symphony? That’s the most fundamental decision any wannabe Schumann conductor must make. To programme the 1841 version is to agree with Brahms, who owned the autograph score and wrote: ‘It is a real pleasure to see anything so bright and spontaneous expressed with corresponding ease and grace.’ He found the revised version charmless and stodgy, and Rattle and Holliger concur with Brahms, and each other, that the first version is much preferable – although they choose to do notably different things with that information. ‘Schumann made the revised piece in a depressive state,’ Rattle says, ‘and Brahms was completely right about the relative merits of the two versions.’ Holliger adds that Schumann’s orchestra in Düsseldorf, which premiered the new version, was nowhere near as honed as the standard of playing he had become accustomed to in Leipzig, while Schumann himself ‘was heavier, and moved and spoke more slowly’. But the pertinent point for Holliger is that Schumann retained his high-velocity metronome marks. Rattle chooses to ignore the later rewrite – Holliger gives us both but attempts to play the 1851 version, as he says, ‘retaining the true spirit of the earlier version’.
Holliger reminds me that he met Rattle 40 years ago when the young conductor invited him to perform Richard Strauss’s Oboe Concerto with the Bournemouth Symphony Orchestra. And Rattle clearly remains in awe of Holliger’s status as a Schumann guru – ‘Ask Heinz, when you speak to him, to tell you about the tempo relationships in the symphonies and about his extraordinary discovery in the fourth movement of the Rhenish Symphony.’ And I’m happy to take my cue from the Music Director of the Berlin Philharmonic.
On paper, and in the mind, Schumann’s Second Symphony registers as the most conventionally ‘symphonic’, its four movement groundplan – with a slow introduction breaking into an Allegro trot – putting you in mind of the first two Beethoven symphonies or of Haydn. And as I began to reacquaint myself with Schumann’s symphonic world, I pondered how a composition that felt instinctively unified melodically and motivically could also sound so disparate and varied, like each movement acting as a standalone character piece (not that you would necessarily want that). Holliger provides an answer.
‘The first and second movements,’ he tells me, ‘have the same metronome mark of crotchet=144, and the slow movement is nearly half; then the finale is in a very fast one-beat-per-bar, but still you feel like each bar matches the beat of the slow movement. The whole symphony is in one, like the conception of Mendelssohn’s Scottish Symphony.’ Holliger explains how the music is glued together throughout by a four-note cell, but I ask him to tell me about the music’s disunity. Am I right to hear each movement orbiting independently too, in a way that is uniquely Schumann? Holliger alludes to Bernd Alois Zimmermann, the composer of Die Soldaten, Photoptosis and Requiem für einen jungen Dichter, who died in 1970, and who was famous for pieces that made liberal use of collage and knitted together layers of borrowed material. ‘He was fascinated by the idea of Kugelgestalt – that time is like a ball, and all times of all centuries are focused in one single point. I think Schumann understood this too. You ask about the Second Symphony – well, the beginning could be like 17th-century polyphony and then, suddenly, it looks 120 years or more into the future. You feel this composer knows the whole history of music.’
The Second Symphony’s Scherzo has something of the lightness of Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream, Holliger explains as he tells me about those angels and demons, ‘but is relentless, a diabolic dance, in the mood of ETA Hoffmann’. And that shockingly abrupt change of mood, the solo flute overtaken by a brutal march as the first movement of the First Symphony reaches its climax, is another characteristic Schumann moment. ‘In the First Symphony the flute symbolises a butterfly which here is overwhelmed by very tragic music. Marches are a frightening thing. Send soldiers to kill, and you’re asking them to stop thinking about what they are doing. Trills in Schumann, like the woodwind trills you mention, often tremor and shiver like music with a high fever – this is not the Baroque idea of a trill as ornamentation.’
Holliger talks about the symbolism of instrumental identity in Schumann’s music. In Overture, Scherzo and Finale a choir of three trombones appear suddenly like a premonition of the role they will take in the fourth movement of the Rhenish. ‘When his brother Eduard was dying, Schumann woke up at three in the morning. He had been dreaming about three trombones, and later he learnt that his brother had died at 3am. Always in Schumann, three trombones is a message about death.’ I mention that Rattle urged me to ask him about this same movement. ‘Well, when I looked at the sketches, I realised that the tempo changes to double the speed two beats later than in the printed score – nobody ever does this, but the difference is essential.’
That Schumann had such specific ideas about orchestral colour and instrumental identity runs triumphantly contrary to that tired cliché about his orchestration being somehow inept and clumsy. In the September 2014 issue of Gramophone, Robin Ticciati revealed that, for him, the attraction of Schumann is precisely because the orchestration is so, as he put it, ‘crazy’. ‘It’s also so controlled, and the palette is extraordinary. And I think when you get to a Schumann score, the first reaction is not to go, “What is all that?” but “What does he want?” and “What’s important here?”’ Ticciati hears clues about how Schumann ought to sound orchestrally in how he ‘orchestrates’ his piano music; and in the booklet-notes accompanying his cycle, Yannick Nézet-Séguin discusses how the defined attack and decay of modern trumpets help balance the orchestration.
And so Schumann wins. The consensus, circa 2014/15, is leave well alone. ‘Schumann learnt lots about orchestration from Mendelssohn, the greatest orchestrator of his time,’ Holliger explains, ‘and he tried to have a very transparent sound in the orchestra. It’s not that very heavy “German potato soup” sound. I never change a single note in any of the symphonies.’ Rattle confirms that Schumann must be ‘light and singing, or the sound can be too brittle – the key word is sostenuto.’ The impulsive and spontaneous side of Schumann is also important to Rattle. ‘The last symphonic music Schumann wrote was the Rhenish,’ he says, ‘and the fourth movement feels like Schumann falling apart, then the finale is an attempt to cradle him in a warm embrace. And for that to work, you can’t micromanage too heavily.’ Music to Schumann’s ears, I suspect – a composer who clearly knew the value of spontaneity: ‘My symphonies would have reached Opus 100 if I had but written them down,’ he said. ‘Sometimes I am so full of music, and so overflowing with melody, that I find it simply impossible to write anything.’
Das Opernglas | Januar 2016 | J. Gahre | 1. Januar 2016
Camilla Tilling hat einen kristallklaren, leuchtenden Sopran, mit dem sie den Hörer mitnimmt auf eine romantische Reise zu den dunklen Wäldern und Fjorden Norwegens. Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | januari 2016 | Aart van der Wal | 1. Januar 2016
Het is duidelijk, Aadland en het orkest hebben dit repertoire zo goed in de vingers, er zoveel affiniteit mee dat dit project alleen daarom al als ijzersterk mag worden gekwalificeerd Daar komt dan nog bij dat het orkestspel van hoog gehalte is en dat de in de Keulse Philharmonie en de Bismarck-zaal gemaakte opnamen tot de beste mogen worden gerekend die ik tot nu toe uit die bron heb gehoord.Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | januari 2016 | Aart van der Wal | 1. Januar 2016
Het is duidelijk, Aadland en het orkest hebben dit repertoire zo goed in de vingers, er zoveel affiniteit mee dat dit project alleen daarom al als ijzersterk mag worden gekwalificeerd Daar komt dan nog bij dat het orkestspel van hoog gehalte is en dat de in de Keulse Philharmonie en de Bismarck-zaal gemaakte opnamen tot de beste mogen worden gerekend die ik tot nu toe uit die bron heb gehoord.Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | januari 2016 | Aart van der Wal | 1. Januar 2016
Het is duidelijk, Aadland en het orkest hebben dit repertoire zo goed in de vingers, er zoveel affiniteit mee dat dit project alleen daarom al als ijzersterk mag worden gekwalificeerd Daar komt dan nog bij dat het orkestspel van hoog gehalte is en dat de in de Keulse Philharmonie en de Bismarck-zaal gemaakte opnamen tot de beste mogen worden gerekend die ik tot nu toe uit die bron heb gehoord.Mehr lesen
Musik & Theater | 01/02 Januar/Februar 2016 | Reinmar Wagner | 1. Januar 2016 Weltflucht-Gemälde
Camilla Tilling singt mit viel Sinn für Differenzierungen, klangfarbliche Nuancen und die verschattet-melancholischen Stimmungen in diesen Liedern.Mehr lesen
http://operalounge.de
| 19.12.2015 | Rolf Fath | 19. Dezember 2015
Jansons und Aadland mit Bahms und Grieg bei RCA und audite
Orchester mit Stimmen
Mit ganz so edlen Waffen wird auf der folgenden Aufnahme nicht gefochten, wo sich Camilla Tilling und Tom Erik Lie beim Grieg-Zyklus des NorwegersMehr lesen
www.musicweb-international.com | Thursday December 17th | Gwyn Parry-Jones | 17. Dezember 2015 Recording of the month
Sometimes you open up an innocent looking CD and discover a box of treasures. That’s what this one is like. Not having listened to any Grieg for aMehr lesen
It’s these last – the songs – that lie at the heart of this collection, and bring its most memorable experiences. The soprano Camilla Tilling is a rare talent, and is to be heard at her best in this Scandinavian repertoire. I first heard her in a fine CD of Strauss songs with piano, and was struck then with the freshness of her tone, the open, natural manner of her singing. That is again the case here, perhaps enhanced by the character of the Norwegian language though she herself is Swedish.
All the songs are sung with great beauty and an unsentimental strength of emotion. Solveig’s Song from Peer Gynt is famously affecting, but I can’t remember hearing it sung as perfectly as this. A Swan, to Henrik Ibsen’s poem, is hauntingly elegiac, while The Last Spring achieves a remarkable intensity. Tilling has the ability to sing this often subtle and demanding music as if it comes straight from the heart, which I’m sure it does.
All through these songs, she is accompanied with the greatest sensitivity by Eivind Aadland and the WDR Symphony Orchestra. They are equally engaged for Tom Erik Lie’s singing of The Mountain Thrall – the only Grieg song that was originally set for voice and orchestra. Matters of balance have been most carefully addressed by the performers, and the excellence of the recording simply facilitates that.
The first two tracks are items taken from the music Grieg wrote for Ibsen’s play Peer Gynt. Neither of these is to be heard in the familiar suites; we have the Act 1 Prelude, quite an extended piece that incorporates Solveig’s Song, while the second is the sensual Dance of the Mountain King’s Daughter, with its Arabic colouring. The whole programme, which could have been a little disparate, is given a satisfying shape by ‘book-ending’ it with orchestral items, the final four tracks being the delightful Norwegian Dances of op.35. Again I was struck here by the very fine orchestral playing. The first Dance - which brings us Grieg in his ‘Mountain King’ mode evoking wicked dwarves and trolls - fairly rattles along, while the oboe playing in no.2 (Allegro tranquillo e grazioso) is beautifully phrased and full of gentle wit. The same characteristics are to be found in the two Lyric Pieces on tracks 9 and 10. I was particularly taken with Evening in the Mountains, an atmospheric and moody little piece, that brings us an oboe ‘ranz des vaches’ reminiscent of the cor anglais solo in Tristan, followed by yet another example of Grieg’s unsurpassed wiring for strings.
All in all, a disc of the highest quality. Grieg is a composer that it’s far too easy to take for granted, and to think no further than the Peer Gynt Suites and the Piano Concerto. There is an awful lot more to him than that, and this CD, Volume 5 of a ‘Complete Symphonic Works’ project, demonstrates that in the most enjoyable way possible.
Bayern 4 Klassik - CD-Tipp | 08.12.2015 | Ursula Adamski-Störmer | 8. Dezember 2015
Der CD-Tipp zum Nachhören!
Edvard Grieg – Complete Symphonic Works
Was im Juni 2011 mit der ersten von insgesamt fünf Einspielungen des gesamten sinfonischen Werks von Edvard Grieg mit dem WDR-Sinfonieorchester unterMehr lesen
Immer wieder hat er sich leidenschaftlich gegen den Vorwurf der "Norwegerei" gewehrt – doch die Werke dieser CD belegen eindrucksvoll, dass Edvard Grieg sich seines Bekenntnisses zu seiner norwegischen Heimat, zu deren Klang, Atmosphäre, zu deren elegischem Naturmythos alles andere als schämen musste. Denn was Grieg uns in seiner Musik zu Ibsens "Peer Gynt", seinen Norwegischen Tänzen op. 35, den zwei lyrischen Stücken op. 68 und insbesondere in seinem Zyklus "Sechs Lieder für Orchester" hinterlassen hat, ist der Beleg eines Komponisten, der die Instrumentationsraffinessen der Spätromantik bravourös einzusetzen wusste. Umso wertvoller, dass wir sie nun in einer mustergültigen Edition vollständig vorliegen haben.
Aadland als Natur- und Seelenführer
Das WDR Sinfonieorchester schlägt unter Eivind Aadland genau den richtigen Ton an, den es braucht, um Griegs Heimat akustisch erlebbar werden zu lassen. Einen besseren Natur- und Seelenführer als den Norweger Aadland hätte sich das Orchester nicht wünschen können. Aadland weiß genau, wovon die Musik erzählt. Und so lässt er sie an langer Leine ebenso ausgelassen feiern, mit wachem Ohr für die burschikose Heiterkeit vieler volksmusikalischer Elemente, wie er auch die überwältigenden Eindrücke einer sich auf die Berge legenden Abendstimmung mit majestätischem Staunen zu Gehör bringt. Aadlands Grieg ist kraftvoll, jedes Motiv ist bis ins Detail ausgelotet, bis ins letzte geschliffen und fügt sich doch wie selbstverständlich in einen in jedem Moment spürbaren Blick für die Gesamtform ein.
Atemberaubende Klanglandschaften
Wälder, Berge, Fjorde – Edvard Grieg hat Norwegens grandiose Landschaften in atemberaubende Klanglandschaften verwandelt. Ja, es sind manch elegische, lyrische, träumerisch-versonnene Momente in dieser Musik, so, als ob sich sanfte Nebelschwaden über die Natur legen – aber von welcher Schönheit! Und gerade, wenn sich die Musik über Worte legt und diese vom goldwarmen Klang der Sopranistin Camilla Tilling zu leuchten beginnen.
Griegsche Orchesterkosmos
Über vier Jahre haben sich das WDR Sinfonieorchester und Eivind Aadland auf das orchestrale Gesamtwerk Edvard Griegs konzentriert. Sicher, eine neue Gesamteinspielung der Symphonien von Beethoven, Brahms oder Bruckner mag spektakulärer klingen – aber auch diese fünfte und letzte Grieg-CD beweist: Es lohnt sich den Blick zu weiten, auch zu einem Komponisten, der musikalisch viel mehr Sprachen sprach, als "nur" die norwegische. Mit dieser exemplarischen Einspielung kommt man an der Vielsprachigkeit des Griegschen Orchesterkosmos endgültig nicht mehr vorbei. "Norwegischer" geht nicht!
Bayern 4 Klassik - CD-Tipp | BR-Klassik, CD-Tipp vom 08.12.2015 | 8. Dezember 2015
BROADCAST
CD-Tipp
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
concerti - Das Konzert- und Opernmagazin | Dezember 2015 | FA | 1. Dezember 2015 Raffinierte Entdeckung
Quasi auf Händen trägt Dirigent Eivind Aadland dabei die Sopranistin Camilla Tilling: Deren wandlungsfähige, perfekt geführte Stimme geht aufs Schönste zusammen mit dem blühenden, subtil ausgehörten Klang des Orchesters.Mehr lesen
www.classicalcdreview.com | December 2015 | R.E.B. | 1. Dezember 2015
The familiar four Op. 35 Norwegian Dances fill out this fine disk. Excellent audio.Mehr lesen
Classical CD Choice | November 16, 2015 | Barry Forshaw | 16. November 2015
What a delight this survey of Grieg’s orchestral music has proved to be – a tantalising delight, it has to be said, as there have been considerable gaps between the various additions to the series over the years. While individual recordings of some of the music might be more striking elsewhere, as an entity, this largely complete recording of the orchestral music has proved to be no definitive and – what’s more – recorded in the best possible surround sound. Mehr lesen
www.pizzicato.lu | 14/11/2015 | Remy Franck | 14. November 2015 Grandioser Abschluss des Grieg-Zyklus von Audite
Mit diesem Album beschließt Audite die fünfteilige Gesamtaufnahme aller Orchesterwerke des norwegischen Nationalkomponisten. Die CD beginnt mit zweiMehr lesen
Grandioser Höhepunkt der CD sind die ‘Sechs Orchesterlieder’, weil mit Camilla Tilling und Eivind Aadland zwei Musiker aufeinandergetroffen sind, die dem elegischen Zyklus die Klangwelt verleihen, die er braucht, um den Zuhörer zu fesseln.
Mit ihrer kräftigen und doch so überaus sensiblen Stimme sowie ihrem so herzerweichend schönen, goldenen Timbre bleibt die schwedische Sängerin weder den verinnerlichten Gefühlen noch der leidenschaftlichen Dramatik etwas schuldig. In Aadland hat sie einen Dirigenten, der ihre Stimme trägt, der mit ihr atmet und der selber die Musik von innen heraus expressiv werden lässt. Deshalb gelingen ihm auch die beiden Lyrischen Stücke op. 68 so wunderbar einfühlsam.
Ganz bewegend ist ebenfalls ‘Der Bergentrückte’ (auch ‘Der Einsame’ genannt), den Tom Erik Lie gefühlvoll und mit angenehmer Stimme singt.
Kein Zweifel mit dieser CD setzt Audite seinem Grieg-Zyklus die Krone auf.
This final CD in Audite’s Grieg series has a lot of well performed content, yet the highlight is the cycle of Six Orchestral Songs, beautifully and movingly sung by Camilla Tilling, whose voice is perfectly supported by the orchestra.
classical ear | Friday August 15 | Colin Anderson | 15. August 2015 | Quelle: http://classical...
Dedicated playing and excellent sound complete this notable release; believe me, five stars are not enough.Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | mei 2015 | Siebe Riedstra | 1. Mai 2015
De Zwitserse hoboïst, componist en dirigent Heinz Holliger heeft zich in al zijn disciplines intensief met het werk van Schumann beziggehouden. Als componist leidde dat tot verassende resultaten, getuige zijn Romancendres (hier besproken door Aart van der Wal). Als dirigent munt Holliger in de eerste plaats uit door een buitengewoon scherp en precies gehoor, tot op de Herz nauwkeurig. Zijn slagtechniek sluit niet naadloos aan op die precisie, en dat hoor je bijvoorbeeld in de wat rommelige start van de Eerste symfonie. Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | mei 2015 | Siebe Riedstra | 1. Mai 2015
De Zwitserse hoboïst, componist en dirigent Heinz Holliger heeft zich in al zijn disciplines intensief met het werk van Schumann beziggehouden. Als componist leidde dat tot verassende resultaten, getuige zijn Romancendres (hier besproken door Aart van der Wal). Als dirigent munt Holliger in de eerste plaats uit door een buitengewoon scherp en precies gehoor, tot op de Herz nauwkeurig. Zijn slagtechniek sluit niet naadloos aan op die precisie, en dat hoor je bijvoorbeeld in de wat rommelige start van de Eerste symfonie. Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | mei 2015 | Siebe Riedstra | 1. Mai 2015
De Zwitserse hoboïst, componist en dirigent Heinz Holliger heeft zich in al zijn disciplines intensief met het werk van Schumann beziggehouden. Als componist leidde dat tot verassende resultaten, getuige zijn Romancendres (hier besproken door Aart van der Wal). Als dirigent munt Holliger in de eerste plaats uit door een buitengewoon scherp en precies gehoor, tot op de Herz nauwkeurig. Zijn slagtechniek sluit niet naadloos aan op die precisie, en dat hoor je bijvoorbeeld in de wat rommelige start van de Eerste symfonie. Mehr lesen
Schumann-Journal | Nr. 4 / Frühjahr 2015 | Jan Ritterstaedt | 1. April 2015
Die Folgen 2 und 3 der neuen Gesamteinspielung sämtlicher sinfonischer Werke Robert Schumanns setzt die mit der ersten CD begonnene Interpretationslinie konsequent fort. Hier entsteht eine Reihe von Aufnahmen, die einen sicherlich sehr individuellen, in gewisser Weise auch modernen, vor allem aber künstlerisch sehr wertvollen Beitrag zur Schumann- Diskografie leistet. Man darf jetzt schon auf das nächste Produkt dieser Serie gespannt sein!Mehr lesen
American Record Guide | April 2015 | David W Moore | 1. April 2015
This is Volume 3 of Schumann’s complete Symphonic Works on Audite. <br /> These two works make a nice combination, since they share a formal structureMehr lesen
These two works make a nice combination, since they share a formal structure that connects the movements in a subtle and satisfying way. Both are in minor keys and share a depth of feeling that make them two favorites of mine.
These performances are not the grandest I have heard. Shevlin is a fine cellist, principal in this orchestra since 1998. He gives a friendly, sensitive reading of this great concerto. Holliger conducts that and the symphony with style, taking all the repeats in the symphony. I sometimes wish that both works were treated with a little more grandeur, but they are richly recorded.
These two works make a nice combination, since they share a formal structure
Schumann-Journal | Nr. 4 / Frühjahr 2015 | Jan Ritterstaedt | 1. April 2015
Die Folgen 2 und 3 der neuen Gesamteinspielung sämtlicher sinfonischer Werke Robert Schumanns setzt die mit der ersten CD begonnene Interpretationslinie konsequent fort. Hier entsteht eine Reihe von Aufnahmen, die einen sicherlich sehr individuellen, in gewisser Weise auch modernen, vor allem aber künstlerisch sehr wertvollen Beitrag zur Schumann- Diskografie leistet. Man darf jetzt schon auf das nächste Produkt dieser Serie gespannt sein!Mehr lesen
Fanfare | 26.03.2015 | Steven Kruger | 26. März 2015
I wish I could be more enthusiastic about these performances. But I’m afraid sympathy is in order—for the continuing tendency of German orchestrasMehr lesen
About a year ago, I had more favorable things to say about Heinz Holliger’s CD of the “Spring” Symphony and early version of the Fourth. He seemed to bring a joyous bounce to the fanfares in the young work, and his foreshortening of things went well with notions of impetuous ardor. Similarly, the early Fourth, whose holes in orchestration are the aural equivalent of Swiss cheese, benefitted from a tight and virtuosic zest, clipping virtually everything to its benefit. It sounded demoted to piano suite status—but brought off well. Small consolation for admirers of original versions….
The CD here records the 1850 revision and expansion of the score. Schumann’s reworking fleshes out all the gaps which existed earlier and encourages grand, blazing, and sweeping phrases. In the right performance, the work lands nearly within reach of the Brahms Second Symphony in terms of impact—27 years before the fact. But in the wrong hands?
The performance here is perversely scrawny and metallic on top, tubby on the bottom from an uninspired timpanist, and discombobulated beyond prediction. Every phrase is too short, in a sort of Baroque manner, except for the ones which should be short. Every syncopation seems to have its own syncopation. And worse, there is considerable energy, only it never soars. Such electricity as there is, is wasted on aggression. It is like being rabbit-punched by Handel.
One of the persistent and poorly supported ideas about the Mendelssohn/Schumann era is the notion that these composers only experienced small orchestras. Even if this were true, it wouldn’t mean composers were necessarily happy with the resources before them. Schumann and Mendelssohn were friends and participated in numerous music festivals together during the 1840s. I don’t imagine the early music purists like to be reminded that the orchestras were enormous. The premieres of Paulus and Elijah had orchestras of 176 and 172 musicians respectively. Berlioz managed to conduct the Fantastique at the Crystal Palace with 150 (and his score demands 250). I cannot quote similar chapter and verse about Schumann, but he was well aware that music was getting really “big” and probably had conducted his own symphonies with large orchestras.
I shouldn’t fail to mention the cello concerto, the other late work included on this CD. It is always fascinating structurally, demonstrating how powerful an example the influence of Mendelssohn, in general and his violin concerto, in particular, had been. One could argue, though, that the themes are not so memorable as they should be, nor the textures sufficiently varied. Without the lively finale, the piece would languish away from the repertory. I refreshed my ears for this review with the Jacqueline du Pré performance and was struck by how alive, beautiful, and somehow sweepingly “upward” her phrasing manner always was. Oren Shevlin is the principal cellist of the Cologne orchestra and an accurate and musicianly player. But his manner is far too even. It doesn’t help that the orchestra avoids vibrato. This is the Schumann Concerto on Sominex.
I cannot really recommend the CD, despite good sound and scholarly notes. Schumann’s music is surely somewhere to be found between Handel’s Water Music and the Delius Cello Concerto. But Holliger’s HIP divining rod didn’t work.
Gramophone | March 2015 | Philip Clark | 17. März 2015
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings bless the darkness with glimpses of light—when you’re RobertMehr lesen
The symphonic models are clear and we hear the ghostly spectre of Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms and Mendelssohn—but no one has told Schumann’s material that it needs to conform, and the music cannot help but spill over any frame its composer attempts to place around it. The first movement of his Symphony No 1 reaches an apparent cathartic end-point as a solo flute line marked dolce reconciles grinding harmonic and structural inner tensions. Time to stop this madness. But then brass, percussion and trilling woodwinds unleash a stampeding burlesque march. Baleful chromatic inclines smudge the harmony, like Offenbach or Sousa turned on their dark side, and such instability derives from the restlessness of Schumann’s mind, you think, rather than being an overtly conceptual compositional strategy. The free jazz of the Second Symphony’s sostenuto assai prologue, C major credentials asserted by having the strings play anything but, as the brass sustain pure C major triads; in the Third Symphony, that extra movement that sneaks in before the finale, a cobwebby and gothic reimagining of the grounding contrapuntal principles of Renaissance music and Bach; and the audacious cyclic structure of the Fourth Symphony, each movement played attacca and dovetailing into the next. This music of demons and angels grapples also with angles—to take on structure, awkward punctuation, Schumann pushing form, his personal mission being to remould the symphony. And when the realisation dawns that Schumann composed the first version of what would become his Fourth Symphony in the same year as his First Symphony, eyes blink in astonishment. The natural order of things would be to presume that Schumann’s streamlined Fourth Symphony is a perfect distillation of the first three symphonies—but the pathway through Schumann’s symphonic journey is filled with unexpected and improbable twists and turns.
Deciding to record a cycle of the Schumann symphonies begs the question: what exactly should be recorded? And complementary but divergent ideas about the Schumann symphonies have been paraded as rarely before, with four major conductors during the past 18 months releasing four major cycles on disc. Sir Simon Rattle, with the Berlin Philharmonic, gives us four symphonies with the early 1841 version of the Fourth, while Yannick Nézet-Séguin (and the Chamber Orchestra of Europe) and Robin Ticciati (with the Scottish Chamber Orchestra) opt for Schumann’s 1851 revised version. But Heinz Holliger and the WDR Symphony Orchestra of Cologne—like Sir John Eliot Gardiner and his Orchestre Révolutionnaire et Romantique, whose trailblazing 1997 Schumann cycle was given the boxed-up DG reissue treatment last year—perceive Schumann’s symphonic evolution in seven stages. When Holliger completes his cycle during the next year and a half, Schumann’s early Symphony in G minor (the Zwickau Symphony) will take its place alongside the first three canonic symphonies, both versions of the Fourth, and the oftenoverlooked mini-me symphony Overture, Scherzo and Finale—Schumann’s compositional twists of fate put into historical context by a composer/conductor/oboist who has been obsessed with the composer’s enigma for more than 40 years.
I made Rattle’s cycle my Critics’ Choice album of the year in the December 2014 issue; I’ve also elevated Nézet-Séguin’s to an equivalent position in the past. Ticciati’s set has given me much pleasure too, and even more to think about. Nézet-Séguin and Ticciati deploy chamber-orchestra string sections, with Ticciati most explicitly evoking period-instrument practice. Rattle’s Berlin set carries its weightier orchestral ballast very elegantly, and his set became my portal back to Schumann after a longer period than I care to admit when my listening had been dominated by Beethoven, Brahms and Bruckner. Rattle’s opulent, rapacious approach—the climax of the First Symphony’s opening movement and the Trio in the Second Symphony’s Scherzo seemingly moving faster than time itself, while the Berlin strings float the slow movement towards heaven—represented the warmest welcome back possible to Schumann’s dream-built chimeric fantasy world, the heartfelt directness of his melodic fancy played out over structural chess moves. Ticciati’s sometimes manically driven, flintier orchestral sound can be unexpectedly austere; Nézet-Séguin’s cycle is the most unashamedly Romantic of the four, fevered-brow gesturing, rubato with attitude.
Despite their differences, though, the sets are unified by one underlying common denominator—none of them could have been recorded 30, or even 20, years ago. Over the phone from his home in Zurich, Heinz Holliger suppresses a laugh when I ask: why now? Why, suddenly, have maestros gone all Schumann crazy? ‘Well, I started conducting him 30 years ago, when too many conductors had problems with Schumann,’ he reflects. ‘He was never a problem for pianists or composers—Debussy and Berg held him in great esteem—but conductors realised that you cannot try to sight-read Schumann; if you do, the music is completely grey.’ And even 50 shades of grey would not be enough to express Schumann’s multiverse of colour? ‘He does not write out everything; he doesn’t tell you which voice is the principal and which accompanies; nor whether one instrument should have a diminuendo while the others crescendo. To make a Schumann symphony sound light and transparent, as he intended, takes a lot of rehearsal. Each player needs to know whether they’re playing part of only the harmony, or whether they are involved in the counterpoint. Schumann was a great writer of words too, and you need to understand how close the phrasing is to speech. But many conductors are not so interested in this background; they just play what they read.’
Holliger reminds me that Schumann never heard more than 12 first violins during his whole life and, in his view, the period-instrument movement has had a very positive effect on how conductors perceive appropriate orchestral weighting and internal balance. And when I talk to Sir Simon Rattle a few weeks earlier, he makes a characteristically smart analogy: ‘We think of Beethoven and Brahms as being the grizzled old lions of Austro-German symphonic tradition,’ he tells me, ‘but Schumann’s symphonies move like a panther. Beethoven plunges his feet forcefully through the ground; but Schumann’s feet sprint and never fully touch the floor.’
Rattle can’t quite explain why Schumann is suddenly so de rigueur, although sometimes, he says, mysterious forces collude to raise the collective consciousness around a particular composer. But the important thing for Rattle is that distinct and informed conductorly perspectives must all be celebrated. Ticciati’s way is not his way, but Rattle admires enormously how he tackles the 1851 revision of the Fourth Symphony: ‘Robin makes a clear case for how the revised version can retain the radical edge of the 1841 version. Still it sounds like a fireball and I take my hat off to him.’
Which Fourth Symphony? That’s the most fundamental decision any wannabe Schumann conductor must make. To programme the 1841 version is to agree with Brahms, who owned the autograph score and wrote: ‘It is a real pleasure to see anything so bright and spontaneous expressed with corresponding ease and grace.’ He found the revised version charmless and stodgy, and Rattle and Holliger concur with Brahms, and each other, that the first version is much preferable—although they choose to do notably different things with that information. ‘Schumann made the revised piece in a depressive state,’ Rattle says, ‘and Brahms was completely right about the relative merits of the two versions.’ Holliger adds that Schumann’s orchestra in Düsseldorf, which premiered the new version, was nowhere near as honed as the standard of playing he had become accustomed to in Leipzig, while Schumann himself ‘was heavier, and moved and spoke more slowly’. But the pertinent point for Holliger is that Schumann retained his high-velocity metronome marks. Rattle chooses to ignore the later rewrite—Holliger gives us both but attempts to play the 1851 version, as he says, ‘retaining the true spirit of the earlier version’.
Holliger reminds me that he met Rattle 40 years ago when the young conductor invited him to perform Richard Strauss’s Oboe Concerto with the Bournemouth Symphony Orchestra. And Rattle clearly remains in awe of Holliger’s status as a Schumann guru—‘Ask Heinz, when you speak to him, to tell you about the tempo relationships in the symphonies and about his extraordinary discovery in the fourth movement of the Rhenish Symphony.’ And I’m happy to take my cue from the Music Director of the Berlin Philharmonic.
On paper, and in the mind, Schumann’s Second Symphony registers as the most conventionally ‘symphonic’, its four movement groundplan—with a slow introduction breaking into an Allegro trot—putting you in mind of the first two Beethoven symphonies or of Haydn. And as I began to reacquaint myself with Schumann’s symphonic world, I pondered how a composition that felt instinctively unified melodically and motivically could also sound so disparate and varied, like each movement acting as a standalone character piece (not that you would necessarily want that). Holliger provides an answer.
‘The first and second movements,’ he tells me, ‘have the same metronome mark of crotchet=144, and the slow movement is nearly half; then the finale is in a very fast one-beat-per-bar, but still you feel like each bar matches the beat of the slow movement. The whole symphony is in one, like the conception of Mendelssohn’s Scottish Symphony.’ Holliger explains how the music is glued together throughout by a four-note cell, but I ask him to tell me about the music’s disunity. Am I right to hear each movement orbiting independently too, in a way that is uniquely Schumann? Holliger alludes to Bernd Alois Zimmermann, the composer of Die Soldaten, Photoptosis and Requiem für einen jungen Dichter, who died in 1970, and who was famous for pieces that made liberal use of collage and knitted together layers of borrowed material. ‘He was fascinated by the idea of Kugelgestalt—that time is like a ball, and all times of all centuries are focused in one single point. I think Schumann understood this too. You ask about the Second Symphony—well, the beginning could be like 17thcentury polyphony and then, suddenly, it looks 120 years or more into the future. You feel this composer knows the whole history of music.’
The Second Symphony’s Scherzo has something of the lightness of Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream, Holliger explains as he tells me about those angels and demons, ‘but is relentless, a diabolic dance, in the mood of ETA Hoffmann’. And that shockingly abrupt change of mood, the solo flute overtaken by a brutal march as the first movement of the First Symphony reaches its climax, is another characteristic Schumann moment. ‘In the First Symphony the flute symbolises a butterfly which here is overwhelmed by very tragic music. Marches are a frightening thing. Send soldiers to kill, and you’re asking them to stop thinking about what they are doing. Trills in Schumann, like the woodwind trills you mention, often tremor and shiver like music with a high fever—this is not the Baroque idea of a trill as ornamentation.’
Holliger talks about the symbolism of instrumental identity in Schumann’s music. In Overture, Scherzo and Finale a choir of three trombones appear suddenly like a premonition of the role they will take in the fourth movement of the Rhenish. ‘When his brother Eduard was dying, Schumann woke up at three in the morning. He had been dreaming about three trombones, and later he learnt that his brother had died at 3am. Always in Schumann, three trombones is a message about death.’ I mention that Rattle urged me to ask him about this same movement. ‘Well, when I looked at the sketches, I realised that the tempo changes to double the speed two beats later than in the printed score—nobody ever does this, but the difference is essential.’
That Schumann had such specific ideas about orchestral colour and instrumental identity runs triumphantly contrary to that tired cliché about his orchestration being somehow inept and clumsy. In the September 2014 issue of Gramophone, Robin Ticciati revealed that, for him, the attraction of Schumann is precisely because the orchestration is so, as he put it, ‘crazy’. ‘It’s also so controlled, and the palette is extraordinary. And I think when you get to a Schumann score, the first reaction is not to go, “What is all that?” but “What does he want?” and “What’s important here?”’ Ticciati hears clues about how Schumann ought to sound orchestrally in how he ‘orchestrates’ his piano music; and in the booklet-notes accompanying his cycle, Yannick NézetSéguin discusses how the defined attack and decay of modern trumpets help balance the orchestration.
And so Schumann wins. The consensus, circa 2014/15, is leave well alone. ‘Schumann learnt lots about orchestration from Mendelssohn, the greatest orchestrator of his time,’ Holliger explains, ‘and he tried to have a very transparent sound in the orchestra. It’s not that very heavy “German potato soup” sound. I never change a single note in any of the symphonies.’ Rattle confirms that Schumann must be ‘light and singing, or the sound can be too brittle—the key word is sostenuto.’ The impulsive and spontaneous side of Schumann is also important to Rattle. ‘The last symphonic music Schumann wrote was the Rhenish,’ he says, ‘and the fourth movement feels like Schumann falling apart, then the finale is an attempt to cradle him in a warm embrace. And for that to work, you can’t micromanage too heavily.’ Music to Schumann’s ears, I suspect—a composer who clearly knew the value of spontaneity: ‘My symphonies would have reached Opus 100 if I had but written them down,’ he said. ‘Sometimes I am so full of music, and so overflowing with melody, that I find it simply impossible to write anything.’
Gramophone | 17.03.2015 | Philip Clark | 17. März 2015
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings bless the darkness with glimpses of light—when you’re RobertMehr lesen
The symphonic models are clear and we hear the ghostly spectre of Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms and Mendelssohn—but no one has told Schumann’s material that it needs to conform, and the music cannot help but spill over any frame its composer attempts to place around it. The first movement of his Symphony No 1 reaches an apparent cathartic end-point as a solo flute line marked dolce reconciles grinding harmonic and structural inner tensions. Time to stop this madness. But then brass, percussion and trilling woodwinds unleash a stampeding burlesque march. Baleful chromatic inclines smudge the harmony, like Offenbach or Sousa turned on their dark side, and such instability derives from the restlessness of Schumann’s mind, you think, rather than being an overtly conceptual compositional strategy. The free jazz of the Second Symphony’s sostenuto assai prologue, C major credentials asserted by having the strings play anything but, as the brass sustain pure C major triads; in the Third Symphony, that extra movement that sneaks in before the finale, a cobwebby and gothic reimagining of the grounding contrapuntal principles of Renaissance music and Bach; and the audacious cyclic structure of the Fourth Symphony, each movement played attacca and dovetailing into the next. This music of demons and angels grapples also with angles—to take on structure, awkward punctuation, Schumann pushing form, his personal mission being to remould the symphony. And when the realisation dawns that Schumann composed the first version of what would become his Fourth Symphony in the same year as his First Symphony, eyes blink in astonishment. The natural order of things would be to presume that Schumann’s streamlined Fourth Symphony is a perfect distillation of the first three symphonies—but the pathway through Schumann’s symphonic journey is filled with unexpected and improbable twists and turns.
Deciding to record a cycle of the Schumann symphonies begs the question: what exactly should be recorded? And complementary but divergent ideas about the Schumann symphonies have been paraded as rarely before, with four major conductors during the past 18 months releasing four major cycles on disc. Sir Simon Rattle, with the Berlin Philharmonic, gives us four symphonies with the early 1841 version of the Fourth, while Yannick Nézet-Séguin (and the Chamber Orchestra of Europe) and Robin Ticciati (with the Scottish Chamber Orchestra) opt for Schumann’s 1851 revised version. But Heinz Holliger and the WDR Symphony Orchestra of Cologne—like Sir John Eliot Gardiner and his Orchestre Révolutionnaire et Romantique, whose trailblazing 1997 Schumann cycle was given the boxed-up DG reissue treatment last year—perceive Schumann’s symphonic evolution in seven stages. When Holliger completes his cycle during the next year and a half, Schumann’s early Symphony in G minor (the Zwickau Symphony) will take its place alongside the first three canonic symphonies, both versions of the Fourth, and the oftenoverlooked mini-me symphony Overture, Scherzo and Finale—Schumann’s compositional twists of fate put into historical context by a composer/conductor/oboist who has been obsessed with the composer’s enigma for more than 40 years.
I made Rattle’s cycle my Critics’ Choice album of the year in the December 2014 issue; I’ve also elevated Nézet-Séguin’s to an equivalent position in the past. Ticciati’s set has given me much pleasure too, and even more to think about. Nézet-Séguin and Ticciati deploy chamber-orchestra string sections, with Ticciati most explicitly evoking period-instrument practice. Rattle’s Berlin set carries its weightier orchestral ballast very elegantly, and his set became my portal back to Schumann after a longer period than I care to admit when my listening had been dominated by Beethoven, Brahms and Bruckner. Rattle’s opulent, rapacious approach—the climax of the First Symphony’s opening movement and the Trio in the Second Symphony’s Scherzo seemingly moving faster than time itself, while the Berlin strings float the slow movement towards heaven—represented the warmest welcome back possible to Schumann’s dream-built chimeric fantasy world, the heartfelt directness of his melodic fancy played out over structural chess moves. Ticciati’s sometimes manically driven, flintier orchestral sound can be unexpectedly austere; Nézet-Séguin’s cycle is the most unashamedly Romantic of the four, fevered-brow gesturing, rubato with attitude.
Despite their differences, though, the sets are unified by one underlying common denominator—none of them could have been recorded 30, or even 20, years ago. Over the phone from his home in Zurich, Heinz Holliger suppresses a laugh when I ask: why now? Why, suddenly, have maestros gone all Schumann crazy? ‘Well, I started conducting him 30 years ago, when too many conductors had problems with Schumann,’ he reflects. ‘He was never a problem for pianists or composers—Debussy and Berg held him in great esteem—but conductors realised that you cannot try to sight-read Schumann; if you do, the music is completely grey.’ And even 50 shades of grey would not be enough to express Schumann’s multiverse of colour? ‘He does not write out everything; he doesn’t tell you which voice is the principal and which accompanies; nor whether one instrument should have a diminuendo while the others crescendo. To make a Schumann symphony sound light and transparent, as he intended, takes a lot of rehearsal. Each player needs to know whether they’re playing part of only the harmony, or whether they are involved in the counterpoint. Schumann was a great writer of words too, and you need to understand how close the phrasing is to speech. But many conductors are not so interested in this background; they just play what they read.’
Holliger reminds me that Schumann never heard more than 12 first violins during his whole life and, in his view, the period-instrument movement has had a very positive effect on how conductors perceive appropriate orchestral weighting and internal balance. And when I talk to Sir Simon Rattle a few weeks earlier, he makes a characteristically smart analogy: ‘We think of Beethoven and Brahms as being the grizzled old lions of Austro-German symphonic tradition,’ he tells me, ‘but Schumann’s symphonies move like a panther. Beethoven plunges his feet forcefully through the ground; but Schumann’s feet sprint and never fully touch the floor.’
Rattle can’t quite explain why Schumann is suddenly so de rigueur, although sometimes, he says, mysterious forces collude to raise the collective consciousness around a particular composer. But the important thing for Rattle is that distinct and informed conductorly perspectives must all be celebrated. Ticciati’s way is not his way, but Rattle admires enormously how he tackles the 1851 revision of the Fourth Symphony: ‘Robin makes a clear case for how the revised version can retain the radical edge of the 1841 version. Still it sounds like a fireball and I take my hat off to him.’
Which Fourth Symphony? That’s the most fundamental decision any wannabe Schumann conductor must make. To programme the 1841 version is to agree with Brahms, who owned the autograph score and wrote: ‘It is a real pleasure to see anything so bright and spontaneous expressed with corresponding ease and grace.’ He found the revised version charmless and stodgy, and Rattle and Holliger concur with Brahms, and each other, that the first version is much preferable—although they choose to do notably different things with that information. ‘Schumann made the revised piece in a depressive state,’ Rattle says, ‘and Brahms was completely right about the relative merits of the two versions.’ Holliger adds that Schumann’s orchestra in Düsseldorf, which premiered the new version, was nowhere near as honed as the standard of playing he had become accustomed to in Leipzig, while Schumann himself ‘was heavier, and moved and spoke more slowly’. But the pertinent point for Holliger is that Schumann retained his high-velocity metronome marks. Rattle chooses to ignore the later rewrite—Holliger gives us both but attempts to play the 1851 version, as he says, ‘retaining the true spirit of the earlier version’.
Holliger reminds me that he met Rattle 40 years ago when the young conductor invited him to perform Richard Strauss’s Oboe Concerto with the Bournemouth Symphony Orchestra. And Rattle clearly remains in awe of Holliger’s status as a Schumann guru—‘Ask Heinz, when you speak to him, to tell you about the tempo relationships in the symphonies and about his extraordinary discovery in the fourth movement of the Rhenish Symphony.’ And I’m happy to take my cue from the Music Director of the Berlin Philharmonic.
On paper, and in the mind, Schumann’s Second Symphony registers as the most conventionally ‘symphonic’, its four movement groundplan—with a slow introduction breaking into an Allegro trot—putting you in mind of the first two Beethoven symphonies or of Haydn. And as I began to reacquaint myself with Schumann’s symphonic world, I pondered how a composition that felt instinctively unified melodically and motivically could also sound so disparate and varied, like each movement acting as a standalone character piece (not that you would necessarily want that). Holliger provides an answer.
‘The first and second movements,’ he tells me, ‘have the same metronome mark of crotchet=144, and the slow movement is nearly half; then the finale is in a very fast one-beat-per-bar, but still you feel like each bar matches the beat of the slow movement. The whole symphony is in one, like the conception of Mendelssohn’s Scottish Symphony.’ Holliger explains how the music is glued together throughout by a four-note cell, but I ask him to tell me about the music’s disunity. Am I right to hear each movement orbiting independently too, in a way that is uniquely Schumann? Holliger alludes to Bernd Alois Zimmermann, the composer of Die Soldaten, Photoptosis and Requiem für einen jungen Dichter, who died in 1970, and who was famous for pieces that made liberal use of collage and knitted together layers of borrowed material. ‘He was fascinated by the idea of Kugelgestalt—that time is like a ball, and all times of all centuries are focused in one single point. I think Schumann understood this too. You ask about the Second Symphony—well, the beginning could be like 17thcentury polyphony and then, suddenly, it looks 120 years or more into the future. You feel this composer knows the whole history of music.’
The Second Symphony’s Scherzo has something of the lightness of Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream, Holliger explains as he tells me about those angels and demons, ‘but is relentless, a diabolic dance, in the mood of ETA Hoffmann’. And that shockingly abrupt change of mood, the solo flute overtaken by a brutal march as the first movement of the First Symphony reaches its climax, is another characteristic Schumann moment. ‘In the First Symphony the flute symbolises a butterfly which here is overwhelmed by very tragic music. Marches are a frightening thing. Send soldiers to kill, and you’re asking them to stop thinking about what they are doing. Trills in Schumann, like the woodwind trills you mention, often tremor and shiver like music with a high fever—this is not the Baroque idea of a trill as ornamentation.’
Holliger talks about the symbolism of instrumental identity in Schumann’s music. In Overture, Scherzo and Finale a choir of three trombones appear suddenly like a premonition of the role they will take in the fourth movement of the Rhenish. ‘When his brother Eduard was dying, Schumann woke up at three in the morning. He had been dreaming about three trombones, and later he learnt that his brother had died at 3am. Always in Schumann, three trombones is a message about death.’ I mention that Rattle urged me to ask him about this same movement. ‘Well, when I looked at the sketches, I realised that the tempo changes to double the speed two beats later than in the printed score—nobody ever does this, but the difference is essential.’
That Schumann had such specific ideas about orchestral colour and instrumental identity runs triumphantly contrary to that tired cliché about his orchestration being somehow inept and clumsy. In the September 2014 issue of Gramophone, Robin Ticciati revealed that, for him, the attraction of Schumann is precisely because the orchestration is so, as he put it, ‘crazy’. ‘It’s also so controlled, and the palette is extraordinary. And I think when you get to a Schumann score, the first reaction is not to go, “What is all that?” but “What does he want?” and “What’s important here?”’ Ticciati hears clues about how Schumann ought to sound orchestrally in how he ‘orchestrates’ his piano music; and in the booklet-notes accompanying his cycle, Yannick NézetSéguin discusses how the defined attack and decay of modern trumpets help balance the orchestration.
And so Schumann wins. The consensus, circa 2014/15, is leave well alone. ‘Schumann learnt lots about orchestration from Mendelssohn, the greatest orchestrator of his time,’ Holliger explains, ‘and he tried to have a very transparent sound in the orchestra. It’s not that very heavy “German potato soup” sound. I never change a single note in any of the symphonies.’ Rattle confirms that Schumann must be ‘light and singing, or the sound can be too brittle—the key word is sostenuto.’ The impulsive and spontaneous side of Schumann is also important to Rattle. ‘The last symphonic music Schumann wrote was the Rhenish,’ he says, ‘and the fourth movement feels like Schumann falling apart, then the finale is an attempt to cradle him in a warm embrace. And for that to work, you can’t micromanage too heavily.’ Music to Schumann’s ears, I suspect—a composer who clearly knew the value of spontaneity: ‘My symphonies would have reached Opus 100 if I had but written them down,’ he said. ‘Sometimes I am so full of music, and so overflowing with melody, that I find it simply impossible to write anything.’
Image Hifi | 2/2015 | Heinz Gelking | 1. Februar 2015 Hörenswertes
Oren Shevlin spielt das Cello-Konzert eher lyrisch und versteht sich als Primus inter pares. Das wird mal eine sehr empfehlenswerte Gesamtaufnahme.Mehr lesen
International Record Review | February 2015 | John Warrack | 1. Februar 2015
With this third volume completing Audite's cycle of Schumann's symphonic works, Heinz Holliger couples the Cello Concerto to the revised version ofMehr lesen
It is still not an easy work to perform, and Holliger does admirably here, not only in seeing to it that details of orchestration are made clear but that the virtually singlemovement form, cyclic in its use of repeated main material, works well. He is also entirely justified in being flexible with tempos. Not only is this in keeping with the approach to tempo defended by most mid-nineteenth century German composer-conductors, Weber and Wagner prime among them, with this symphony it can help to express the overall form more lucidly. The Romanze in particular is most beautifully played (though the violin solo is surprisingly reticent); but Holliger also keeps the orchestra well balanced and lively in the outer movements, or rather sections, of the work. At the same time, he successfully moves the music across from the brooding opening to the strong, affirmative ending. The Cello Concerto is a much more problematic piece, also difficult to bring off. Oren Shevlin does well with the many passages when the cello is bustling away rather unrewardingly against the orchestra; he is clearly relieved to reach the central Langsam, when Schumann is much more recognizably himself with a song-like movement in which his own melodic genius as well as the powers of the cello are more freely released.
http://theclassicalreviewer.blogspot.de | Monday, 5 January 2015 | Bruce Reader | 5. Januar 2015 Cellist Oren Shevlin joins Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester Köln to provide a very fine Volume 3 of Audite’s series of the Complete Symphonic Works of Robert Schumann
The previous two volumes in this series have proved to be most impressive, putting this series on track to be one of the finest available. [...] Oren Shevlin matches the orchestra’s sensitive entry bringing a lovely tone, full of feeling, rich and mellow. He provides a deep thoughtfulness together with a fine technique. [...] This is certainly amongst the finest performances of this concerto on record.Mehr lesen
hifi & records | 1/2015 | Uwe Steiner | 1. Januar 2015
Wie in den vorausgegangenen beiden groß gelungenen Folgen lichtet Holliger den Orchestersatz auf und betont durch kongeniale, oft überraschende Detailarbeit den leidenschaftlichen Charakter dieser Musik. Der große Bogen der Vierten bleibt dabei stets gewahrt, vor allem ergeben die Stimmverdopplungen der Neuorchestration ihren klanglichen Sinn. In Oren Shevlin findet er einen kongenialen Solisten, der dem Cello-Konzert die nötige lyrische Versenkung und Melancholie gewährt.Mehr lesen
Record Geijutsu | 2015.1 | 1. Januar 2015
japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
Diapason | N° 630 Decembre 2014 | Rémy Louis | 1. Dezember 2014
Deuxième étape (cf n° 622 pour le Volume 1) de ce qui s'impose comme un des cycles Schumann majeurs des années récentes. Il n'en a pourtant pasMehr lesen
Ruptures, surprises, exaltations, ivresse: il y a tout cela dans l'Allegro ma non troppo qui s'y enchaîne (on les retrouvera dans l'Allegro molto vivace final). Reposant sur un art des contrastes et une recherche d'équilibre très élaborés, il dégage un paysage sonore plus précis et varié à la fois, plus aéré que dans les gravures « romantiques » usuelles (brahmsiennes, en vérité: la contagion s'est opérée à rebours), créant ainsi une autre poétique. Le Scherzo revient à des origines classiques, allègres, dansantes, l'Adagio espressivo est étranger à tout pathos. On aime le grand geste processionnel auquel certains s'abandonnent ici – Leopold Stokowski, par exemple. Mais on admire tout autant, dans une esthétique et des moyens ô combien éloignés, le dialogue différencié, la légèreté et la fraîcheur que Holliger obtient d'un orchestre très réactif... sans d'ailleurs renoncer à une certaine élégance (la noblesse vraie de la fin du dernier mouvement).
La « Rhénane » confirme ce rééquilibrage au profit des bois, cordes agiles et dégraissées, effectif resserré. Ce n'est plus le Rhin à son plus large et majestueux, mais à sa source, jaillissant, changeant. Les Lebhaft remontent ainsi aux sources du romantisme. Un sourire imprègne le Scherzo (écoutez bien les bois, et l'évidence des équilibres), le Nicht Schnell devient une rêverie intime mais toujours allante. Et la proximité d'approche du Feierlich avec l'Adagio de la Symphonie n° 2 est frappante. Une magnifique réussite.
Fono Forum | Dezember 2014 | Thomas Schulz | 1. Dezember 2014 Entspannt und transparent
Die Musik Robert Schumanns spielt eine entscheidende Rolle im Kosmos Heinz Holligers. Immer wieder hat sich Holliger in seinen Kompositionen konkretMehr lesen
Die tiefe Verbundenheit des Oboisten, Komponisten und Dirigenten mit der Schumann'schen Tonsprache zeigt sich in einer angenehm entspannten, unaufgeregten Art und Weise. Ohne dass Holliger auf Temporekorde oder ein betont aufgerautes Klangbild aus ist, schafft er es, Vorurteile über Schumanns angeblich so ungeschickte Orchestrierungen sozusagen aus dem Handgelenk heraus vom Tisch zu wischen. Die Mehrsätzigkeit innerhalb eines quasi einsätzigen Satzgebildes, wie sie die Zweitfassung der vierten Sinfonie prägt, realisiert Holliger mit imponierender formaler Übersicht, und es zeigt sich zudem, dass zur Schaffung eines transparenten Klangbildes nicht unbedingt ein Originalklang-Ensemble zu nötig ist.
Passend dazu erklingt das Cellokonzert – mit Oren Shevlin – als vorwiegend lyrische Komposition, in der die Solostimme mit feinem Ton und unaufdringlicher Virtuosität gestaltet ist. Schumanns sinfonisches Schaffen hat in letzter Zeit viele Neueinspielungen erlebt, doch der Holliger-Zyklus dürfte einen der vorderen Ränge einnehmen.
Fono Forum | Dezember 2014 | Stephan Schwarz | 1. Dezember 2014
Kritiker-Umfrage 2014
Die 10 besten Aufnahmen des Jahres 2014
Selten hatte man das Gefühl, ein Dirigent könnte einem Komponisten so in den Kopf schauen wie Heinz Holliger Robert Schumann.<br /> Mehr lesen
BBC Music Magazine | Christmas 2014 | JH | 1. Dezember 2014
An intimate account of the Cello Concerto from Oren Shevlin is tellingly offset by the Fourth Symphony’s high drama, meticulously paced by HeinzMehr lesen
Gramophone | December 2014 | Rob Cowan | 1. Dezember 2014
The Mantovani-style fanned chords at the start of Arthur H Lilienthal's all-strings rewrite of the Cello Concerto does not augur well, though RaphaelMehr lesen
Most of Wallfisch's Schumann extras with piano are nicely done, the Fünf Stücke im Volkston delivered in the main with a light touch both by Wallfisch and by his fine pianist John York, the Three Romances, Op 94, and the Op 73 Fantasy Pieces similarly eloquent in a relaxed, unassuming way (barring the fiery last movement of Op 73), the Adagio and Allegro, Op 70, in many respects the disc's highlight. I wasn't too keen on the two Lieder transcriptions (both taken from the Op 39 Liederkreis collection), certainly not the start of 'Mondnacht', where the cello's presence spoils the music's solitary atmosphere, and in 'Frühlingsnacht', where the soloist ideally needs to project with greater presence.
Holliger's account of the 1851 Fourth Symphony has all the qualities that make his accompaniment to the Cello Concerto so distinctive, namely flow, transparency, and character (note the subtle but dramatic diminuendo among the horns at 4'42"). The expressive Romanze follows close on the heels of the first movement, surely as it should, the Scherzo asserts a virile presence, while the fast-paced finale is breezy and exhilarating, with plenty of light and shade. Altogether a worthy continuation of Holliger's Schumann series, with excellent playing and well-balanced sound.
BBC Music Magazine | December 2014 | CD | 1. Dezember 2014
These are light and airy performances, with Oren Shevlin a poignant and intensely lyrical soloist in the Cello Concerto, while Holliger's pacing ofMehr lesen
Fono Forum | Dezember 2014 | Stephan Schwarz | 1. Dezember 2014
Kritiker-Umfrage 2014
Die 10 besten Aufnahmen des Jahres 2014
Selten hatte man das Gefühl, ein Dirigent könnte einem Komponisten so in den Kopf schauen wie Heinz Holliger Robert Schumann.<br /> Mehr lesen
www.classicalsource.com | December 2014 | Antony Hodgson | 1. Dezember 2014 Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 3, Cello Concerto (with Oren Shevlin) & Revised Fourth Symphony
The immensely thorough booklet note clarifies the nature of both works veryMehr lesen
Musik & Theater | 11/12 November/Dezember 2014 | Reinmar Wagner | 1. November 2014 Delikater Klang
Vor allem im Konzert, das der Brite Oren Shevlin hellwach und klanglich delikat, im Mittelsatz wunderschön innig spielt, zeigen sich Orchester, Dirigent und eben Solist von herausragender Souveränität und von vielschichtig ausgeformter interpretatorischer Durchdringung.Mehr lesen
BBC Music Magazine | November 2014 | EL | 1. November 2014
Holliger brings amazing textural clarity to the composer's orchestration without ever sacrificing the expressive Intensity of the musical argument.Mehr lesen
Hi-Fi News | 01.11.2014 | CB | 1. November 2014
As an instrumentalist (oboe) Holliger’s Schumann discography dates back to 1981. In the role of conductor here, he’s scaled the orchestra back toMehr lesen
klassik.com | 27.10.2014 | Peter Büssers | 27. Oktober 2014 | Quelle: http://magazin.k... Herbstliche Grieg-Variationen
Eivind Aadland gelingt eine gute Fortsetzung des aktuellen Grieg-Zyklus mitMehr lesen
www.artalinna.com | 23 octobre 2014 | Jean-Charles Hoffelé | 23. Oktober 2014 L’orchestre réinventé
Soudain l’orchestre se creuse, les accords claquent, le geste devient péremptoire : on le comprend, Schumann symphoniste s’est trouvé. Les pupitres de la WDR peuvent chanter autant qu’ils le veulent, Holliger les accompagne d’un geste enthousiaste, presque avec ivresse.Mehr lesen
www.artalinna.com | 23 octobre 2014 | Jean-Charles Hoffelé | 23. Oktober 2014 L’orchestre réinventé
Soudain l’orchestre se creuse, les accords claquent, le geste devient péremptoire : on le comprend, Schumann symphoniste s’est trouvé. Les pupitres de la WDR peuvent chanter autant qu’ils le veulent, Holliger les accompagne d’un geste enthousiaste, presque avec ivresse.Mehr lesen
www.artalinna.com | 23 octobre 2014 | Jean-Charles Hoffelé | 23. Oktober 2014 L’orchestre réinventé
Soudain l’orchestre se creuse, les accords claquent, le geste devient péremptoire : on le comprend, Schumann symphoniste s’est trouvé. Les pupitres de la WDR peuvent chanter autant qu’ils le veulent, Holliger les accompagne d’un geste enthousiaste, presque avec ivresse.Mehr lesen
International Record Review | October 2014 | John Warrack | 1. Oktober 2014
Heinz Holliger's cycle of Schumann's symphonic works continues in Volume 2 (the first was reviewed in January) with Symphonies Nos. 2 and 3,Mehr lesen
This kind of scrupulousness guides Holliger's performances, together with a naturally light touch in style that suits the works well, and does not treat them as if Brahms had already arrived upon the German scene. He does not take the opening of the Second Symphony too majestically, playing it quite brightly, which suits a movement in which the themes are not developmental but dangerously repetitious. The Scherzo is played swiftly, but with a certain eeriness in the main scherzo, which expresses it well: the swift, apparently dancing theme is actually based on a discord (the ubiquitous Romantic chord of spookiness, the diminished seventh), and the more lyrical elements must lie, as in this performance, with the two Trios which Schumann provides as its counter. The Adagio is marked by length of melodic line in the wind, led by a beautifully played oboe (as no doubt Holliger, one of the great oboists of his time, would have appreciated). Both with this Symphony's finale and that of the other Symphony here, the 'Rhenish', matters are kept bright and quite swift-moving, no attempt being made at a grand climatic summing up.
The Rhine Symphony itself is vividly presented, with the Ländler of the second movement absorbed into the work's Iyrical elements, as is suggested by the movement's intricate treatment of it, rather than played as a splash of local colour; and the movement, really an interlude, is gracefully and elegantly handled. The are problems for the interpreter in the fourth movement, marked feierlich ('solemn' or 'ceremonial'), with its subtle invocations (as Gál again points out) of the length of tradition manifest in the Rhine's great cathedral at Cologne, with motives that have ecclesiastical associations and even of Bach himself, no Rhinelander but a figure in whose shadow so much stood.
These are intelligent interpretations, decently recorded, original but drawing their nature from what lies to be found in the music itself.
Gramophone | October 2014 | David Threasher | 1. Oktober 2014
Rob Cowan reviewed the first volume of Heinz Holliger's Schumann symphony cycle last December and concluded that, as it continued, this 'may well beMehr lesen
In the Second, Holliger demurs from the darkness-to-light trajectory divined by Ticciati and perhaps views the work as primarily derived from a Beethovenian aesthetic rather than a Mendelssohnian one, the notable intensity of the opening movement yielding to a businesslike central pair and a finale that feels more episodic than needs be. It's a similar story in the Rhenish: the 'Cologne Cathedral' movement is amply monumental but short on the mystery distilled by Nezet-Seguin or Ticciati, and again the first movement is the best, if not as ideally detailed as other recent readings.
In its favour, this disc is beautifully recorded, the woodwind favoured just a degree over the strings, allowing their solos to sing out. Brass, too, are given their head, which is especially important in both these works. The WDR SO is a full-size Romantic orchestra with slightly reduced strings for these performances, as opposed to the chamber bands that are increasingly claiming this music as their own; so the direct comparison is to Rattle, sumptuous-sounding if hampered by certain mannerisms, as against Holliger's coolness. You pays your money and you takes your choice: Holliger's cycle will ultimately be on three full-price SACDs, whereas many of the smaller-scale (and commensurately more athletic) performances come in handily priced two-disc slimline packs. Regular readers will already know where my preferences lie.
Record Geijutsu | 10/2014 | 1. Oktober 2014
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
www.pizzicato.lu | 29/09/2014 | Remy Franck | 29. September 2014 Beseelte Ausdruckskraft
Diese CD mit dem Violoncellokonzert und der zweiten Fassung der d-Moll-Symphonie ist die m.E. bislang attraktivste aus der Holliger-Gesamtaufnahme.Mehr lesen
Besides a very lively Fourth Symphony in its second version, this CD contains an absolutely fascinating performance of the Cello Concerto. Oren Shevlin, the Fist Cellist of the WDR Orchestra, plays with great delicacy and tenderness, affectionate beauty, thus giving the music an overwhelmingly intimate character.
Schwäbische Zeitung | Donnerstag, 25. September 2014 | man | 25. September 2014 So klingt „Die Rheinische“ vom Rheinland
Schwung, Rhythmik, Agilität und Leichtigkeit, alles wirkt überzeugend. Und das WDR-Orchester spielt gleichermaßen engagiert wie inspiriert. Der kluge Beitrag im Begleitheft von Habakuk Traber rundet den vorzüglichen Eindruck ab.Mehr lesen
www.concertonet.com | 09/18/2014 | Christie Grimstad | 18. September 2014
This Audite collection is grand and resolute in its interpretation of Schumann’s lively works.<br /> Recommended.Mehr lesen
Recommended.
Süddeutsche Zeitung | Dienstag, 16. September 2014 | Wolfgang Schreiber | 16. September 2014 Klassikkolumne
Da kann Heinz Holliger mit dem Kölner WDR–Sinfonieorchester kräftig punkten.Mehr lesen
www.concertonet.com | 09/15/2014 | Simon Corley | 15. September 2014
Son Schumann se révèle souvent inattendu – pour la Quatrième, il a d’ailleurs préféré la version de 1841, plus abrupte et anguleuse, qu’il est toujours passionnant de confronter à la mouture définitive de 1851: raffiné, aérien, aéré, volontiers chambriste, d’une grande lisibilité, il convainc davantage dans la juvénile Première, dans le triptyque Ouverture, Scherzo et Finale et, peut-être plus encore, dans une puissante et fougueuse Deuxième.Mehr lesen
www.concertonet.com | 09/15/2014 | Simon Corley | 15. September 2014
Son Schumann se révèle souvent inattendu – pour la Quatrième, il a d’ailleurs préféré la version de 1841, plus abrupte et anguleuse, qu’il est toujours passionnant de confronter à la mouture définitive de 1851: raffiné, aérien, aéré, volontiers chambriste, d’une grande lisibilité, il convainc davantage dans la juvénile Première, dans le triptyque Ouverture, Scherzo et Finale et, peut-être plus encore, dans une puissante et fougueuse Deuxième.Mehr lesen
Infodad.com | September 04, 2014 | Infodad Team | 4. September 2014 Selected Symphonists
These are highly attractive readings in a series that holds considerable promise and is well on the way to fulfilling it.Mehr lesen
Stereoplay | 09/2014 (September 2014) | Michael Stegmann | 1. September 2014 Vier mal vier
Wo Rattle also den Romantiker Schumann betont, Järvi den Klassizisten und Nezet-Seguin den Verrückten, da steht Heinz Holliger mit dem WDR Sinfonieorchester Köln scheinbar zwischen allen Lösungen, was aber nicht unbedingt die schlechteste Wahl ist. [...] Vielleicht hat die Erfahrungs- und Ideenwelt des Komponisten Holliger hier den Taktstock geführt; jedenfalls hat er mich von den vier Aufnahmen am häufigsten überrascht.Mehr lesen
www.musicweb-international.com | September 2014 | Brian Wilson | 1. September 2014
There’s no special price for the Audite recording but, at $12.02 – just over £7 at current rates – it won’t break the bank and it’s wellMehr lesen
The Audite recording is good throughout, though I miss those powerful drum thwacks, so apparent on the Linn recording. If you bought the first volume (Audite 97.677, Symphony No. 1 and No. 4, original version, and Overture, Scherzo and Finale) I’m sure you’ll want the second. The third volume, containing the Cello Concerto and final version of the Fourth Symphony, is due for release in October 2014.
I should add that I haven’t yet heard the new, highly-regarded BPO/Simon Rattle set – review – except for the 1-minute segments from Qobuz, but I see that he attributes his appreciation of Schumann to a meeting long ago with Heinz Holliger, whom he describes as a Schumann ‘nut’ – endorsement of a kind for his mentor’s new recording.
www.musicweb-international.com | September 2014 | Brian Wilson | 1. September 2014
There’s no special price for the Audite recording but, at $12.02 – just over £7 at current rates – it won’t break the bank and it’s wellMehr lesen
The Audite recording is good throughout, though I miss those powerful drum thwacks, so apparent on the Linn recording. If you bought the first volume (Audite 97.677, Symphony No. 1 and No. 4, original version, and Overture, Scherzo and Finale) I’m sure you’ll want the second. The third volume, containing the Cello Concerto and final version of the Fourth Symphony, is due for release in October 2014.
I should add that I haven’t yet heard the new, highly-regarded BPO/Simon Rattle set – review – except for the 1-minute segments from Qobuz, but I see that he attributes his appreciation of Schumann to a meeting long ago with Heinz Holliger, whom he describes as a Schumann ‘nut’ – endorsement of a kind for his mentor’s new recording.
Stereoplay | 09/2014 (September 2014) | Michael Stegmann | 1. September 2014 Vier mal vier
Wo Rattle also den Romantiker Schumann betont, Järvi den Klassizisten und Nezet-Seguin den Verrückten, da steht Heinz Holliger mit dem WDR Sinfonieorchester Köln scheinbar zwischen allen Lösungen, was aber nicht unbedingt die schlechteste Wahl ist. [...] Vielleicht hat die Erfahrungs- und Ideenwelt des Komponisten Holliger hier den Taktstock geführt; jedenfalls hat er mich von den vier Aufnahmen am häufigsten überrascht.Mehr lesen
Audiophile Audition | August 31, 2014 | Gary Lemco | 31. August 2014
Tasteful and enthusiastic, these readings of Schumann by Heinz Holliger capture an esprit entirely appropriate to the occasion.Mehr lesen
http://theclassicalreviewer.blogspot.de | Friday, 15 August 2014 | Bruce Reader | 15. August 2014 Terrific new performances of Schumann’s second and third symphonies from Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester, Köln on Volume II of Audite’s complete symphonic works series
These terrific new performances are full of so many fine things and should provide an ideal choice of recording for these works. The recordings made in the Philharmonie, Köln are absolutely first class and add so much to the clarity of detail.<br /> <br /> With excellent booklet notes this new release must receive the strongest recommendation.Mehr lesen
With excellent booklet notes this new release must receive the strongest recommendation.
www.pizzicato.lu | 03/08/2014 | Rémy Franck | 3. August 2014 Mehr Schumann mit Holliger
Das WDR Sinfonieorchester und Heinz Holliger setzen ihre Reihe der Einspielungen aller Orchesterwerke von Robert Schumann mit den Symphonien Nr. 2 undMehr lesen
www.classicalsource.com | 01.08.2014 | Antony Hodgson | 1. August 2014 Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 2, Second & Rhenish Symphonies
The recorded sound is warm, lucid and realistic. There is more to come in this series and I look forward to it.Mehr lesen
NDR Kultur | 14.07.2014, 15:20 Uhr | Jan Ritterstaedt | 14. Juli 2014
Zusammen mit dem WDR Sinfonieorchester Köln zaubert der Dirigent Heinz Holliger schillernde Farben aus der Partitur von Robert Schumann hervor -Mehr lesen
www.myclassicalnotes.com | Wednesday | 08.06.14 | Hank Zauderer | 8. Juni 2014 Schumann’s Magic
Holliger‘s performances draw on a lifetime study of Schumann‘s music, thought, and personality. His approach imparts lightness and lucidity to these scores through a balance of parts, delicately gradated dynamics and invigorating tempos.Mehr lesen
Scherzo | mayo 2014 | Juan Garcìa-Rico | 1. Mai 2014
siehe PDFMehr lesen
Diapason | No. 623 Avril 2014 | Rodolphe Bruneau-Boulmier | 1. April 2014
Que connaît-on de Grieg, en dehors de son concerto pour piano, des Suites de Peer Gynt et de ses Pièces lyriques pour piano? Si les partitionsMehr lesen
Ce troisième volume dévoile un des pans les plus réussis de son catalogue: les transcriptions par Grieg de ses propres œuvres. Notons d'abord le sens de la couleur. L'orchestration de plusieurs de ses Pièces lyriques pour piano, regroupées sous l'Opus 54, prouve une inventivité certaine: l'orchestre irradie, rivalise de trouvailles avec celui des plus grands - Debussy pour le sens aigu de la transparence, Ravel ou Berlioz pour l'éclat et la luxuriance. La radicalité sonore de Klokkeklang (« son de cloches ») en surprendra plus d'un.
Maître de la miniature, de l'ellipse et du fragment, Grieg brille davantage dans la brièveté que dans les grands développements. Les Trois pièces pour Sigurd Jorsalfar révèlent une musique de scène ou la mélodie folklorique devient un argument précieux pour flirter avec la modernité. Le rêve de Borghild, en guise d'intermezzo, est une musique impalpable, en lambeaux, traversée par de grands souffles lyriques. Plus convenues mais charmantes et efficaces, les Variations sur une vieille mélodie norvégienne feraient une bonne alternative aux Suites de Peer Gynt si les programmateurs de concerts sondaient un peu plus le répertoire oublié.
L'Orchestre de la Radio de Cologne, sous la direction inventive et engagée d'Eivind Aadland, poursuit remarquablement l'enregistrement d'une intégrale promise à faire date.
www.ResMusica.com | Le 17 mars 2014 | Jean-Luc Caron | 17. März 2014 Suite de l’intégrale germano-norvégienne de la musique orchestrale de Grieg
Pour poursuivre le projet Grieg, on retrouve Eivind Aadland, chef norvégien certes moins prestigieux mais intimement proche de l’âme de son pays, minutieux et scrupuleux, authentique et rutilant, dans cette livraison d’une tenue et d’un allant supérieurs aux deux premiers volumes. [...] nous plonge simplement dans l’atmosphère rudimentaire des gens du Nord mais avec une force poétique incroyable. Le reste du programme ne manque pas de panache, de virtuosité, d’atmosphères, oscillant entre déchaînements orchestraux contrôlés et songeries pacifiques. Un beau Grieg assurément.Mehr lesen
American Record Guide | 13.03.2014 | Donald R Vroon | 13. März 2014
This is listed as Volume 3, but we are not sure what happened to Volume 2. Volume 1 was Peer Gynt and such, and we reviewed it very enthusiasticallyMehr lesen
I am less enthusiastic about this installment. After all, Beecham recorded the Old Norwegian Romance and In Autumn and it’s hard to beat Beecham at anything or even match him. And Arthur Fiedler did a glorious recording of the Lyric Suite that makes this one sound earnest and plodding.
Well, one may feel that this young conductor takes the music more seriously. It’s heritage to him, after all. But heaviness and ploddingness (is that a word?) are the result. The sound is, as usual with Audite and this orchestra, quite beautiful. But sweetness and flow seem in small supply.
F. F. dabei | Nr. 6/2014 | 8. März 2014 Die sinfonischen Werke, Volume 1
Holligers Interpretationen beruhen auf seiner fast lebenslangen Beschäftigung mit dem Werk, dem Denken, der Persönlichkeit und dem Schicksal Robert Schumanns. Das verbreitete Bild des Romantikers als schwachem Orchestrator erfährt durch Holliger eine erfrischende und fundierte Korrektur.Mehr lesen
Scherzo | marzo 2014 | Juan Carlos Moreno | 1. März 2014
siehe PDF!Mehr lesen
Diapason | N° 622 Mars 2014 | Rémy Louis | 1. März 2014
Heinz Holliger succède à Christian Zaccharias dans le club des instrumentistes qui, s'étant illustrés dans le Schumann chambriste, se frottentMehr lesen
Choix heureux, tant le musicien Suisse semble avoir pleinement façonné les instrumentistes colonais à ses vues expressives, qui reposent à l'évidence sur une écoute mutuelle très poussée: c'est la première impression, forte, que l'on reçoit. La deuxième est que si chaque détail, chaque respiration sont pensés et mesurés, rien ne paraît jamais forcé – bien des moments affichent au contraire une étonnante douceur. La clarté lumineuse de ses lectures ressort d'un travail très subtil (chambriste) sur la trame orchestrale et de la recherche d'une expression limpide.
Comme Zaccharias, Jarvi, Dausgaard, SchØnwandt ou encore Zinman – pour ne rien dire de ceux qui ont préféré les instruments anciens –, Holliger a fait siennes les données stylistiques qui ont renouvelé l'interprétation du répertoire romantique allemand depuis trente ans. Chez lui aussi (qui est un compositeur important), elles ont pour effet immédiat d'alléger et d'aérer l'orchestre schumannien. Mais si la pulsation est vive (les pulsations, devrait-on écrire), le tempo n'est en rien précipité, et les événements sonores demeurent d'une grande fraîcheur d'inspiration. L'irrésistible triptyque Ouverture, scherzo et finale l'illustre de façon très convaincante. L'élan modéré de l'Ouverture permet aux détails (et aux solos) de se déployer en toute liberté, donnant au tempo soudain plus accentué de la coda une force particulière (idem à la fin de la Symphonie n° 4). Le halètement du scherzo est somptueusement dosé (accents, articulations, poids), qui préserve toujours un mystère, une ambivalence, en contraste avec la flamboyance du finale, et ses cordes ailées.
Analyse serrée de l'écriture schumannienne, poésie des timbres, expression conséquente: écoutez dans l'Allegro final de la «Printemps», comment, avant la reprise du thème, il enchaîne le trille de la flûte au choral des cors (d'un romantisme wéberien ... qui ressurgit dans le célèbre enchaînement Scherzo-Finale de la 4e). La plasticité extrêmement élaborée – mais fluide! – de la texture orchestrale (Larghetto de la «Printemps», Romanza de la 4e) rejoint l'imagination constante de l'expression, tout à tour souriante, nostalgique, rêveuse, conquérante.
Tant dans la Symphonie n° 1 que dans la 4e – dont la version princeps trouve ici une gravure particulièrement accomplie –, la subtilité du rythme et des impulsions fait vivre singulièrement les phrases, illumine le moindre contre-chant, sans jamais troubler une direction franche mais jamais univoque. Si l'entreprise d'Holliger se poursuit à ce niveau, nous tiendrons là l'un des cycles Schumann modernes les plus réussis.
Das Orchester | 03/2014 | Thomas Bopp | 1. März 2014
Holliger deutet diesen Finalsatz hoch analytisch aus. Und das ausgeklügelte spieltechnische Niveau des WDR Sinfonieorchesters Köln und die enorm transparente Klangtechnik befördern diesen Eindruck noch um ein Zusätzliches. Die Wiedergabe der frühen d-Moll Sinfonie zeigt sich sehr schlank und durchhörbar. Gegenüber dem etwas holzschnittartig aufgerauten Kopfsatz bringt Holliger den Finalsatz trotz der durchscheinenden schablonenhaften Struktur zu einem spürbaren Pulsieren.Mehr lesen
Fono Forum | März 2014 | Michael Kube | 1. März 2014 Herbststürme
Nach zweijähriger Pause legt das Detmolder Label Audite nun die dritte Folge seiner Gesamteinspielung der sinfonischen Werke von Edvard Grieg vor.Mehr lesen
Wo freilich das volle Orchester gefordert wird, sei es im "Zug der Zwerge" oder in der ebenso stürmisch wie tänzerisch dahinrauschenden "Herbst" -Ouvertüre (einem viel zu selten gespielten Frühwerk), wirkt das Orchester mitunter zu kompakt, ja, fast zugespitzt als dynamisch flexibel. Dieses partielle Schleifenlassen der Zügel (vor allem im abschließenden Springtanz der Ouvertüre) war auch schon bei den beiden vorhergehenden Folgen ansatzweise zu beobachten. Es steht eigenartig quer zu den ansonsten auf Ausgleich zwischen weitem Bogen und klanglicher Differenzierung bedachten Interpretationen Aadlands -und wird sich vielleicht erst in der Einspielung der formal ausgreifenden c-Moll-Sinfonie klären, der man heute schon mit Spannung entgegensehen kann.
Musik & Theater | März 2014 | Reinmar Wagner | 1. März 2014 Gelungener Start
Das Resultat überzeugt auf der ganzen Linie: Holliger hält das Geschehen mit wacher Dynamik und stets beweglicher Agogik im Fluss. Klanglich pflegt er mit den versierten Orchestermusikern eine im Bewusstsein damals zeitgemäßer Artikulierungen und Spielweisen geschulte Gangart, und zeigt damit unter anderem auch, dass das Vorurteil von Schumann als mittelmäßigem Orchestrator ein Missverständnis des 20. Jahrhunderts ist.Mehr lesen
classical ear | 27 February 2014 | Emily DeVoto | 27. Februar 2014
Holliger’s light-toned and vivid approach provides much that is joyful and life-enhancing: details sparkle, rhythms dance and melodies touch the heart while ebbing with emotion. [...] Playing, recording, production and presentation are top drawer. Volume 2 please, soon!Mehr lesen
Neue Zürcher Zeitung | 21.02.2014 | tsr | 21. Februar 2014 Schumanns Sinfonien mit Heinz Holliger
Holliger streicht die Vorzüge der seiner Meinung nach besseren Urfassung mit aller Deutlichkeit heraus: Hauptmerkmal ist der aus der Instrumentation abgeleitete kammermusikalische Ansatz. Damit verbunden zeigt sich eine Transparenz, welche die sogenannten Nebenstimmen nicht unter den Tisch wischt. Die Klangbalance wird gerne zugunsten der Bläser verschoben. Die Artikulation der Melodien ist sehr deutlich. Die Tempi bewegen sich eher auf der schnellen Seite und werden unbeugsam durchgehalten. Alles in allem eine Interpretation, die durch Konsequenz, Strenge und eine gewisse Schärfe auffällt.Mehr lesen
classical ear | Friday February 14, 2014 | Colin Anderson | 14. Februar 2014
details sparkle, rhythms dance and melodies touch the heart while ebbing with emotion. [...] These carefully crafted yet vivacious performances are thoroughly involving and illuminating. Playing, recording, production and presentation are top drawer. Volume 2 please, soon!Mehr lesen
Fanfare | February 2014 | Steven Kruger | 12. Februar 2014
There is often some trepidation to experience at the arrival of a new Schumann CD. Few composers sound so different from performance to performance asMehr lesen
This CD represents a doubly happy surprise, then. The music simply leaps from the loudspeakers, full of energy, joy, originality, and sound of remarkable warmth. So far as I can determine, the WDR SO is playing in substantial numbers, if not perhaps full strength. But no Norrington twang invades the string passages. Nor do I hear melodies chopped up into Baroque bits and pieces. Although the notes are more informative about Schumann’s psychology than the conductor’s performance practice, Holliger clearly favors a fruitier, more original sound from the brasses than usual – and the occasional harder impact from timpani.
What struck me foremost is how the introduction to the Spring Symphony leaps off the page. Holliger takes it fast and explosively. He begins with the fanfare voiced down a harmonic third, where it avoids blattiness. (Otherwise, this is the usual version of the work.) As the Symphony proceeds, it strikes me Holliger has found a way of integrating tempos in the music as though it were a piano piece. The actual thrust and velocity we hear are quite normal, but contrasting passages seem more vivid and, where appropriate, more mercurial. Textures become magical in places you might not expect. Plodding boredom is avoided. And traditional criticism of Schumann’s orchestration is dealt a serious blow yet again.
Performances of this work can rise or fall with the great fanfare climax in the middle of the first movement. There is nothing worse than just letting it go by stiffly. It can be a litmus test for time-beaters. Here, I’m happy to say Holliger gives us a beautifully judged ritard, and the extra champagne fizz from his brasses makes it a joyous and triumphant experience. I couldn’t resist playing it over several times. The slow movement is the other standout here, flowing along more swiftly than we might expect but losing no sentiment along the way – and avoiding boredom in places where we might have been reluctant to admit its existence in the past.
The rest of the Symphony unfolds in the same lively manner, as does the remainder of the CD. The Overture, Scherzo, and Finale is given a traditional but zesty account. The slightly smaller scale of the piece reinforces the notion of piano music, beautifully orchestrated and performed. But if there is another revelation, I’d say it is to be found in the original version of the Fourth Symphony, which rounds out the CD. Holliger has discovered that the key to this work is to let the textures dictate the tempo. Other conductors often give the impression of trying to make a big piece out of it – whereupon they fall prey to bizarre holes in the orchestration and the many places where Schumann doesn’t support this idea with appropriate weight. But take the music on its own terms, the way Holliger does here, play a good bit of it for deft movement, and suddenly this early version leaps forth with charm. Ultimately, for sheer power, I favor the reorchestrated, nearly Brahmsian version we have all come to know and love. But here, for the first time, I understand how Brahms could have preferred the original.[…]
Fanfare | February 2014 | Peter Burwasser | 10. Februar 2014
Somehow I missed the second volume of this survey of the complete works of Grieg with these forces, but my comments on volume one can be repeatedMehr lesen
These performances are excellent. Violinist turned conductor Aadland conducts with verve and a good ear for color and texture, and the Cologne ensemble is gutsy more so than it is polished, a quality which fits the music beautifully. The icing on the cake is Audite’s superb SACD recording, which bursts out of my stereo in excitingly realistic sound. Yes, I like this series. Treat yourself.
www.classicalsource.com | February 2014 | Antony Hodgson | 1. Februar 2014 Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 1, Spring Symphony
For all that, this impressive performance (played and recorded with excellence, as throughout) leaves in no doubt that Heinz Holliger is a conductor with a great understanding of Schumann. I look forward to the continuance of this Audite series and I foresee an exceptional reading of the revised version of No.4.Mehr lesen
Fono Forum | Februar 2014 | Stephan Schwarz | 1. Februar 2014 Nebenstimmen
Das sinfonische Werk Schumanns schien gut erschlossen. Und doch freut man sich, dass sich in letzter Zeit bedeutende Klangkörper und DirigentenMehr lesen
Schon lange bindet den Komponisten Holliger eine enge Beziehung an den Komponisten Schumann. Diesen in seinem Inneren zu verstehen, ihm gewissermaßen ins Hirn zu schauen ist ein Teil seiner Arbeit als Dirigent. Exemplarisch für die Akribie, mit der Holliger dieses Ansinnen verfolgt, ist die erste Sinfonie, die hier an vielen Stellen ganz auf den Kopf gestellt zu sein scheint. Takt für Takt erkundet Holliger die Partitur auf ihre eigentliche Handlung. Gerade so, als käme sie bei einer Explosion desselben direkt aus Schumanns Kopf geschossen, stürzt schon die Einleitung über den Hörer hinweg, und man merkt sofort, worauf es dem Dirigenten ankommt: Es sind die Nebenstimmen. Der erste Satz wird wunderbar widerborstig durch sie, neurotisch wuselnd bringen sie eine befremdliche Unruhe in den zweiten, und die koboldhaften Skurrilitäten des vierten sind wundervoll hervorgehoben. Dass dabei manches auf den ersten Blick nicht ganz nachvollziehbar ist, wie etwa die seltsam breit gewalzten Töne im ersten Trio des Scherzo, ist bei einem solch eigenwilligen Zugriff nicht verwunderlich. Aber wie modern klingt dieser Schumann, auch in der seltener aufgeführten "Dreiviertelsinfonie", "Ouvertüre, Scherzo und Finale" und der d-Moll-Sinfonie, die hier viel von ihrer schwarzen Melancholie verliert.
??? | Samstag, 18. Januar 2014 | Greg Keane | 18. Januar 2014
"Holliger's profound empathy for Schumann shines through this outstanding performance which sustain." (BBC Music Magazine)<br /> <br /> "Holliger is one ofMehr lesen
"Holliger is one of those musicians who hears what he conducts from inside, a crucial virtue in Schumann and neat way to disqualify curmudgeonly commentators who wrongly accuse Schumann of ineptitude in orchestration...Holliger is en route to a complete cycle...His may well be the one to go for." (Gramophone)
"Auspicious start to a Schumann cycle set to throw up a few revelations." (Limelight)
"Holliger is one of
klassik.com
| 13.01.2014 | Marion Beyer | 13. Januar 2014 | Quelle: http://magazin.k...
Mit Elan
Schumann, Robert - Sämtliche symphonische Werke Vol. 1
Heinz Holligers Herangehensweise an die ersten beiden Sinfonien, die Schumann jeweils innerhalb sehr kurzer Zeiträume komponierte, und an 'Ouvertüre, Scherzo und Finale' op. 52 ist voller Elan und einem spürbar großen Willen, den tiefen Kern der Werke Schumanns erfahrbar werden zu lassen. [...] <br /> Die erste Folge im Rahmen der Gesamteinspielung sämtlicher Instrumentalwerke Schumanns mit Orchester zeigt sich von hoher Qualität und nimmt aufgrund der treffsicheren, geist- und schwungvollen Umsetzung für sich ein.Mehr lesen
Die erste Folge im Rahmen der Gesamteinspielung sämtlicher Instrumentalwerke Schumanns mit Orchester zeigt sich von hoher Qualität und nimmt aufgrund der treffsicheren, geist- und schwungvollen Umsetzung für sich ein.
hifi & records | 1/2014 | Ludwig Flich | 1. Januar 2014
Schumann-Symphonien sind, so Orchestermusiker, schwieriger zu spielen alsMehr lesen
International Record Review | January 2014 | Patrick Rucker | 1. Januar 2014
Is there a group of orchestral works in the Romantic canon more vexed than the Schumann symphonies? Indisputably lovely works that have long since wonMehr lesen
A new project which aims to record all of Schumann's orchestral music, including the concertante works and overtures , is now under way with the West German Radio Symphony Orchestra of Cologne under the Swiss oboist, composer and conductor Heinz Holliger. The first instalment, recorded in January and March of 2012, presents the 'Spring' Symphony, the first version of what would become the Fourth Symphony, and the Overture, Scherzo and Finale, Op. 52. While the performances are unquestionably earnest and dutiful throughout, one yearns for moments that seem insightful or inspired. The playing is never less than highly competent without being particularly exciting. A rather contained and old-fashioned recorded sound is not helpful though, in and of itself, more lifelike sound reproduction could scarcely create compelling Schumann. Sad to say it is unlikely that this recording will be a stand-out in the Cologne West German Radio Symphony Orchestra's modest discography or, for that matter, in Holliger's more extensive one.
Fortunately there are many, many other choices. Furtwängler, always much admired as a Schumann exponent, recorded only the First and Fourth Symphonies, but these are available on several labels. Of more modern interpretations, few have garnered the enthusiastic accolades of the set by John Eliot Gardiner and the Orchestre Révolutionnaire et Romantique. Though already 16 years old, for cutting-edge interpretative insights, brilliant sound and appropriately sized forces, these recordings have not been surpassed.
hifi & records | 1/2014 | Ludwig Flich | 1. Januar 2014
Edvard Grieg
Symphonisches Werk, Vol.3
Was sofort ins Ohr geht, ist dieser saubere Klang mit seiner extrem gutMehr lesen
Image Hifi | 1/2014 | Heinz Gelking | 1. Januar 2014 Musik macht dumm
Man hat Schumanns Musik vielleicht schon raffiniert-feinnerviger gehört, aber selten so formbewusst und mit diesem klaren Blick auf ihren kontrapunktischen Bau. Darin liegt der Zauber dieser Aufnahmen.Mehr lesen
www.pizzicato.lu | 26/12/2013 | Remy Franck | 26. Dezember 2013 Holligers schlanker Schumann
Mit dieser CD beginnt bei Audite eine umfassende Reihe mit Einspielungen aller Orchesterwerke von Robert Schumann mit dem WDR Sinfonieorchester unterMehr lesen
Heinz Holliger ist ein äußerst vielseitiger Musiker, der als Komponist, Dirigent und Oboist gleichermaßen Berühmtheit erlangte. Für Robert Schumann hegt er eine große Leidenschaft, er dirigiert seine Werke oft und er gibt zu, dass Schumann quasi in jeder seiner eigenen Kompositionen präsent ist. Er sagte auch einmal, er komme bei Schumann in seinen analytischen Betrachtungen nie an ein Ende: «Es gibt immer neue Türen, die sich öffnen. Nach der geöffneten Tür kommt eine weitere und dann noch eine und noch eine.»
Heinz Holligers Interpretationen beruhen also auf seiner langen Beschäftigung mit dem Werk und der Person Robert Schumanns. Und das hört man. Sie sind sehr ausgefeilt, und die Detailarbeit, die er vom Orchester fordert, hat gewiss viel Probenzeit konsumiert. Das Resultat ist ein sehr transparenter, farblich aufgefrischter und schlank-flüssiger Schumann, mit zum Teil kühnen Rubati und einer deutlichen Aufwertung der Holzbläser gegenüber den quasi vibratolos spielenden Streichern. Direkt revolutionär ist das alles nicht, aber spannend ist es allemal.
Nothing revolutionary here, but we admire an extremely careful and refined playing, transparent, fluid and svelte, with bright colors and unusual accentuations and rubati.
Philadelphia City Paper | 12/26/2013 | Peter Burwasser | 26. Dezember 2013 Top 10 classical albums of 2013
This beautifully performed and produced series demonstrates how consistently fine his music was.Mehr lesen
Gramophone | 20.12.2013 | Andrew Achenbach | 20. Dezember 2013
Eivind Aadland’s superlative third volume of orchestral Grieg for Audite brings performances of astonishing poise, intrepid character and enormousMehr lesen
Musik & Theater | Dezember 2013 | Reinmar Wagner | 1. Dezember 2013 Gelungene Arrangements
Typisch Grieg, in Dramatik und nordischem Kolorit, viel reizvolle Musik, gut orchestriert, und vom WDR-Orchester ebenso gut gespielt. Mehr lesen
Pizzicato | N° 238 - 12/2013 | RéF | 1. Dezember 2013 Holligers schlanker Schumann
Mit dieser CD beginnt bei Audite eine umfassende Reihe mit Einspielungen aller Orchesterwerke von Robert Schumann mit dem WDR Sinfonieorchester unterMehr lesen
Heinz Holliger ist ein äußerst vielseitiger Musiker, der als Komponist, Dirigent und Oboist gleichermaßen Berühmtheit erlangte. Für Robert Schumann hegt er eine große Leidenschaft, er dirigiert seine Werke oft und er gibt zu, dass Schumann quasi in jeder seiner Kompositionen präsent ist. Er sagte auch, er komme bei Schumann in seinen analytischen Betrachtungen nie an ein Ende: "Es gibt immer neue Türen, die sich öffnen. Nach der geöffneten Tür kommt eine weitere und dann noch eine und noch eine."
Heinz Holligers Interpretationen beruhen also auf seiner langen Beschäftigung mit dem Werk und der Person Robert Schumanns. Und das hört man. Holligers Interpretation sind sehr ausgefeilt, die Detailarbeit, die er vom Orchester fordert, hat gewiss viel Probenzeit konsumiert. Das Resultat ist ein sehr transparenter, farblich aufgefrischter und schlanker Schumann, mit zum Teil kühnen Rubati und einer deutlichen Aufwertung der Holzbläser gegenüber den quasi vibratolos spielenden Streichern. Direkt revolutionär ist das alles nicht, aber spannend ist es allemal.
BBC Music Magazine | Christmas 2013 | EL | 1. Dezember 2013
Holliger's profound empathy for Schumann shines through these outstanding performances which sustain a miraculous transparency of orchestral textureMehr lesen
Stereoplay | Dezember 2013 | Martin Mezger | 1. Dezember 2013
Feingliedrig und filigran, aber auch sehnig gespannt modelliert Holligers grundsätzlich kammermusikalische Herangehensweise mit den WDR-Sinfonikern die thematischen Figuren und ihre Entwicklung.Mehr lesen
Ostthüringer Zeitung | 23.11.2013 | Dr. sc. Eberhard Kneipel | 23. November 2013
Leicht, klar und schön
Dr. sc. Eberhard Kneipel über eine bemerkenswerte Neueinspielung bei audite
Holligers Liebe zum Detail, zu Farbnuancen, melodischen Finessen, zu genauer Artikulation und sorgsamen Spannungsaufbau macht deutlich, welch neue Töne, welch frische Tempi und welche Transparenz er diesen wundervollen Partituren und diesem wunderbaren Orchester abzugewinnen vermag.Mehr lesen
Infodad.com | November 14, 2013 | 14. November 2013 Concerto and symphonic cycles
Holliger’s well-thought-out, well-put-together performances bode well for this Audite series, and if the mix here of popular and less-known works continues in future volumes, this group of releases – like the Grieg series – will be a notable one indeed.Mehr lesen
Infodad.com | November 14, 2013 | 14. November 2013 Concerto and symphonic cycles
The consistency of the playing of the WDR Sinfonieorchester Köln is one of the many pleasures of this recording and of this ongoing series, which is giving listeners a chance to hear Grieg as a far more varied and wide-ranging composer than he appears to be to people who know only the Piano Concerto and excerpts from Peer Gynt.Mehr lesen
The Guardian | Thursday 7 November 2013 | Andrew Clements | 7. November 2013
[...] the touch is always light, and Holliger's ear for texture acute. Schumann's freewheeling genius may not always have been attuned to symphonic thinking, but what he brought to the form was always fresh and distinctive.Mehr lesen
www.opusklassiek.nl | november 2013 | Aart van der Wal | 1. November 2013
Er gingen al twee cycli aan vooraf: van Ole Kristian Ruud (BIS) en vanMehr lesen
WDR 3 | WDR Sinfonieorchester / Diskografie | 1. November 2013
Drei Symphonien des Düsseldorfer Komponisten Robert Schumann (1810-1856)Mehr lesen
Vårt Land
| nr. 238, 69. årgang | Olav Egil Aune | 15. Oktober 2013
Grieg på alvor
Grieg løfter seg i nye innspillinger. Eivind Aadland vipper ham ut av det kjente kjedsommelige.
Ingenting er friskere enn Grieg. Jngenting kan spilles kjedeligere, heller.Mehr lesen
Vårt Land
| nr. 238, 69. årgang | Olav Egil Aune | 15. Oktober 2013
Grieg på alvor
Grieg løfter seg i nye innspillinger. Eivind Aadland vipper ham ut av det kjente kjedsommelige.
Ingenting er friskere enn Grieg. Jngenting kan spilles kjedeligere, heller.Mehr lesen
concerti - Das Berliner Musikleben | 10/13 | EW | 1. Oktober 2013
Unbekannte Werke, plastische Konturen, überraschende Farbnuancen.Mehr lesen
Pizzicato | N° 236 - 10/2013 | RéF | 1. Oktober 2013 Grieg im Konzertsaal
Eine feine Zusammenstellung von bekannten und weniger bekannten Werken Edward Griegs gibt es auf dieser SACD, die mit der 1866 in Rom entstandenenMehr lesen
Darunter sticht die im Original für zwei Klaviere komponierte, wenig bekannte 'Altnorwegische Romanze mit Variationen' op. 51 hervor, die besonders phantasievoll ist.
Die Interpretationen sind erstrangig, da Eivind Aadland stil- und geschmackvoll vorgeht und die Stücke je nach Charakter mit fulminanter Dramatik oder mit feinstem und exquisitestem Raffinement zur Wirkung bringt. Das WDR-Orchester hat nirgendwo Probleme, ihm engagiert zu folgen, und die Surround- Aufnahme ist räumlich und sehr präsent, ideal ausbalanciert, transparent und auch dynamisch hervorragend. Augen zu, und schon ist man im Konzertsaal...
La Muzik | Oktober 2013 | 1. Oktober 2013 Record Label Showdown
Chinesische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
FA. Magazin | Oktober 2013 | 1. Oktober 2013
Eivind Aadland gelingt es nachdrücklich, das WDR Sinfonieorchester auf skandinavische Frische und Farbigkeit zu trimmen. Die Aufnahmequalität ist allererste Sahne und das Booklet informiert, wie bei audite üblich, kompetent über den Komponisten und seine hier versammelten Werke.Mehr lesen
www.concerti.de | 01.10.2013 | Eckhard Weber | 1. Oktober 2013 Nordische Erkundungen
Sehr plastisch in den Konturen, lebendig, mit ungeahnt reichhaltigen Farbnuancen, emotional. Aadland erkundet mit den Kölnern immer wieder überraschende Ausdrucksbereiche jenseits der Klischees nordischer Klänge. Eine mustergültige Aufnahme.Mehr lesen
Der Tagesspiegel | 22.09.2013 | Frederik Hanssen | 22. September 2013
Tagesspiegel-Kritiker empfehlen – Die besten CDs für den Herbst
„Bunte Blätter, fallende Terzen“
Aadland und die WDR-Musiker entstauben vergessene Ouvertüren, Tonpoeme, Schauspielmusiken. Hörenswert!Mehr lesen
classical ear | 03.09.2013 | Andrew Achenbach | 3. September 2013
I don't think I've ever encountered more sheerly affectionate, imaginatively shaped accounts of either In Autumn or the criminally underrated Old Norwegian Melody with Variations, while Aadland's memorably poetic and intensely warm-hearted way with the adorable Lyric Suite even put me in mind of Sir John Barbirolli's legendary mid-1960s version with the Hallé (long my touchstone in this piece). A outstanding release, which ever way you look at it.Mehr lesen
http://theclassicalreviewer.blogspot.de | Monday, 2 September 2013 | 2. September 2013 The finest Grieg disc to be issued for a long time from the WDR Sinfonieorchester Köln conducted by Eivind Aadland on Audite
Whilst prolific as a composer Edvard Hagerup Grieg (1843-1907) wroteMehr lesen
Gramophone | September 2013 | Mike Ashman | 1. September 2013 Aadland's Cologne Radio Grieg survey continues
The first two discs in this 'Complete Symphonic Works' series (10/11, 11/11) were outstanding. This third is wholly exceptional. The presence of theMehr lesen
Aadland's Romance – unlike Beecham's it is complete and not marginally reorchestrated – becomes a kind of Norwegian Enigma Variations avant la lettre, mixing a large degree of symphonic seriousness with wit and Griegian nostalgia. The demonstration-class recording showcases a weight and colour of orchestration that puts this Grieg score in the correct but rarely considered position of contemporary to Strauss's early orchestral masterworks. A piece that (sssh, even on the two Beecham recordings) can sound bloated and occasional claims a place here alongside, indeed anticipates, the disguised turn-of-the-century unnamed symphonies of Rachmaninov, Elgar and the like.
A similar seriousness but never overblown grandeur informs In Autumn. Aadland has already shown us in this cycle that he is good at correctly scaling miniatures both in joy and in grief. He seconds those achievements here in the characterisation of the Lyric Suite and the Sigurd Jorsalfar music, while the five minutes of Klokkeklang ('Bell-ringing') become a spooky shadow of the BØyg's music in Peer Gynt (eagerly awaited in this series). A compulsively playable record, hugely recommended.
International Record Review | September 2013 | Robert Matthew-Walker | 1. September 2013
I have been much impressed with Eivind Aadland's earlier volumes in this ongoing series of Grieg's complete orchestral music (reviewed in July/AugustMehr lesen
I would not recommend discarding the first complete set of Grieg' s orchestral works, on the BIS label, played by the Bergen Philharmonic under OIe Kristian Ruud (a set that was made at my instigation) – for those discs are consistently fine and remain the only set recorded by a Norwegian orchestra (of which Grieg himself was Music Director for a time). However, this superbly original music can certainly withstand more than one approach, and I warmly welcome Aadland's views on this music.
The disc opens with Grieg 's earliest work for orchestra, the overture in Autumn. Early it may have been in original creation, but the only edition we know is the edited and reorchestrated version made 22 years later, in 1888, which was first performed in Birmingham. It is a problematic work, in that it can so easily appear rather bland and uninspired: not even Beecham could wholly rescue it from such a fate, although his 1955 recording is probably the best interpretation overall, but Ruud and Aadland run him close (and their recording quality is so much better). Although I am not much of a conductor, I feel that the work would surely benefit from an interpretation which ever so slightly exaggerates the inherent changes in the score – those of tempo, dynamic and phrasing – for it seems as though the music would respond better if it were considered along the lines of a Lisztian symphonic poem, rather than (as all three conductors do, to some degree) applying a 'sonata-form' approach to adjust the music to a form which does not quite suit it. What I am saying, of course, is that no recording entirely convinces me that the conductors are fully certain of the music's worth, but of the later recordings Aadland edges it.
Aadland has the advantage of truly firstclass orchestral playing: the Cologne WDR Sinfonieorchester is a fine orchestra indeed, and its account of the Lyric Suite is notable for its excellence and the apt tempos Aadland adopts. To those who remember it, this is the equal of Erik Tuxen's Decca account with the Danish State Radio Orchestra from 1953. Another outstanding track here is 'Klokkeklang' ('Bell-Ringing'), that unbelievably forward-looking masterpiece from 1891, which surely opened Debussy's ears, and which in the orchestral version must have also inspired Diaghilev to give Stravinsky the Russian's first commission – to orchestrate a few of Grieg's piano pieces for the Ballets Russes. Aadland's performance here is the finest I have ever heard and the orchestra plays superbly throughout.
Grieg's Op. 51 was first published as Old Norwegian Melody with Variations for two pianos: in that version, it greatly impressed the young Delius, and around a dozen years later Grieg produced an orchestral version, tightening the structure by omitting one variation and shortening the finale. He also subtly retitled it as Old Norwegian Romance with Variations but I think he missed a trick here: in the new version, it is actually a set of Symphonic Variations: had he applied that title to the new version I am convinced it would have received many more performances. As it is, the revised work's title is redolent of late-Victorian pictorialization, suggesting something that our great-grandparents might have listened to with a smile on their faces: but it is a far stronger work than that implies, and is one of the first major orchestral works to bring folk music, as the basis for a large work, into the concert hall – the piece was surely a major inspiration for Delius's Brigg Fair of 1908.
Beecham also recorded these variations and I can pay Aadland no greater compliment than to set his alongside Beecham's recording as an interpretation: the younger man's control of structure and quality of his orchestra make this a first choice for the work, yet there is something in the Bergen orchestra's turn of phrase, its almost instinctive response to this music, which cannot be gainsaid. The three orchestral studies from Sigurd Jorsalfar are fully up to the interpretative standards of the other music on this disc; the conductor holds the myriad tempos of the concluding 'March' together admirably and the balance Aadland achieves from his orchestra throughout is first-class.
The recording quality is of the highest standard, yet the booklet notes, although adequate, are not quite in the same league. Nonetheless, this is another highly successful issue in an important series.
Sinfini Music | 28 August 2013 | Malcolm Hayes | 28. August 2013
It’s difficult to imagine better performances: Eivind Aadland’s conducting secures vivid results from this high-quality, clearly up-for-it German radio orchestra.Mehr lesen
Gesellschaft Freunde der Künste | 27.08.2013 | GFDK | 27. August 2013
Das WDR Sinfonierochester und der norwegische Dirigent Eivind Aadland setzen ihre Gesamteinspielung der Orchesterwerke von Edvard Grieg mit dieserMehr lesen
Nicht alle Orchesterstücke von Edvard Grieg waren von Anfang an für große Besetzung geplant. Als seine Berühmtheit als Komponist und Dirigent stieg, arrangierte der Norweger auch Klavierstücke, die später vor allem in der Orchesterfassung populär wurden. Dazu gehört die Suite nach den Lyrischen Stücken op. 54, zu der als Einzelstück noch die fast impressionistisch aufgelöste Studie Glockengeläute gehört.
Wir lieben Musik... weil sie uns glücklich macht
Auch die Altnorwegische Romanze op. 51, eine Reihe von Variationen für zwei Klaviere, hat Grieg geschickt mit orchestralen Farben koloriert und gleichzeitig mehr Dramatik ins musikalische Geschehen gebracht. Einen Sonderfall bildet die Konzertouvertüre Im Herbst, die der 22-jährige Komponist bei einer Reise nach Rom vollendete: Sie war wohl von Anfang an als Orchesterwerk geplant, wurde aber zunächst als Klavierstück veröffentlicht und erst später instrumentiert. Wirklich "original" sind neben diesen vielen originellen Werken nur die drei Stücke aus der Bühnenmusik zu Bjørnstjerne Bjørnsons norwegischem Königsdrama Sigurd Jorsalfar, unter denen der Huldigungsmarsch noch heute eine obligate Begleitmusik für Krönungen und hochadlige Festivitäten ist.
Eivind Aadland war von 2003 bis 2010 Chefdirigent und künstlerischer Leiter des Sinfonieorchesters Trondheim. Darüber hinaus hat er mit vielen anderen skandinavischen, europäischen und internationalen Orchestern gearbeitet. Eivind Aadland studierte zunächst Geige bei Yehudi Menuhin. Von 1981-89 war er Konzertmeister der Bergener Philharmoniker, 1987-1997 musikalischer Direktor beim European Union Chamber Orchestra. Danach widmete er sich ganz dem Dirigieren und studierte bei Jorma Panula.
RBB Kulturradio | Di 27.08.2013 | Cornelia de Reese | 27. August 2013
Edvard Grieg: Die Sinfonischen Werke (Vol. III)
Ein spätromantisch voluminöses Orchesterprachtstück
Das WDR Sinfonieorchester hat sich vorgenommen, die sinfonischen Werke komplett einzuspielen. Teil eins und zwei sind bereits erschienen. Jetzt hatMehr lesen
Alle Farben des Herbstes
Der dritte Teil schaut auf das Hinterland der großen Orchesterwerke; insgesamt 5 CDs sind geplant. So sind drei Orchesterstücke aus der Schauspielmusik zu "Sigurd Jarsalfar" dabei, und auch einige von Griegs selbst verfasster Orchesterbearbeitungen kleinerer Lyrischer Stücke (im Original für Klavier), die in der Lyrischen Suite op. 54 zusammen gefasst sind, die Norwegische Romanze op. 51 und die große Konzertouvertüre "Im Herbst op. 11". Ein spätromantisch voluminöses Orchesterprachtstück: riesig besetzt und alle Farben des Herbstes in die Musik gegossen.
Launige Tanzanlehnungen
Das WDR Sinfonieorchester Köln spielt das so mitreißend – Eivind Aadland zeigt den Musikern an, dass diese Musik des 22-jährigen Grieg richtig Spaß machen soll. Hier stechen vor allem die hervorragenden Bläser hervor. "Im Herbst" op. 11 hat Grieg schon seinen Personalstil gefunden: er bleibt nordischen Traditionsklängen verhaftet und überträgt diese in die mitteleuropäische Musikästhetik, die er vor allem in Leipzig studiert hat. Das Stück hat kein Programm in DEM Sinne, aber mit seinen launigen Tanzanlehnungen – zum Schluss wird nach Schnittermanier getanzt – da sind wir mitten im Thema Ernte und Landleben.
Atmosphärisch dicht
Dem folgt die Lyrische Suite – eine Sammlung aus der Zeit, in der Grieg schon ein etablierter Dirigent war und immer wieder gebeten wurde, eigene Werke vorzustellen. Und hier griff er nach seinen Lyrischen Stücken op. 54 und wollte diese nun für großes Orchester gesetzt haben. Seine Klavierstücke, die er ganz regelmäßig herausbrachte und die sich teilweise bis heute großer Beliebtheit erfreuen, waren auch bei Arrangeuren beliebt, die diese Stücke dann für die ganz große Besetzung bearbeitet haben. Auch bei den Lyrischen Stücken war das so – aber Grieg war nicht immer ganz glücklich mit den Orchestrierungsversuchen seiner Kollegen, die oftmals enorm dick auftrugen, viele waren Wagnerianer. Grieg wollte diese Musik oft schlanker und feiner verstanden haben.
Nehmen wir z.B. aus der Lyrischen Suite das Notturno mit seinem Nachtigallenschlag. Das ist schon auf dem Klavier ganz bezaubernd, aber dann den Ruf der Nachtigall in der Flöte – später in den Geigen und dann sogar in der Harfe – das ist noch eine Spur eleganter, feiner, NOCH NICHT kitschig... Dieses Stück zeigt, dass Grieg auf seinen Konzertreisen auch die klanglichen Neuerungen in Frankreich kennen gelernt hat, also die Musik eines Fauré oder Debussys. Ganz deutlich wird das auch in dem 6. der Lyrischen Stücke mit dem Titel "Glockenklang" oder "Glockengeläute" – ein recht ungewöhnliches Stück für Grieg, weil es sich weit von dem entfernt, was wir von diesem Komponisten so kennen (die stampfenden Tänze und die eingängigen Melodien). Hier ist Atmosphäre eingefangen – bei einer Blindverkostung würde kaum einer darauf tippen, dass DAS von Grieg sei.
Kino im Kopf
Ein weiteres unbekanntes Stück, die Altnorwegischen Melodien mit Variationen, op. 51. Auch hier haben wir den ganz typischen Grieg-Fall: zuerst war die kammermusikalische Fassung für zwei Klaviere da, und dann nach 10 Jahren reicht Grieg die Orchesterfassung nach. Für dieses Stück hat Grieg eine in Norwegen allseits bekannte Weise genommen und diese variiert, im Charakter und Rhythmus, mal ins laut trällernde Dur, dann im dramatischen Moll, immer wieder werden andere Instrumente bedient, die dann mit ihrem Kolorit die Variation prägen. Mal sind die Variationen 40 sek. lang, dann wieder weitaus länger! Das ist hochromantische Musik mit hohem Abwechslungsfaktor – bestens geeignet für das Kino im Kopf – mit breit ausladenden Gefühlen und Landschaften.
Orchester mit nordischer Phase
Das WDR Sinfonieorchester Köln spielt unter dem Norweger Eivind Aadland – das Orchester hat ja momentan eine "nordische Phase", schließlich ist der Finne Jukka-Pekka Saraste momentan Chefdirigent – und man hat den Eindruck, dass das Orchester diese Musik, die so zwischen Kühle und hochtrabender Romantik changiert, das sie damit gerade hervorragend zurechtkommen. Aadland, der eine klassischen Konzertmeister-Karriere hinter sich gebracht hat (also zuerst Geigenstudium bei Jehudi Menuhin, dann Konzertmeister bei verschiedenen Orchestern, um dann das Dirigentenpult zu erobern), findet für mich die richtige Balance – er lässt es mal richtig krachen, man hört regelrecht, mit welcher Freude der Pauker wirbelt, die melancholischen Stellen sind schön ausgespielt. Das ist kein dicker Grieg, der behäbig daherkommt und vor Bedeutungslast trieft. Da ist viel Durchsichtigkeit, Luftigkeit dabei – das kommt daher, dass hier blitzsauber musiziert wird, genau intoniert, der Zusammenklang stimmt. Die Tradition der großen romantischen Orchester in gesunder rotbäckiger Kernigkeit, das leuchtet und strahlt – das macht großes Vergnügen. Diese Qualität hat sich schon in den beiden ersten CDs gezeigt. Hier entsteht eine sehr schöne Gesamtaufnahme.
www.SA-CD.net | August 5, 2013 | Geohominid | 5. August 2013
The engineering of this disc actually tops the already very fine recordings of the first two Volumes, possibly using a higher pcm sampling rate. The very natural acoustic and pin-point instrument location is even more in evidence, while the wide stage almost seems to go beyond the speakers. [...] I'm most impressed by the Audite series [...] and look forward once more to the next volume.Mehr lesen
Mitteldeutscher Rundfunk | MDR Figaro - Take 5, 05. August 2013 | 5. August 2013 Klassikempfehlungen
Klangeffekte, die mich fast an eine spätromantische Kirchenorgel erinnern. Also ganz reizvoll geraten und ein absoluter Hinhörer.Mehr lesen
The Guardian | Thursday 1 August 2013 | Andrew Clements | 1. August 2013
[...] all have the kind of easy fluency and melodic freshness that characterise so much of Grieg's finest music, and the WDR orchestra's performances under Eivind Aadland have exactly the light touch they need.Mehr lesen
Classical CD Choice | July 23, 2013 | Barry Forshaw | 23. Juli 2013 | Quelle: http://www.cdcho... Baker Box and New Discs from BIS, Oehms, Audite & Challenge
A highly collectable series, effectively displacing the DG set of the same repertoire by Järvi.Mehr lesen
Die Tonkunst | Juli 2013 | Tobias Pfleger | 1. Juli 2013 Edition Ferenc Fricsay – Werke von Haydn, Mozart, Beethoven, Rossini, Bizet, Brahms, Strauß, Verdi, Bartók u. a.
Ferenc Fricsay gehörte zu den bedeutenden Dirigenten des mittleren 20.Mehr lesen
www.myclassicalnotes.com | Tuesday | 11.05.13 | 11. Mai 2013 Holliger’s Schumann
Holliger’s performances draw on a lifetime study of Schumann’s music, thought, personality and fate. His approach imparts lightness and clarity to these scores through a balance of parts, delicately gradated dynamics and thoughtful tempos. The widespread image of this romantic composer as a weak orchestrator receives an interpretation that corrects that point of view.Mehr lesen
www.amazon.de | 26. Mai 2012 | 26. Mai 2012 | Quelle: https://www.amaz... Ein Geheimtipp
Unter den vielen Aufnahmen der Winterreise mit Dietrich Fischer-Dieskau nehmen seine drei frühen Radio-Aufnahmen einen Sonderplatz ein - lange nichtMehr lesen
Der 27-jährige Sänger hat gegenüber seiner ersten Aufnahme von 1948 deutlich an Reife gewonnen, die Interpretation ist gefestigt, ausdrucksstark, aber nicht überinterpretiert. Vor allem aber hört man hier die Stimme des jungen Sängers - männlich, kraftvoll, mit mehr Resonanz in der Tiefe als in seinen späteren, bewusst schlank geführten Aufnahmen.
Der Klang der Aufnahme ist trocken, aber nicht dumpf, mit wenig Grundrauschen, was dem Liedgesang ebenfalls entgegenkommt. Auch ein Vorteil gegenüber der scheppernden, stark rauschenden '48er Aufnahme.
Wenn Fischer-Dieskau seine frühen Aufnahmen später als "kitschig" abqualifiziert hat, trifft das allenfalls auf die Begleitung zu: Reutter spielt recht süßlich und mit viel Pedal. Einige Fehler (z. B. in Nr. 22, Mut) hätte man in einer kommerziellen Aufnahme sicher noch beseitigt. Insgesamt ist er dem Sänger nicht wirklich ebenbürtig, aber auch nicht störend – eben "nur" ein Begleiter, kein Partner wie Moore, Demus oder gar Brendel.
www.klavier.de
| 20.03.2012 | Peter Büssers | 20. März 2012
Nordische Melodien flüssig und natürlich
Grieg, Edvard: Sämtliche Orchesterwerke Vol. 2
Mit norwegischen Melodien geht die Aufnahme der sinfonischen Werke GriegsMehr lesen
klassik.com
| 20.03.2012 | Peter Büssers | 20. März 2012 | Quelle: http://magazin.k...
Nordische Melodien flüssig und natürlich
Grieg, Edvard – Sämtliche Orchesterwerke Vol. 2
Mit norwegischen Melodien geht die Aufnahme der sinfonischen Werke GriegsMehr lesen
France Musique | dimanche 4 mars 2012 | Nicolaus Southon | 4. März 2012 BROADCAST France Musique la Nuit
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
Das Orchester | 01.01.2012 | Walter Schneckenburger | 1. Januar 2012
Mit den ersten beiden Folgen der Gesamteinspielung aller sinfonischen WerkeMehr lesen
www.opusklassiek.nl | januari 2012 | Aart van der Wal | 1. Januar 2012
Er gingen al twee cycli aan vooraf: van Ole Kristian Ruud (BIS) en vanMehr lesen
nobilis | Januar 2012 | Jörg Worat | 1. Januar 2012 Skandinavischer Meister
Die Musik des Norwegers Edvard Grieg passt zur Jahreszeit: Sie ist nichtMehr lesen
France Musique | samedi 17 décembre 2011 | Nicolaus Southon | 17. Dezember 2011 BROADCAST France Musique la Nuit
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
La Musica | December 2011 | 1. Dezember 2011
koreanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
Diverdi Magazin | diciembre 2011 | Blas Matamoro | 1. Dezember 2011
En la orquesta de Grieg
En Audite, las dos primeras entregas de una integral
De las varias habilidades compositivas de Grieg, la orquesta no es la menor. Por eso, y no porque estemos ante págínas olvidadas, vale especialmenteMehr lesen
Algo similar ocurre con las canciones orquestales sín palabras (¿quién no ha acudido al pañuelo escumando Última primavera?), cuyos generosos arcos melódicos sugieren versos y convierten en poeta – inédito, menos mal – a cualquiera de nosotros. Mundo muy distinto es la otra suite, De los tiempos de Holberg, un delicioso recorrido rococó por los salones de la Escandinavia galante. También podríamos recordar al fino nacionalismo de Grieg y sus ritmos danzantes pero sería tópico.
Volver sobre este repertorio tiene sus riesgos. Sobran las mejores referencias y enseguida se agolpan en nuestra memoria nombres y más nombres de directores magistrales. Con Eivind Aadland la excelencia está asegurada y cabe una observación especial: la diferencia de sonoridades que consigue especulando con las cuerdas solas o explayando toda la paleta en los viajes de Pedrito el Afortunado. Aquel es un mundo intimo, subjetivo, reticente a la variedad exterior. Este, simplemente – major dicho: complejamente – es el mundo a secas, el variopinto mundo, el de la gran orquesta de Edvard Grieg.
auditorium | December 2011 | 1. Dezember 2011
koreanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
www.allmusic.com | 01.12.2011 | Mike D. Brownell | 1. Dezember 2011
Like Vol. 1 of Audite's survey of Edvard Grieg's complete symphonic music,Mehr lesen
www.ResMusica.com | 22 novembre 2011 | Jean-Luc Caron | 22. November 2011 Deuxième étape d’une intégrale orchestrale Grieg chez Audite
Contrairement à ce qu’on pourrait s’imaginer, l’œuvre d’EdvardMehr lesen
France Musique
| lundi 21 novembre 2011 | Denisa Kerschova | 21. November 2011
BROADCAST Venez quand vous voulez
E. Grieg: Au temps de Holberg op 40
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
Audio Video Club of Atlanta | 01.11.2011 | Phil Muse | 1. November 2011
Norwegian conductor Eivind Aadland leads the WDR Sinfonieorchester of KölnMehr lesen
Record Geijutsu | November 2011 | 1. November 2011
japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
International Record Review | November 2011 | Robert Matthew-Walker | 1. November 2011
This new complete series of Grieg's orchestral music is building into a really excellent one. In the past, although there has been only one integralMehr lesen
Here, on Volume 2 of this projected five-disc set (I reviewed the first volume in the July/August issue), we have Grieg's complete music for string orchestra, with the exception of 'The Death of Åse' (from Peer Gynt), which has already appeared on Volume 1 (in the first Suite taken from the play's incidental music). As has become something of the norm in relatively recent years, it is encouraging to hear this music played by full string strength, rather than the chamber-musical number of players which so often used to be the case in recordings made from about 1970-2000.
Any doubts that might remain as to the 'authenticity' of the performances in the choice of a German orchestra are set at nought under Aadland's direction: as with Volume 1, he has clearly gone from first principles, and the results are enormously impressive. Indeed, in some respects they are rather more than that, for in the second of the utterly delightful Two Nordic Melodies, Op. 63 (the 'Cowkeeper's Tune and Country Dance', as they were once known in English-speaking countries), Aadland gets the opening gesture of the 'Country Dance' to be played without vibrato, imitating the natural sound of the Norwegian folk instrument, the Hardanger fiddle, as if tuning-up prior to the Dance itself. The result is utterly entrancing, a small but by no means insignificant aspect of this conductor's love for and desire to communicate this totally originaI music. We may hear a similar effect in the 'Norwegian' melody, the first of two from Op. 53; if anyone questions the 'rightness' of this, one may reply that Grieg, in the early 1890s and about the time of his fiftieth birthday, went by horse and cart around Norway collecting folk songs, a full ten years before the English folk-song movement began in this country, and at a time in Grieg's life when – an international figure – he had no need to do so.
By such modern interpretative means as we have noted, Aadland reveals the heart of this music in a completely new yet totally convincing manner. Another of his qualities is his insistence on giving each note its full length, which, in Grieg's slow string music, adds greatly to the expressive nature of these interpretations. Aadland is at all times unerring in adhering to the composer's demands in matters of phrasing and of internal string tone: the result is a most admirable recording, with the very familiar Holberg Suite being particularly pleasing; the conductor's tempos are excellent and all repeats are correctly observed.
The accompanying notes are also good and the recording quality is first-class, but it is odd to see a booklet in which the composer's dates are nowhere to be found. Nonetheless, this is a most impressive disc.
concerti - Das Berliner Musikleben | November 2011 | AC | 1. November 2011 Rhythmus im Blut
Wer Edvard Griegs Peer-Gynt-Suiten mag, wird auch am übrigen sinfonischenMehr lesen
Gramophone | November 2011 | Mike Ashman | 1. November 2011 Volume 2 of Cologne’s Grieg cycle arrives
A happy star reigned over Cologne two autumns ago when violinist-turned-maestro Eivind Aadland recorded his cycle of Grieg symphonic works with theMehr lesen
This lack of the borrowed German romanticism that still cloaks much non-Scandinavian Grieg-playing – the composer portrayed as a kind of simplified Brahms with the Hungarian bits writ Nordic – does not indicate any lack of passion. The uberrestraint which characterised Ole Kristian Ruud's Bergen survey of this music is replaced here by a real evocation of the sadness – perhaps darkness would be a better word – behind Grieg's melodies and themes. A weighty and tense interpretation of From Holberg's Time gives the lie to the composer's none-too-serious apology for the work as 'periwig music' – a kind of 18th-century mask to his own emotions – and attains a dramatic level more suggestive of the plays and writing of Ludvik Holberg than most rivals. The song transcriptions, none more so than the Melody, Op 53 No 1 (retitled 'Norwegian'), are lent here an importance far beyond that of the salon encore material as which they are often scheduled.
In this series (three releases to come) or as a separate venture, Aadland and his adoptive orchestra must be let loose on as complete as possible a Peer Gynt. Almost singlehandedly these days he continues to make the case for Grieg as serious orchestral writer.
Pizzicato | N° 216 (10/2011) | RéF | 1. Oktober 2011
Ob es klug war, in der Grieg-Gesamtaufnahme eine CD mit einem Programm nur für Streichorchester zusammen zu stellen, scheint mir fraglich, wo dochMehr lesen
Fono Forum | Oktober 2011 | mku | 1. Oktober 2011 Gemischte Gefühle
Bemerkenswert rasch schreitet die Grieg-Edition bei Audite voran. Auch wenn die Einspielung aller Werke für Streichorchester bereits vor der erstenMehr lesen
Audiophile Audition | September 30, 2011 | Gary Lemco | 30. September 2011 Volume two of the Grieg symphonic works devotes itself to the string ensemble, particularly those folk-spirited dances and songs rife with rustic energies.
This second volume in a five-part series of Grieg’s complete symphonicMehr lesen
Yorkshire Post | Friday 16 September 2011 | David Denton | 16. September 2011
I cannot recall a more beautifully played or more thoughtfully conducted disc of Grieg’s music for string orchestra. The young Norwegian, EivindMehr lesen
France Musique | vendredi 16 septembre 2011 | Christophe Bourseiller | 16. September 2011 BROADCAST Musique matin
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
Klassisk Musikkmagasin | 13. argang, 3/2011 | 1. September 2011
Hvem trenger enda en innspilling av Griegs orkestermusikk? (Jeg tror det erMehr lesen
Applaus | Jg. 35, September 2011 | ar | 1. September 2011 Complete Symphonic Works
Ende der 1980er-Jahre legte die Deutsche Grammophon in zwei Boxen sechs CDsMehr lesen
www.classicfm.co.uk
| Mornings On Classic FM, Monday 29 August 2011, 9 am - 1 pm | John Suchet | 29. August 2011
Edward Grieg Complete Symphonic Works
John's CD of the Week
Monday 29 August: The conductor Eivind Aadland comes from a family whereMehr lesen
RBB Kulturradio | CD der Woche 08.08. - 14.08.2011 | Inga Langhans | 8. August 2011
Edvard Grieg: "Die sinfonischen Werke Vol. II"
Mit dem WDR Sinfonieorchester Köln unter Eivind Aadland
Unter Leitung von Eivind Aadland spielt das WDR Sinfonieorchester Köln Griegs komplettes symphonisches Schaffen ein. Auf dieser CD sind die WerkeMehr lesen
In der Mitte seines Lebens vertonte Grieg Gedichte des Volksschullehrers Aasmund Olafsson Vinje. Die zwölf Vinje-Lieder für Singstimme und Klavier wurden in Norwegen sehr populär und sind in dieser Form bekanntes Repertoire. Die Vinje-Lieder Herzwunden, und Letzter Frühling instrumentierte er für das Bergener Symphonieorchester, das er 1880 als Dirigent übernommen hatte. Im Jahr 1881 erschienen sie als Zwei elegische Melodien op. 34. Diese bekannten Melodien bilden in der neuen Einspielung des WDR Sinfonieorchesters den berührenden Beginn.
Eine norwegisch-deutsches Zusammenfinden
Griegs Bearbeitungen für Streichorchester waren ein Versuch mehr Verständnis seiner Musik, insbesondere im Ausland, zu gewinnen. Der Komponist stand Zeit seines Lebens im persönlichen Konflikt zwischen dem Nationalen und dem Individuellen. Gerade die Verwendung von Material aus der Volksmusik Norwegens war für das Ausland interessant. In seiner Heimat wurde ihm jedoch zur Last gelegt, das Norwegische zu übertreiben. Diese Einspielung zeigt den inneren Konflikt Edvard Griegs. Der Dirigent Eivind Aadland fühlt sich in Griegs Musik zu Hause und liefert mit dieser Produktion einen geglückten Versuch einer deutsch-norwegischen Synthese, die sowohl Elemente aus der norwegischen Volksmusik, als auch der Kunstmusik enthält.
Eine einfühlsame Produktion
Die typische Klangwelt Edvard Griegs ist beim Kölner WDR Symphonieorchester bestens aufgehoben. Während der Dirigent Aadland das Orchester leitet und dabei viel Wert auf eine volksmusikalisch anklingende und ungewohnt unsentimentale Spielweise legt, erledigen die Musiker ihre Aufgabe in gewohnt bester Studioqualität. Die Bearbeitungen der Vinje-Lieder zeigen dies besonders, auch ohne Text, und dazu hat der Norweger Aadland einiges beigetragen. Der Volksmusikcharakter kommt in der Detail-Arbeit des Dirigenten zum Ausdruck - beispielsweise, indem auf Vibrato verzichtet wird.
hifi & records | 4/2011 | Ludwig Flich | 1. April 2011 Edvard Grieg Symphonisches Werk
Braucht man 555 Scarlatti-Sonaten, 1.001 Bach-Kantaten, 7.000Mehr lesen
DeutschlandRadio Kultur - Radiofeuilleton | Sonntag, 6. Juni | Kirsten Liese | 6. Juni 2010
„Damals wurden wir zum Glück nicht vermarktet“ – Zum 85. Geburtstag von Dietrich Fischer-Dieskau<br /> <br /> [Musik1 Brahms: „Geheimnis“. Op.71,Mehr lesen
[Musik1 Brahms: „Geheimnis“. Op.71, Audite. Nr: 95.635, Track 7 [1’58]]
Es dürfte kaum ein anderer Sänger eine vergleichbar umfangreiche Diskographie vorzuweisen haben. Anlässlich seines 85. Geburtstag haben einige Plattenlabels zahlreiche Aufnahmen neu aufgelegt. Und noch immer finden sich selten gehörte Schätze mit Dietrich Fischer-Dieskau in Rundfunkarchiven, die noch nicht auf CD erschienen sind. Wer hätte gedacht, dass der Bariton 1981 mit Aribert Reimann am Flügel beim damaligen Sender Freies Berlin 17 Lieder von Tschaikowsky einstudierte, dazu im Original in russischer Sprache?
[Musik2 Tschaikowsky. „Mein Schutzgeist, mein Engel, mein Lieb“, Archivaufnahme des RBB, Anfang [1’52]]
Dietrich Fischer-Dieskau und Aribert Reimann mit den Liedern „Mein Schutzgeist, mein Engel, mein Lieb’“ und „Serenade des Don Juan“ von Peter Tschaikowsky. Wenn der Berliner heute auf sein reiches Schaffen zurückblickt, erinnert er sich gerne an diese Aufnahmen. Dabei wundert es ihn kaum, dass er als Interpret russischer Lieder schon damals kaum wahrgenommen wurde:
[O-Ton1 Dieskau]
„Das ist der Wahn, dass nur das Originale, also nur die russische Kehle so etwas machen kann und meistens können die russischen Kehlen nichts Anderes als Fehler.“
Auf Anna Netrebko, die kürzlich mit Daniel Barenboim Lieder von Tschaikowsky und Rimsky-Korssakow auf CD herausgebracht hat, bezieht sich dieses harsche Urteil der Fehlerhaftigkeit nicht, aber kritisch beurteilt Dieskau die russische Starsopranistin durchaus:
[O-Ton2 Dieskau]
„Wenn ich mich hinstelle und singe ein paar schöne Töne, wie das Frau Netrebko oft mal macht, schöne Legatophrasen und so weiter - alles perfekt. Nur leider, leider fehlt der Geist dahinter. Und das ist eine Voraussetzung, die der Musik selbst nicht gerecht wird, da würde auch Herr Puccini sich wahrscheinlich beschweren. Denn er war ja doch ein Mensch, der sehr stark auf Ausdruck aus war und es in den verschiedensten Formen ausgeprägt hat innerhalb seines Werkes, immer wieder neu.“
Fischer-Dieskau selbst hat diesen hohen Anspruch mit seinen eindrücklichen Interpretationen beispielhaft umgesetzt. Er war einer der wenigen deutschen Sänger seiner Generation, die sich mit dem italienischen Fach international erfolgreich behaupten konnten. Zwar hat Puccini nur wenige große Partien für Bariton geschrieben, aber die wichtigsten darunter hat Fischer-Dieskau in sein reiches Repertoire aufgenommen: den Scarpia in „Tosca“, den Marcello in „La Bohème“ sowie den Marcel in „Il tabarro“– Der Mantel.
Als 1973 die Proben zu dem Einakter „Der Mantel“ an der Bayerischen Staatsoper begannen, da war dies zugleich Fischer-Dieskaus erste Begegnung mit der Sopranistin Julia Varady, die er wenige Jahre später in vierter Ehe heiratete. Auf der Bühne traten sie schon als Ehepaar in Erscheinung: Julia Varady verkörperte Georgette, die Frau des Schleppkahnbesitzers Marcel, die ihren Mann in rasende Eifersucht treibt, als sie sich offen dem Löscher Henri zuwendet. Das düstere, hoch emotionale Stück gab seinen Teil dazu, dass die beiden Sänger privat einander näher kamen. Julia Varady fühlte sich stark zu dem Bariton hingezogen, so dass sie ihre Rolle entsprechend anlegte: Ihre Georgette betrog Marcel nur, um seine Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Fischer-Dieskau resümierte später mit leichter Selbstironie, seine Werbungen um die blonde Partnerin seien wohl im Ausdruck etwas über Puccinis Vehemenz hinausgegangen.
[Musik3 Puccini, aus „der Mantel“: „Warum liebst du mich nicht mehr?“, Orfeo. Nr: 463 971, LC 8175, Track9, DVD Track 14 [3’24]]
Fischer-Dieskau war sich wohl bewusst, dass Sängerehen oftmals an Neid- oder Rivalitätsgefühlen zerbrechen:
[O-Ton3Dieskau]
„Ich habe … mich davor gescheut, mit einer Sängerin auch nur näher anzubandeln- nein! Aber es war so anders, wir ergänzen uns auf eine ideale Art und Weise. Sie bringt in ihren Unterricht das ein, was ich –in meinem Alter aber auch sonst – nicht so gut einbringen kann. Und das ist einfach wunderschön. Wenn zwei in derselben Richtung arbeiten, in verschiedenen Essenzen in die Sphären eindringen und wirklich da was zu sagen haben, dann ist das was Besonderes. Natürlich ist das nicht bei allen Sängerpaaren so.“
Viele Male standen Fischer-Dieskau und Julia Varady gemeinsam auf der Opernbühne, zum Beispiel in Mozarts „Figaro“, in Richard Strauss’ „Arabella“, in Wagners „Meistersingern“ oder in Aribert Reimanns „Lear“.
Heute geht Fischer-Dieskau zwar kaum noch in die Oper, weil er sich nicht über Regisseure ärgern will, die die Handlung mit der Brechstange in die Gegenwart katapultieren, verhunzen und entstellen. Aber über das aktuelle Konzertleben ist der wechselweise in Berlin und München residierende Künstler gut im Bilde. Mit großem Unmut und mit Sorge beobachtet er, dass heute Künstleragenten Karrieren schmieden, junge Sänger vermarkten und verheizen. Damals war das zum Glück ganz anders, sagt er.
[O-Ton4 Dieskau]
„Ich kann mich nicht besinnen in meinem Leben außer im allerersten Jahr überhaupt mit einem Agenten Berührung gehabt zu haben. Später nicht mehr. Und es lohnt sich auch nicht, weil die Agenten haben ihre Interessen und ihre Quellen, mit denen sie Geld zu bekommen trachten. Und das ist alles nicht Aufgabe der Kunst. Wir müssen unabhängig vom Geld denken.“
Als einen der bedeutendsten Liedersänger des vergangenen Jahrhunderts schmerzt es Fischer-Dieskau vor allem sehr, erleben zu müssen, dass Liederabende im Konzertleben immer rarer werden. Wann steht schon einmal das „Spanische Liederbuch“ von Hugo Wolf auf dem Programm?
[O-Ton5 Dieskau]
Vergessen und verloren, kaputt! Kein Mensch kennt es mehr!
[Musik4 Hugo Wolf: „Nun bin ich dein“. Aus dem Spanischen Liederbuch. Deutsche Grammphon. Nr: 000289 457 7262 2. LC 0173. CD1, Track1 [4’14]]
„Nun bin ich dein“ aus dem Spanischen Liederbuch von Hugo Wolf. Fischer-Dieskau wurde am Flügel begleitet von Gerald Moore.
Seine Interpretationskunst, die zunehmend intellektueller und expressiver wurde, war stilbildend für ganze Generationen von Sängern. Dieskau erneuerte als einer der Ersten nach dem Zweiten Weltkrieg die Vorstellung vom Liedgesang: Weg vom reinen sinnlichen, schmelzenden Stil des Belcantogesangs hin zu einem am Text orientierten ausdrucksstarken Vortrag.
Wird nun eine namhafte Kapazität wie Thomas Quasthoff, der als Liedersänger zu den erfolgreichsten des 21. Jahrhunderts zählt, Dieskaus hohen Ansprüchen noch gerecht?
[O-Ton6 Dieskau]
„Es fehlt mir, wenn ich ihn höre, eine Proportion dahinter, hinter den Tönen, hinter dem Text, die genauso wichtig ist für den Vortrag von Liedern wie das, was erklingt. Nun ist das bei ihm ein Sonderfall und man kann das nicht unbedingt vergleichen. Was er daraus gemacht hat, ist enorm und seine Stimme ist wunderschön und wäre ich in der Lage, ihm so etwas beizubringen, würde ich das unternehmen. Aber er will das natürlich nicht.“
Bekannte Zyklen von Schubert und Schumann wie „Die Winterreise“, ,„Die schöne Müllerin“ oder „Dichterliebe“ hat Fischer-Dieskau über Jahrzehnte hin mehrfach mit verschiedensten Pianisten vorgetragen. Daneben nahm er aber auch deutsche Kunstlieder von Max Reger, Hans Pfitzner oder Paul Hindemith auf, die schon in den 1960er und -70er Jahren zum Randrepertoire gehörten.
Hindemith zählt neben Arnold Schönberg und Alban Berg zu den Modernisten der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, mit denen sich Fischer-Dieskau ausgiebig beschäftigt hat. Er war als „Mathis der Maler“ und „Cardillac“ zu erleben, - zwei Opern, denen er mit seinem Einsatz zu größerer Bekanntheit verhalf. Ferner studierte er auch Hindemiths kaum bekannte Lieder ein. Eines davon trägt den Titel „In ewigen Verwandlungen“.
[Musik5 Hindemith: „In ewigen Verwandlungen“, Audite. 95.637, Track 10 [3’01]]
Fischer-Dieskau war als Sänger stets aufgeschlossen für die Komponisten seiner Zeit, inspirierte auch einige Komponisten für ihn zu schreiben, etwa seinen langjährigen Freund Aribert Reimann, der ihm seine Oper „Lear“ widmete. Doch wusste er auch stets die Spreu vom Weizen zu trennen:
[O-Ton7 Dieskau]
„Was nützt es uns, wenn vier fünf, sechs, sieben, acht oder neun Mal dasselbe in Grün oder Rot oder Rosa Interpretieren? Wir müssen finden Originales. Und wer sich hinsetzt und komponiert Kunstmusik, der hat gefälligst etwas ganz Originales zu leisten, was eben noch nicht da war. Und vor diesem Neuen schrecken nicht nur die meisten Komponisten zurück, sondern sie haben auch nicht die Fähigkeit, es zu machen. Sie imitieren an allen möglichen Ecken und Enden anderer Leute, und das ist von … der atonalen Musik angerechnet, … eine Musik…, die sich weder ein Mensch merken noch ein Mensch mit Genuss hören kann.“
Apropos Imitation: Der 85-jährige Fischer-Dieskau beobachtet, dass auch junge Sängerkollegen heute oftmals weniger eine eigene Persönlichkeit ausbilden als vielmehr der Versuchung erliegen, über das Hören von CDs berühmte Kollegen nachzuahmen.
[O-Ton8 Dieskau]
„Ich denke nur an Gerhaher, der mit meinen Platten reist und sich jede Note anhört und genau nachmacht, es versucht, er kann es ja nicht. Er hat eine andere Stimme, hat ein anderes Wesen, ist ganz ein anderer Mensch, das kann man nicht einfach so austauschen. … Natürlich kann eine gute CD helfen, schneller zu einem Ziel zu gelangen, aber alleinig sollte sie nicht sein. Sie sollte schon im eigenen Wesen, in der eigenen Forschungsarbeit, in der eigenen Lektüre, mit dem eigenen Ohr gestaltet sein, sonst kommt nichts Originelles dabei heraus.“
Fischer-Dieskaus Plattenkarriere begann zu einer Zeit, als es sich die Plattenindustrie noch leisten konnte, Studioaufnahmen zu produzieren, die heute – vor allem im Bereich der Oper – stark zurückgegangen sind. Wie beurteilt nun er, der viel Erfahrene, die Möglichkeiten der Studioaufnahmen im Vergleich zum heute bevorzugten Live-Mitschnitt?
[O-Ton9 Dieskau]
„Der Vorteil einer Studioaufnahme ist, dass es das Arbeitsmaterial in Reinkultur wiedergibt, das zur Zeit der Aufnahmen die Dirigenten, Pianisten, Sänger … beseelt hat, und er kann das übertragen. Es gibt aber Naturen, die sind so beengt durch die Aufnahmebedingungen, dass sie gar nicht zur Interpretation kommen. Sie kriegen Angst vor den Mikrofonen, haben Angst vor den Räumen, sie schauen in die Höhe und sehen die von der Decke hängenden Mikrofone und denken, das kann ja gar nicht gut gehen. Das kann mich nicht wiedergeben. Kann es doch ganz gut.“
1993 beendete Dietrich Fischer-Dieskau seine aktive Sängerkarriere und widmete sich fortan verstärkt anderen künstlerischen Aufgaben, dem Dirigieren, Malen und Schreiben von Büchern sowie der Ausbildung junger Sänger an der Berliner Musikhochschule.
Mittlerweile hat er sich als Lehrer rar gemacht, nur dann und wann gibt er nochmal eine Meisterklasse. Als Autor aber hat er noch Einiges vor. Sein jüngstes Buch will er der Gattung Lied widmen. – Ein letzter Versuch, die Gattung vor dem Sterben zu bewahren.
[O-Ton10 Dieskau]
„Ich will wieder mal etwas nur über das Lied, nicht geschichtlich, sondern über das Wesen all der großen Liedkomponisten – es sind ja gar nicht viele – aufschreiben, in einer Sprache, die nicht wissenschaftlich ist, sondern die gelesen werden kann. Vielleicht kann man dann fürs Lied etwas tun, aber ich bin etwas skeptisch.“
[Musik6 Schumann: „Zwielicht“, Audite 95.582, Track 22 [3’01]]
[Musik1 Brahms: „Geheimnis“. Op.71,
France Musique
| mercredi 9 décembre 2009 | 9. Dezember 2009
BROADCAST Concert de l'après-midi
Identités hongroises: Liszt, Kodály, Bartók
Sendebeleg siehe PDF!Mehr lesen
Frankfurter Allgemeine Zeitung | 28. Juli 2009, Nr. 172, S. 30 | Eleonore Büning | 28. Juli 2009
Ein Troubadour des Klavierspiels
Géza Anda ist nicht nur das probate Vorbild bei Mozart und Bartók. Schon vor fünfzig Jahren spielte er Schumann, Liszt, Chopin, Rachmaninow klar und leuchtend
Donnern genügt nicht. Sicher braucht es immer auch die Vehemenz einesMehr lesen
Frankfurter Allgemeine Zeitung | 28. Juli 2009, Nr. 172, S. 30 | Eleonore Büning | 28. Juli 2009
Ein Troubadour des Klavierspiels
Géza Anda ist nicht nur das probate Vorbild bei Mozart und Bartók. Schon vor fünfzig Jahren spielte er Schumann, Liszt, Chopin, Rachmaninow klar und leuchtend
Donnern genügt nicht. Sicher braucht es immer auch die Vehemenz einesMehr lesen
Frankfurter Allgemeine Zeitung | 28. Juli 2009, Nr. 172, S. 30 | Eleonore Büning | 28. Juli 2009
Ein Troubadour des Klavierspiels
Géza Anda ist nicht nur das probate Vorbild bei Mozart und Bartók. Schon vor fünfzig Jahren spielte er Schumann, Liszt, Chopin, Rachmaninow klar und leuchtend
Donnern genügt nicht. Sicher braucht es immer auch die Vehemenz einesMehr lesen
Frankfurter Allgemeine Zeitung | 28. Juli 2009, Nr. 172, S. 30 | Eleonore Büning | 28. Juli 2009
Ein Troubadour des Klavierspiels
Géza Anda ist nicht nur das probate Vorbild bei Mozart und Bartók. Schon vor fünfzig Jahren spielte er Schumann, Liszt, Chopin, Rachmaninow klar und leuchtend
Donnern genügt nicht. Sicher braucht es immer auch die Vehemenz einesMehr lesen
Classical Weta 90,9 FM - Classical for Washington | Friday 5.29.09, 6:00 am | Jens F. Laurson | 29. Mai 2009
Perhaps the coupling of Haydn's 44th, 95th, and 98th symphonies strikes youMehr lesen
Fanfare | Issue 32:5 (May/June 2009) | James H. North | 1. Mai 2009
These are first CD issues of radio recordings from WDR Cologne. Most of these performers are Hungarian musicians who had studied in Budapest in theMehr lesen
The First Piano Concerto, led by Gielen, does not come off as well in this live performance as in the studio recording. Tempos are similar—the Andante a bit slower here—but the Cologne orchestra lacks the polish of Fricsay’s Berlin Radio Symphony Orchestra, which he had honed into a superb ensemble rivaling that city’s Philharmonic. The Cologne brass have some awkward moments. This monaural radio recording is nowhere near as clear as DG’s stereo one, and many orchestral details fail to surface.
The Second Concerto, led by Fricsay, is better on all counts. The notes say that Anda performed this work more than 300 times, and this live performance at Salzburg was one of his first. His playing has moments of extra frisson, and the accompaniment is fine, although there are a few woodwind shrieks and brass blasts—this was difficult music for orchestras as well as pianists in the 1950s. Things get a tad messy at one moment in the Presto section of the slow movement. Anda may not have had the chops of Pollini or Richter, but his Bartók was more colorful than that of either. This 1952 live recording is much cleaner than the 1957 radio one of the First Concerto. Balances are quite different than in the 1959 stereo; here the piano is in front of the orchestra, there it is more integrated into it. Although DG’s early stereo recording remains preferable, it does suffer from poorly judged post-production: when the focus shifts to one side of the orchestra to hone in on some detail, the piano slides across the soundstage.
This recording of Contrasts is wonderful. Varga, Blöcher, and Anda set a daring tempo for the Verbunkos—more than 10 percent slower than Szigeti, Goodman, and Bartók—and they are not afraid to screech and scratch. The result has a dusky folk flavor beyond any performance I have heard. Varga is mesmerizing, his almost demonic pizzicatos and double stops keeping the intensity level at a peak. Blöcher—WDR Cologne first clarinet—also seems to the manner born, playing as if he were at a village fair rather than in a big-city studio. They turn Contrasts into a masterpiece.
That Anda was a major force in the interpretation of Contrasts is reinforced by his performance of the op. 14 Piano Suite. Again tempos are relaxed, the virtuosic side of the writing played down (but never short-changed), with no loss of intensity. In two other performances at hand, Murray Perahia plays with crystal-clear precision, with every note sounding, but—heard next to Anda—the result is clinical; Dezső Rankí, too, produces little atmosphere, making the Suite seem mere digital exercises. Anda makes these four movements sound like Bartók.
The Sonata for Two Pianos and Percussion is often played as a pure virtuoso showpiece, fast and furious and damn the subtleties. This is a thoroughly musical performance, and a most rewarding one. That the pianists are not always together doesn’t matter one whit; it suggests an improvisatory performance relying on the inspiration of the moment. Again, color and atmosphere are brought to the fore, as opposed to sheer technique. I don’t mean to defend a sloppy performance—which this is not—but rather to revel in the spirit and freedom found here.
The recorded sound throughout the second disc is excellent, its monaural character no limitation in any way. Whereas early performances of Schoenberg were universally dreadful, and those of Stravinsky inconsistent at best, the 1950s witnessed the peaks of Bartók performances, many of them by these musicians. This issue is to be treasured, in particular for the stunning Contrasts, which makes it Want List material.
SWR | Musikstunde, Montag, 23. März 2009, 9.05 – 10.00 Uhr | Martin Roth | 23. März 2009
In Eichendorff, ihrem Spätgeborenen, der etwas außerhalb der eigentlichenMehr lesen
Prestige Audio Vidéo | 9/3/2009 | Michel Jakubowicz | 9. März 2009 Joseph Haydn: Symphonie No 44
Si la Symphonie No 44 "Funèbre" appartient à la période "Sturm undMehr lesen
Fanfare | Issue 32:4 (Mar/Apr 2009) | Steven E. Ritter | 1. März 2009
For those with only a tangential or cursory familiarity with the art of Géza Anda, it may come as somewhat a surprise to hear that he was anMehr lesen
This is a sad thing, for Anda has much to contribute to our current understanding of these composers. Hearing the razor-sharp and crystal clear Schumann on these discs, I am surprised once more at his ability to bring a modern sensibility to these works while simultaneously injecting a sense of old world Romanticism that is on par with about anything I have heard from pianists past. In fact, if current research is to be believed (I know, that opens up a whole kettle of sometimes smelly fish), then what the more ascetic players bring to this music may actually be more in line with the way the composers themselves used to play it. But I shall not pigeon-hole anyone into that construct either, being a firm believer that each generation must discover these composers for themselves.
Anda certainly did that, albeit helped by a number of people who provided him with a plentitude of unerring role models: Dohnányi, Kodály, and Weiner at home, and Haskil, Cortot, and Fischer in Paris. Haskil particularly comes to mind as you listen to the perfectly proportioned upper and lower lines of Kreisleriana, for instance. It is always a shocker to hear how many pianists downplay the significance of the bass line in Schumann, which is absolutely critical in any legitimate performance. Anda ignores none of it, and knows its importance, as did his friend and colleague Clara Haskil; their performances of this music are remarkably similar and equally illuminating, Anda having the edge in conciseness while Haskil demonstrates the buoyancy inherent in Schumann’s work.
The Chopin is also well worth rediscovery. I do not think that this composer spoke to Anda in the same way as some others, certainly not Schumann. The Romantic ethos is still there, but Chopin was a miniaturist in a way that Schumann rejected, and his short-burst works do not allow the performer as much time to develop an emotional argument. Anything the performer wants to say must be prepared completely before the first note sounds, and sometimes I feel that Anda needs more of a warm-up period. But more often he is fully prepped for the challenge, and when that happens, as in most of the preludes, we are in for some magical moments upheld by a technique that is second to none.
Audite presents these pieces in wonderful mono sound, the type that initially made some people skeptical of stereo, clean, clear, and almost—almost—sounding two-channel. This is a great tribute (Volume 3 of 4) to a vastly underrated artist, and an early candidate for this year’s Want List.
Fanfare | Issue 32:3 (Jan/Feb 2009) | Jerry Dubins | 1. Januar 2009
The only item in this collection designated as “live” is the Beethoven piano concerto; it also bears the latest recording date. The rest of theMehr lesen
Born in Budapest, Géza Anda (1921–1976) was a pianist I always tended to associate with Bartók, probably because of the Hungarian connection, though his repertoire encompassed a fairly wide range of composers. His highly respected cycle of the complete Mozart concertos with the Salzburg Mozarteum is still available in an eight-disc boxed Deutsche Grammophon set at an incredible bargain price.
For listeners unfamiliar with Anda’s playing and/or those who are newcomers to classical music, the pianist might not be a first choice. His tone, at least on the recordings he made during the late 1950s and throughout the 1960s, can come across as sounding a bit brittle and steely. Assiduous in matters of technical precision, his playing can also at times seem to be disengaged and lacking in expression. Yet it was precisely Anda’s steeliness of touch and precision of execution that I found so compelling in his Bartók; and his refusal to bedeck Mozart in floral wreaths was refreshing.
Yet virtue in one composer is not necessarily so in another. Anda’s rendition of Beethoven’s C-Major Piano Concerto in this collection sounds literal and aloof. Moreover, what was at the time the Cologne Radio Symphony Orchestra—today the much-improved WDR Symphony Orchestra of Cologne—was no Berlin Philharmonic. The playing is plagued throughout by poor intonation, mainly, and unexpectedly, in the strings rather than in the winds.
Anda’s performance of Beethoven’s Piano Sonata No. 7 in D is mechanically exact, but essentially dry and humorless. By the time he gets to the late A-Major Sonata No. 28, Anda intuits that he is in a different musical universe, but it is one that makes expressive demands on him he can’t quite seem to relate to. The result is a very strange interpretation characterized by halting phrasing and ritards and diminuendos that seem to run off the shoulder of the road and into a ditch. Also, uncharacteristically for Anda, there is a very noticeable flub at 3: 18 in the second movement.
The Brahms sonata that begins disc 2 marks an improvement in Anda’s playing, though not, unfortunately, in the recorded sound. The sheer bigness of the work—its dynamic and tonal range—swamps the acoustic setting and stresses the recording technology. The highest notes are flattened out and glassy sounding, while the loudest passages must have needed to be compressed in order to avoid breakup. It’s too bad, because it’s in the Brahms Third Sonata that Anda really shines in a reading that reminds me of Richter’s way with the composer, though Richter, for some reason it appears, never recorded the Third Sonata, only the First and Second.
As in the late Beethoven Sonata, Anda is once again a bit adrift in Brahms’s late op. 117 reflective musings. Like someone who senses there is something just beyond his grasp that he desperately wishes to penetrate but can’t, Anda projects onto these pieces a mode of expression that is not natural to them. The result sounds awkward and arch.
As with the Brahms Sonata, Anda is back in his element with Liszt. This is a B-Minor Sonata that goes head to head with some of the best—Richter, Horowitz, and Cziffra, to name just three electrifying versions. One must wait until the end of this two-disc set to get to the red meat of this collection, but the wait is worth it; or, you can just go directly to track 9 on disc 2, and be flabbergasted. For the Liszt alone—and secondarily for the Brahms Sonata, though the sound is poor—I would recommend this set. But if those two works are not of particular interest to you, I’d reserve recommendation mainly for Anda devotees.
klassik.com | Dezember 2008, CD-Neuerscheinungen online | Aron Sayed | 8. Dezember 2008 | Quelle: http://magazin.k... Bartók aus den Fünfzigern
Seit Beginn 2008 erscheint bei Audite die ‚Edition Géza Anda’ mitMehr lesen
Neue Musikzeitung | 12/08 - 57. Jahrgang | Hanspeter Krellmann | 1. Dezember 2008
Von der poetischen Auflösung der Musik
Géza Anda beim WDR Köln: zur neuen Gesamt-Edition bei audite
Er [Geza Anda] verfügte geradezu beneidenswert über die Begabung, Musik jeder Ausrichtung poetisch aufzulösen und ihr auf diese Weise eine nach innen wirkende Sensation zu sichern.Mehr lesen
Neue Musikzeitung | 12/08 - 57. Jahrgang | Hanspeter Krellmann | 1. Dezember 2008
Von der poetischen Auflösung der Musik
Géza Anda beim WDR Köln: zur neuen Gesamt-Edition bei audite
Er [Geza Anda] verfügte geradezu beneidenswert über die Begabung, Musik jeder Ausrichtung poetisch aufzulösen und ihr auf diese Weise eine nach innen wirkende Sensation zu sichern.Mehr lesen
Neue Musikzeitung | 12/08 - 57. Jahrgang | Hanspeter Krellmann | 1. Dezember 2008
Von der poetischen Auflösung der Musik
Géza Anda beim WDR Köln: zur neuen Gesamt-Edition bei audite
Er [Geza Anda] verfügte geradezu beneidenswert über die Begabung, Musik jeder Ausrichtung poetisch aufzulösen und ihr auf diese Weise eine nach innen wirkende Sensation zu sichern.Mehr lesen
American Record Guide | December 2008 | Becker | 1. Dezember 2008
This is the second volume of the Geza Anda Edition (a review of Volume 1 will appear in a forthcoming issue). In all, Audite will issue four volumes,Mehr lesen
Anda left a fairly large recorded legacy. Recorded from 1955 to 1969, the sound is reasonably good to excellent. None is identified as stereo, though the Beethoven concerto from 1969 certainly is. There is no indication of an audience, though it is the only work labeled "live". The analog recording is clear, clean, and well balanced. Anda, conductor and pianist, gives a strong performance and, while the Cologne forces are not those of Berlin, I like the reedy quality of the winds.
Energy and even temperament are the hallmarks of his Beethoven sonata interpretations. He keeps things moving along without sacrificing little niceties along the way. The 1957 recording of his Brahms sonata is pushed to its limit to cope with his forward sound. The Intermezzos, recorded in 1960, present no such problem – the microphone is no longer looking down the throat of the piano. These are enjoyable, but coming on the heels of Marcus Groh's fabulous Op. 117 in this issue, made them less impressive.
Liszt's magnificent sonata, here in just one track, is perhaps the high point of this set. Dating from 1955, just a year after his commercial recording for Columbia, it is an even stronger performance. The sound is distortion free and with plenty of depth. It certainly would have to rank among the best recorded performances of all time.
Neue Musikzeitung | 12/08 - 57. Jahrgang | Hanspeter Krellmann | 1. Dezember 2008
Von der poetischen Auflösung der Musik
Géza Anda beim WDR Köln: zur neuen Gesamt-Edition bei audite
Er [Geza Anda] verfügte geradezu beneidenswert über die Begabung, Musik jeder Ausrichtung poetisch aufzulösen und ihr auf diese Weise eine nach innen wirkende Sensation zu sichern.Mehr lesen
klassik.com | November 2008 | Dr. Daniel Krause | 14. November 2008 | Quelle: http://magazin.k... Vier Mal Meisterschaft
Audite bringt im Verbund mit dem Westdeutschen Rundfunk Géza Andas KölnerMehr lesen
www.ClassicsToday.com | October 2008 | Jed Distler | 31. Oktober 2008
Audite's third of four double-CD sets devoted to Géza Anda's Cologne RadioMehr lesen
Die Presse | 20.10.2008 | Schaufenster | Wilhelm Sinkovicz | 20. Oktober 2008 Mozart erlesen, Bartók kongenial
Als Bartók-Interpret ist er eine Legende, als feinsinniger MozartspielerMehr lesen
Die Presse | 20.10.2008 | Schaufenster | Wilhelm Sinkovicz | 20. Oktober 2008 Mozart erlesen, Bartók kongenial
Als Bartók-Interpret ist er eine Legende, als feinsinniger MozartspielerMehr lesen
Die Presse | 20.10.2008 | Schaufenster | Wilhelm Sinkovicz | 20. Oktober 2008 Mozart erlesen, Bartók kongenial
Als Bartók-Interpret ist er eine Legende, als feinsinniger MozartspielerMehr lesen
Die Presse | 20.10.2008 | Schaufenster | Wilhelm Sinkovicz | 20. Oktober 2008 Mozart erlesen, Bartók kongenial
Als Bartók-Interpret ist er eine Legende, als feinsinniger MozartspielerMehr lesen
Gramophone | October 2008 | 1. Oktober 2008
New slants on familiar interpretations
Karaian's Verdi Requiem and Anda's Bartok Second Piano Concerto
Four days before Furtwängler died in Baden-Baden (on November 30, 1954) his arch-rival Herbert von Karajan was conducting Verdi's Messa da Requiem atMehr lesen
Still, I doubt if Karajan conducted Verdi's Requiem quite as often as Géza Anda played Bartók's Second Piano Concerto, which was more than 300 times. Volume 4 of Audite's unmissable Géza Anda “Edition” includes a light and fiery 1952 Salzburg performance under Fricsay, troubled only occasionally by some quirky balancing. The First Concerto (1957) under Michael Gielen, which is among the most playful versions I've ever heard, is rather better in that respect. The second disc includes a work that I don't recall ever hearing Anda play, the Contrasts, where the earnest violinist is Tibor Varga and the clarinettist the WDR Symphony Orchestra's Paul Blöcher. Here, as in the wonderful Suite, Op 14, Anda's performance combines flexibility – it's almost rhapsodic at times – with an acute feeling for colour and rhythm. Another Anda “first”, at least as far as CD is concerned, is the Sonata for Two Pianos and Percussion where his duet partner is none other than Georg Solti.
Again, tone colouring and nuance are the principle virtues and if the first movement's shifting rhythmic patterns are sometimes less than watertight, a sense of elemental energy more than compensates. The sound quality is fairly good and I would enthusiastically urge all Bartókians to invest without delay. These sorts of releases tend to have rather short shelf lives.
www.ClassicsToday.com | October 2008 | Jed Distler | 1. Oktober 2008
Audite's third of four double-CD sets devoted to Géza Anda's Cologne RadioMehr lesen
Die Presse | 18. September 2008 | Wilhelm Sinkovicz | 18. September 2008
Geza Anda war einer der bedeutenden Pianisten des 20. Jahrhunderts – undMehr lesen
Universitas | September 2008, Nummer 747 | Adelbert Reif | 4. September 2008
Der Dirigent Ferenc Fricsay ist heute eine Legende. Im europäischenMehr lesen
CD Compact | Septiembre 2008 | Verónica Maynés | 1. September 2008 Audite Edition Géza Anda
Si el lector es uno de esos melómanos sibaríticos y exigentes, que estáMehr lesen
Fono Forum | September 2008 | Ingo Harden | 1. September 2008 Von Paderewski bis Gulda
Immer mehr alte Klavieraufzeichnungen auf Schellack, Klavierrollen und Rundfunkbändern finden den Weg in die CD-Kataloge. Eine Revue der wichtigstenMehr lesen
Um mit einer angreifbaren, aber empirisch bewährten Hypothese zu beginnen: Wer mit Lust und Freude Platten sammelt, den wird es früher oder später auch zu „historischen“ Aufzeichnungen ziehen: weil die Beschäftigung mit neuen Aufnahmen über kurz oder lang neugierig macht auf das, was vorher war. Und weil Emil Berliners und Edwin Weites Erfindungen die Möglichkeit eröffnet haben, sich jetzt immerhin schon in die akustische Vergangenheit eines ganzen Jahrhunderts zurückzutasten.
Allerdings muss der Hörer beim Abhören alter Aufnahmen kompensieren können. Denn erstens bewahren besonders die frühen Schellacks wegen ihres begrenzten Klangspektrums und Pegels nur ein farbschwaches Abbild der tönenden Realität. Und zweitens waren die musikalischen Vorstellungen unserer Altvorderen noch stark vom ganzheitlichen Eindruck jeder Aufführung bestimmt. Vom akustischen Erscheinungsbild erwartete man offenbar bis in die 1940er Jahre noch nicht zwingend Perfektion nach heutigen Vorstellungen; frühere Konzertbesucher waren besser darauf eingerichtet, sich Fehlendes und Intendiertes ergänzend aus den optischen Signalen des Interpreten zu erschließen.
[…]
Sonderstatus besitzt dagegen die Berliner Aufnahme des c-Moll-Konzerts mit dem 75-jährigen Wilhelm Kempff: vorhersehbar gänzlich unheroisch, aber immer luzide geistreich und spontan. Und was für ein guter Dirigent war Maazel, als er noch nicht so deutlich zeigte, dass er sich dessen allzu sehr bewusst war!
Die Audite-Musikproduktion Ludger Böckenhoffs, dem diese Erschließung zu danken ist, stellt gleichzeitig eine ausführliche „Edition Géza Anda“ vor, die auf acht CDs Aufnahmen aus dem WDR-Archiv, vorwiegend aus den 1950er Jahren, publik macht. Sie ist wertvoll vor allem durch die Interpretationen der großen Romantiker-Werke, die der Dreißiger Anda fabelhaft „werktreu“ konzentriert und mit hervorragendem (und hervorragend eingefangenem!) Ton spielte. Die Edition ist das überfällige Gegengewicht zur Mozart-Serie der DG, die das gängige Anda-Bild bisher einseitig einfärbte.
Fono Forum | September 2008 | Ingo Harden | 1. September 2008 Von Paderewski bis Gulda
Immer mehr alte Klavieraufzeichnungen auf Schellack, Klavierrollen und Rundfunkbändern finden den Weg in die CD-Kataloge. Eine Revue der wichtigstenMehr lesen
Um mit einer angreifbaren, aber empirisch bewährten Hypothese zu beginnen: Wer mit Lust und Freude Platten sammelt, den wird es früher oder später auch zu „historischen“ Aufzeichnungen ziehen: weil die Beschäftigung mit neuen Aufnahmen über kurz oder lang neugierig macht auf das, was vorher war. Und weil Emil Berliners und Edwin Weites Erfindungen die Möglichkeit eröffnet haben, sich jetzt immerhin schon in die akustische Vergangenheit eines ganzen Jahrhunderts zurückzutasten.
Allerdings muss der Hörer beim Abhören alter Aufnahmen kompensieren können. Denn erstens bewahren besonders die frühen Schellacks wegen ihres begrenzten Klangspektrums und Pegels nur ein farbschwaches Abbild der tönenden Realität. Und zweitens waren die musikalischen Vorstellungen unserer Altvorderen noch stark vom ganzheitlichen Eindruck jeder Aufführung bestimmt. Vom akustischen Erscheinungsbild erwartete man offenbar bis in die 1940er Jahre noch nicht zwingend Perfektion nach heutigen Vorstellungen; frühere Konzertbesucher waren besser darauf eingerichtet, sich Fehlendes und Intendiertes ergänzend aus den optischen Signalen des Interpreten zu erschließen.
[…]
Sonderstatus besitzt dagegen die Berliner Aufnahme des c-Moll-Konzerts mit dem 75-jährigen Wilhelm Kempff: vorhersehbar gänzlich unheroisch, aber immer luzide geistreich und spontan. Und was für ein guter Dirigent war Maazel, als er noch nicht so deutlich zeigte, dass er sich dessen allzu sehr bewusst war!
Die Audite-Musikproduktion Ludger Böckenhoffs, dem diese Erschließung zu danken ist, stellt gleichzeitig eine ausführliche „Edition Géza Anda“ vor, die auf acht CDs Aufnahmen aus dem WDR-Archiv, vorwiegend aus den 1950er Jahren, publik macht. Sie ist wertvoll vor allem durch die Interpretationen der großen Romantiker-Werke, die der Dreißiger Anda fabelhaft „werktreu“ konzentriert und mit hervorragendem (und hervorragend eingefangenem!) Ton spielte. Die Edition ist das überfällige Gegengewicht zur Mozart-Serie der DG, die das gängige Anda-Bild bisher einseitig einfärbte.
Gramophone | September 2008 | Jed Distler | 1. September 2008 Anda retrieved from the archives in mostly strong Mozart performances
The four Mozart concerto performances selected for the first in a multi-volume Géza Anda "DR broadcast retrospective” differ enough from theMehr lesen
I look forward to further volumes.
Fono Forum | September 2008 | Ingo Harden | 1. September 2008 Von Paderewski bis Gulda
Immer mehr alte Klavieraufzeichnungen auf Schellack, Klavierrollen und Rundfunkbändern finden den Weg in die CD-Kataloge. Eine Revue der wichtigstenMehr lesen
Um mit einer angreifbaren, aber empirisch bewährten Hypothese zu beginnen: Wer mit Lust und Freude Platten sammelt, den wird es früher oder später auch zu „historischen“ Aufzeichnungen ziehen: weil die Beschäftigung mit neuen Aufnahmen über kurz oder lang neugierig macht auf das, was vorher war. Und weil Emil Berliners und Edwin Weites Erfindungen die Möglichkeit eröffnet haben, sich jetzt immerhin schon in die akustische Vergangenheit eines ganzen Jahrhunderts zurückzutasten.
Allerdings muss der Hörer beim Abhören alter Aufnahmen kompensieren können. Denn erstens bewahren besonders die frühen Schellacks wegen ihres begrenzten Klangspektrums und Pegels nur ein farbschwaches Abbild der tönenden Realität. Und zweitens waren die musikalischen Vorstellungen unserer Altvorderen noch stark vom ganzheitlichen Eindruck jeder Aufführung bestimmt. Vom akustischen Erscheinungsbild erwartete man offenbar bis in die 1940er Jahre noch nicht zwingend Perfektion nach heutigen Vorstellungen; frühere Konzertbesucher waren besser darauf eingerichtet, sich Fehlendes und Intendiertes ergänzend aus den optischen Signalen des Interpreten zu erschließen.
[…]
Sonderstatus besitzt dagegen die Berliner Aufnahme des c-Moll-Konzerts mit dem 75-jährigen Wilhelm Kempff: vorhersehbar gänzlich unheroisch, aber immer luzide geistreich und spontan. Und was für ein guter Dirigent war Maazel, als er noch nicht so deutlich zeigte, dass er sich dessen allzu sehr bewusst war!
Die Audite-Musikproduktion Ludger Böckenhoffs, dem diese Erschließung zu danken ist, stellt gleichzeitig eine ausführliche „Edition Géza Anda“ vor, die auf acht CDs Aufnahmen aus dem WDR-Archiv, vorwiegend aus den 1950er Jahren, publik macht. Sie ist wertvoll vor allem durch die Interpretationen der großen Romantiker-Werke, die der Dreißiger Anda fabelhaft „werktreu“ konzentriert und mit hervorragendem (und hervorragend eingefangenem!) Ton spielte. Die Edition ist das überfällige Gegengewicht zur Mozart-Serie der DG, die das gängige Anda-Bild bisher einseitig einfärbte.
CD Compact | Septiembre 2008 | Verónica Maynés | 1. September 2008 Audite Edition Géza Anda
Si el lector es uno de esos melómanos sibaríticos y exigentes, que estáMehr lesen
CD Compact | Septiembre 2008 | Verónica Maynés | 1. September 2008 Audite Edition Géza Anda
Si el lector es uno de esos melómanos sibaríticos y exigentes, que estáMehr lesen
Fono Forum | September 2008 | Ingo Harden | 1. September 2008 Von Paderewski bis Gulda
Immer mehr alte Klavieraufzeichnungen auf Schellack, Klavierrollen und Rundfunkbändern finden den Weg in die CD-Kataloge. Eine Revue der wichtigstenMehr lesen
Um mit einer angreifbaren, aber empirisch bewährten Hypothese zu beginnen: Wer mit Lust und Freude Platten sammelt, den wird es früher oder später auch zu „historischen“ Aufzeichnungen ziehen: weil die Beschäftigung mit neuen Aufnahmen über kurz oder lang neugierig macht auf das, was vorher war. Und weil Emil Berliners und Edwin Weites Erfindungen die Möglichkeit eröffnet haben, sich jetzt immerhin schon in die akustische Vergangenheit eines ganzen Jahrhunderts zurückzutasten.
Allerdings muss der Hörer beim Abhören alter Aufnahmen kompensieren können. Denn erstens bewahren besonders die frühen Schellacks wegen ihres begrenzten Klangspektrums und Pegels nur ein farbschwaches Abbild der tönenden Realität. Und zweitens waren die musikalischen Vorstellungen unserer Altvorderen noch stark vom ganzheitlichen Eindruck jeder Aufführung bestimmt. Vom akustischen Erscheinungsbild erwartete man offenbar bis in die 1940er Jahre noch nicht zwingend Perfektion nach heutigen Vorstellungen; frühere Konzertbesucher waren besser darauf eingerichtet, sich Fehlendes und Intendiertes ergänzend aus den optischen Signalen des Interpreten zu erschließen.
[…]
Sonderstatus besitzt dagegen die Berliner Aufnahme des c-Moll-Konzerts mit dem 75-jährigen Wilhelm Kempff: vorhersehbar gänzlich unheroisch, aber immer luzide geistreich und spontan. Und was für ein guter Dirigent war Maazel, als er noch nicht so deutlich zeigte, dass er sich dessen allzu sehr bewusst war!
Die Audite-Musikproduktion Ludger Böckenhoffs, dem diese Erschließung zu danken ist, stellt gleichzeitig eine ausführliche „Edition Géza Anda“ vor, die auf acht CDs Aufnahmen aus dem WDR-Archiv, vorwiegend aus den 1950er Jahren, publik macht. Sie ist wertvoll vor allem durch die Interpretationen der großen Romantiker-Werke, die der Dreißiger Anda fabelhaft „werktreu“ konzentriert und mit hervorragendem (und hervorragend eingefangenem!) Ton spielte. Die Edition ist das überfällige Gegengewicht zur Mozart-Serie der DG, die das gängige Anda-Bild bisher einseitig einfärbte.
BBC Music Magazine | September 2008 | Michael Tanner | 1. September 2008
Listening to Géza Anda, playing such a widely contrasting range of composers (including Mozart in the May issue and Bartók in August), has been aMehr lesen
The Beethoven Concerto, numbered as '1' but second in order of composition, is conducted by Anda, and the orchestra proves highly responsive. This radiant and exhilarating work gets as lively a performance as it deserves, and could easily be a first choice for anyone who isn't addicted to state-of-the-art sound. It's followed by a straightforward rendition of Beethoven's first large-scale piano sonata, which Anda is careful not to over-dramatise; and then he plays the elusive, ground-breaking Op. 101, which, thanks to its seemingly improvisatory character, gets mauled by many pianists. Anda plays it spontaneously, but without searching for effect.
The directness of his playing is one of its most attractive features, and is as rewarding in Chopin and Schumann as in classical repertoire. The extraordinary freshness of both these composers, in their approach to form, signalled by the capricious titles that Schumann often gave his works, and the very general ones which Chopin awarded his, comes across quite marvellously in all these performances. Anda wasn't an exploiter of extremes, so if you want the unbridled fury of the last of Chopin's Op. 28 Preludes go to Argerich; or to Richter to unleash a volcano in the penultimate Etude Op. 25. But listened to as whole sets, Anda offers unfailing insights, gives new life to numbers that can sound tired, and left me purring with satisfaction at such lack of ostentation. Anyone who thinks Romantic music has to be played with flamboyance should listen to the Liszt and Brahms here and will soon develop quite different priorities.
BBC Music Magazine | September 2008 | Michael Tanner | 1. September 2008
Listening to Géza Anda, playing such a widely contrasting range of composers (including Mozart in the May issue and Bartók in August), has been aMehr lesen
The Beethoven Concerto, numbered as '1' but second in order of composition, is conducted by Anda, and the orchestra proves highly responsive. This radiant and exhilarating work gets as lively a performance as it deserves, and could easily be a first choice for anyone who isn't addicted to state-of-the-art sound. It's followed by a straightforward rendition of Beethoven's first large-scale piano sonata, which Anda is careful not to over-dramatise; and then he plays the elusive, ground-breaking Op. 101, which, thanks to its seemingly improvisatory character, gets mauled by many pianists. Anda plays it spontaneously, but without searching for effect.
The directness of his playing is one of its most attractive features, and is as rewarding in Chopin and Schumann as in classical repertoire. The extraordinary freshness of both these composers, in their approach to form, signalled by the capricious titles that Schumann often gave his works, and the very general ones which Chopin awarded his, comes across quite marvellously in all these performances. Anda wasn't an exploiter of extremes, so if you want the unbridled fury of the last of Chopin's Op. 28 Preludes go to Argerich; or to Richter to unleash a volcano in the penultimate Etude Op. 25. But listened to as whole sets, Anda offers unfailing insights, gives new life to numbers that can sound tired, and left me purring with satisfaction at such lack of ostentation. Anyone who thinks Romantic music has to be played with flamboyance should listen to the Liszt and Brahms here and will soon develop quite different priorities.
CD Compact | Septiembre 2008 | Verónica Maynés | 1. September 2008 Audite Edition Géza Anda
Si el lector es uno de esos melómanos sibaríticos y exigentes, que estáMehr lesen
klassik.com | August 2008 | Dr. Daniel Krause | 24. August 2008 | Quelle: http://magazin.k... Vollendung
Géza Anda ist vergessen, an ungarischen Pianisten ersten Ranges herrschtMehr lesen
Audiophile Audition | August 22, 2008 | Gary Lemco | 22. August 2008
The last of the four volumes devoted to Hungarian piano virtuoso Geza AndaMehr lesen
BBC Music Magazine | August 2008 | Michael Tanner | 1. August 2008
In the fairly early days of LP, one of the top recommendations was the three Bartók piano concertos, then considered as virtually contemporary music,Mehr lesen
On the second disc, we have what was long one of Bartók's most popular works, the clarinet part of Contrasts being written for Benny Goodman. The performance here is less evidently popular in manner, but fits in well with the asperities of the Suite for Piano and the Sonata for two Pianos and Percussion, in which Anda's partner is his fellow-countryman Solti whose approach is a good deal more percussive than Anda has previously been in Bartók, though he shows he can adapt as the piece requires. For anyone who wants a conspectus of the composer's writing for the piano, with or without other instruments, this set is ideal.
Gramophone | August 2008 | Bryce Morrison | 1. August 2008 Even if the Beethoven doesn't stand out there's plenty of Anda's artistry here
These recordings dating from 1955-69 and taken from the West German Radio Archives celebrate the artistry of Géza Anda whose tragic death at the ageMehr lesen
True, virtually all the works included here on Vols 2 and 3 are duplicated on Testament's nine-CD reissue of Anda's early EMI Londonbased recordings. But duplication is hardly the issue because although Anda had a clear ground-plan for his interpretations, they could fluctuate with subtle differences dictated by circumstances and the mood of the moment. Nothing is radically different yet side-by-side comparison tells us that Anda was essentially a recreative artist who altered his readings as some new diamond-like facet of a work caught his imagination. True, his Beethoven remains for all its quality more reasonable than revolutionary (though quite without the disfiguring quirks of, say, Gould, Mustonen or Pletnev). Yet if his playing becomes brilliantly alive in the finales of both sonatas, he finds his truest voice in Chopin, Brahms, Liszt and, most of all, Schumann. Here he is every inch the virtuoso who uses his phenomenal agility and ear for sonority and texture to such effect that everything emerges in its first pristine light.
Personal idiosyncrasies abound (why such a rapid spin through the central lento of Chopin's "octave" Etude; why such an uncharacteristically flustered way with the E major Prelude's ceremonial tread?) yet they remain like spots on the sun. Few more scintillating or tightly coiled Liszt Sonatas exist and who but Anda could capture Schumann's schizophrenic moodswings, his play of light and shade, so vividly or acutely? Try the third and ninth etudes from the Etudes symphoniques and you may well wonder when you have heard such light-fingered enchantment. Anda's way with two of the five additional posthumous etudes is so magical that you wish he had played them all. His inclusion, too, of "Sphinxes" in Carnaval (written in order not to be played!) is an amusing addition to his coruscating wit and elegance.
Audite's recordings have come up well and, hopefully, Anda's discs of Beethoven's Third Concerto, Franck's Symphonic Variations (among his own favourites), Chopin's Second Sonata and Ravel's Valses nobles et sentimentales will become more easily available.
Gramophone | August 2008 | Bryce Morrison | 1. August 2008 Even if the Beethoven doesn't stand out there's plenty of Anda's artistry here
These recordings dating from 1955-69 and taken from the West German Radio Archives celebrate the artistry of Géza Anda whose tragic death at the ageMehr lesen
True, virtually all the works included here on Vols 2 and 3 are duplicated on Testament's nine-CD reissue of Anda's early EMI Londonbased recordings. But duplication is hardly the issue because although Anda had a clear ground-plan for his interpretations, they could fluctuate with subtle differences dictated by circumstances and the mood of the moment. Nothing is radically different yet side-by-side comparison tells us that Anda was essentially a recreative artist who altered his readings as some new diamond-like facet of a work caught his imagination. True, his Beethoven remains for all its quality more reasonable than revolutionary (though quite without the disfiguring quirks of, say, Gould, Mustonen or Pletnev). Yet if his playing becomes brilliantly alive in the finales of both sonatas, he finds his truest voice in Chopin, Brahms, Liszt and, most of all, Schumann. Here he is every inch the virtuoso who uses his phenomenal agility and ear for sonority and texture to such effect that everything emerges in its first pristine light.
Personal idiosyncrasies abound (why such a rapid spin through the central lento of Chopin's "octave" Etude; why such an uncharacteristically flustered way with the E major Prelude's ceremonial tread?) yet they remain like spots on the sun. Few more scintillating or tightly coiled Liszt Sonatas exist and who but Anda could capture Schumann's schizophrenic moodswings, his play of light and shade, so vividly or acutely? Try the third and ninth etudes from the Etudes symphoniques and you may well wonder when you have heard such light-fingered enchantment. Anda's way with two of the five additional posthumous etudes is so magical that you wish he had played them all. His inclusion, too, of "Sphinxes" in Carnaval (written in order not to be played!) is an amusing addition to his coruscating wit and elegance.
Audite's recordings have come up well and, hopefully, Anda's discs of Beethoven's Third Concerto, Franck's Symphonic Variations (among his own favourites), Chopin's Second Sonata and Ravel's Valses nobles et sentimentales will become more easily available.
Audiophile Audition | July 15, 2008 | Gary Lemco | 15. Juli 2008
The first volume of the Geza Anda (1921-1976) Edition features his work inMehr lesen
Arte | 8. Juli 2008 | Mathias Heizmann | 8. Juli 2008 Géza Anda
Eine Handvoll CDs, ein CD-Player, ein paar Liter Benzin, und es kannMehr lesen
Arte | 8. Juli 2008 | Mathias Heizmann | 8. Juli 2008 Géza Anda
Eine Handvoll CDs, ein CD-Player, ein paar Liter Benzin, und es kannMehr lesen
Arte | 8. Juli 2008 | Mathias Heizmann | 8. Juli 2008 Géza Anda
Eine Handvoll CDs, ein CD-Player, ein paar Liter Benzin, und es kannMehr lesen
Arte | 8. Juli 2008 | Mathias Heizmann | 8. Juli 2008 Géza Anda
Eine Handvoll CDs, ein CD-Player, ein paar Liter Benzin, und es kannMehr lesen
Audiophile Audition | July 02, 2008 | Gary Lemco | 2. Juli 2008
The third in a series of four 2-CD sets devoted to Hungarian virtuoso GezaMehr lesen
Crescendo Magazine | N° 94 - Été 2008 | Bernard Postiau | 1. Juli 2008 Une édition Geza Anda chez Audite
On ne louera pas assez l'éditeur Audite de consacrer une série de huitMehr lesen
BBC Music Magazine | July 2008 | 1. Juli 2008
Though Mozart’s piano concertos are not by any means the most technically difficult works in the repertoire, and though, too, they may not reach theMehr lesen
On this pair of discs he plays four of Mozart’s finest concertos, and if they don’t rank with the classic performances, that is more because of the conductors than because of Anda. In Concerto No. 22 in E flat, K482, which I sometimes think is my favourite of all, Constantin Silvestri mainly conducts with an insight to match his pianist’s, but there are places in the slow movement and in the sublime andante section in the middle of the last movement where he lapses, and so does the orchestral playing. Joseph Keilberth is more reliable in the famous C major Concerto, K467, and between them he and Anda purge the famous slow movement of any hint of sickliness, so that it emerges as another of Mozart’s finest. Anda looking after the orchestra and playing the piano in the A major Concerto is good, but another pair of hands would have made the performance still better. Enough quibbling: these accounts must be heard. The sound quality varies over the 13-year period of the recordings, but is always quite good, sometimes exceptional.
Scherzo | Julio 2008 | Rafael Ortega Basagoiti | 1. Juli 2008
De Pianistas: Géza Anda
Audite (distribuidor Diverdi) edita una colección en cuatro volúmenes, cada uno con dos discos, dedicada al pianista húngaro Géza Anda.
El volumen 1 (Audite 23.407) contiene obras de Mozart (Conciertos n°sMehr lesen
Fanfare | Issue 31:6 (July/Aug 2008) | James H. North | 1. Juli 2008
Fricsay (1914–1963) struck me as the Dinu Lipatti of conductors: once you heard his performance of a work, there seemed no other possible way toMehr lesen
Despite some drawbacks—a mediocre orchestra and merely adequate monaural sound—these are fine Haydn performances. Fricsay was a superb orchestra builder, raising a new radio orchestra called RIAS (Radio in the American Sector, of divided Berlin) to the near equal of that city’s great Philharmonic. Other postwar radio startups, such as this WDR Symphony Orchestra of Cologne, were less fortunate; as a guest conductor, Fricsay had to make do with what he found. His “Trauer” is dark and serious, as befits Haydn’s minor keys. The opening Allegro con brio is less hectic than Scherchen’s inspired performance, but no less impassioned. The Menuet is pure Fricsay, formal yet graceful, characteristics of most of his performances. The Adagio avoids excess sentiment and shortchanges repeats but seems just right anyway—the old Fricsay magic; and a rapid Presto finale works despite taxing the WDR strings. There are a few old-fashioned touches (this was 1953), notably the pulling back of tempo for final chords in most codas, but this remains one of the finest accounts of the “Trauer,” Fricsay’s dignity a complement to Scherchen’s passion.
The B♭ Symphony has considerable sparkle and plenty of power but is short on humor; this was more a product of the time (1952) than of the conductor, whose Mozart and Bartók could smile beatifically. Also symptomatic of the era is a lack of repeats; Fricsay does not take those in either sonata-form movement. He varies the playing in the Menuet repeats, giving soloists more leeway the second and third times. He does give full value to Haydn’s tenuto marks and rests at a time when conductors seemed embarrassed by delay and silence. Oddly, the tacet measure near the end of the finale (four bars before the moderato) is ignored; perhaps this is an editing error. The coda has the violin solo but no cembalo. Only the edition of the score and the orchestra’s limitations—sloppy string articulation, a tinny (when audible) oboe, and ugly trumpets—keep this from being a competitive recording of the B♭ Symphony.
Warts and all, I’m delighted to have this sample of Fricsay’s Haydn.
Diapason | juillet-août 2008 | Etienne Moreau | 1. Juli 2008
Les archives des studios de la Radio de Cologne et de son orchestre (aujourd'hui WDR Sinfonieorchester Köln) n'ont pas fini de nous livrer leursMehr lesen
Le volume suivant comporte un Concerto n° 1 de Beethoven en public, volontaire et lumineux, et surtout deux sonates qui font regretter que Geza Anda n'ait pas persisté dans la voie du Maître de Bonn, tant le résultat est convaincant par sa clarté et sa finesse. La sonate de Liszt et la Sonate n° 3 de Brahms sont l'occasion de montrer quel grand pianiste il fut, attiré par la lumière des aigus comme dans des Intermezzi d'un Brahms chauffant ses vieux os au soleil, ici magnifiquement et sobrement restitués.
Les Schumann (Vol. III) sonnent juste, comme chaque fois avec Anda, même si on peut leur préférer les enregistrements commerciaux, plus aboutis, publiés chez Deutsche Grammophon quelques années plus tard – Carnaval excepté. Les Préludes de Chopin sont d'un classicisme et les Etudes d'une épure – une seule et même grande arche – qui en disent long sur l'intelligence du style et sur les capacités intellectuelles et instrumentales du personnage.
Le dernier volume, consacré à Bartok, montre Geza Anda dans son élément, qu'il s'agisse des concertos, fins et aériens (particulièrement le deuxième avec Fricsay), ou dans la Suite op. 14 aux harmonies vif-argent, comme improvisée avec ses allures de folklore inventé. La Sonate pour deux pianos et percussions en compagnie de Solti est passionnante tandis que les Contrastes revendiquent leur modernité avec une clairvoyance qui achève de convaincre, s'il était besoin, de l'immensité du talent d'un artiste disparu bien trop tôt.
Diapason | juillet-août 2008 | Etienne Moreau | 1. Juli 2008
Les archives des studios de la Radio de Cologne et de son orchestre (aujourd'hui WDR Sinfonieorchester Köln) n'ont pas fini de nous livrer leursMehr lesen
Le volume suivant comporte un Concerto n° 1 de Beethoven en public, volontaire et lumineux, et surtout deux sonates qui font regretter que Geza Anda n'ait pas persisté dans la voie du Maître de Bonn, tant le résultat est convaincant par sa clarté et sa finesse. La sonate de Liszt et la Sonate n° 3 de Brahms sont l'occasion de montrer quel grand pianiste il fut, attiré par la lumière des aigus comme dans des Intermezzi d'un Brahms chauffant ses vieux os au soleil, ici magnifiquement et sobrement restitués.
Les Schumann (Vol. III) sonnent juste, comme chaque fois avec Anda, même si on peut leur préférer les enregistrements commerciaux, plus aboutis, publiés chez Deutsche Grammophon quelques années plus tard – Carnaval excepté. Les Préludes de Chopin sont d'un classicisme et les Etudes d'une épure – une seule et même grande arche – qui en disent long sur l'intelligence du style et sur les capacités intellectuelles et instrumentales du personnage.
Le dernier volume, consacré à Bartok, montre Geza Anda dans son élément, qu'il s'agisse des concertos, fins et aériens (particulièrement le deuxième avec Fricsay), ou dans la Suite op. 14 aux harmonies vif-argent, comme improvisée avec ses allures de folklore inventé. La Sonate pour deux pianos et percussions en compagnie de Solti est passionnante tandis que les Contrastes revendiquent leur modernité avec une clairvoyance qui achève de convaincre, s'il était besoin, de l'immensité du talent d'un artiste disparu bien trop tôt.
Diapason | juillet-août 2008 | Etienne Moreau | 1. Juli 2008
Les archives des studios de la Radio de Cologne et de son orchestre (aujourd'hui WDR Sinfonieorchester Köln) n'ont pas fini de nous livrer leursMehr lesen
Le volume suivant comporte un Concerto n° 1 de Beethoven en public, volontaire et lumineux, et surtout deux sonates qui font regretter que Geza Anda n'ait pas persisté dans la voie du Maître de Bonn, tant le résultat est convaincant par sa clarté et sa finesse. La sonate de Liszt et la Sonate n° 3 de Brahms sont l'occasion de montrer quel grand pianiste il fut, attiré par la lumière des aigus comme dans des Intermezzi d'un Brahms chauffant ses vieux os au soleil, ici magnifiquement et sobrement restitués.
Les Schumann (Vol. III) sonnent juste, comme chaque fois avec Anda, même si on peut leur préférer les enregistrements commerciaux, plus aboutis, publiés chez Deutsche Grammophon quelques années plus tard – Carnaval excepté. Les Préludes de Chopin sont d'un classicisme et les Etudes d'une épure – une seule et même grande arche – qui en disent long sur l'intelligence du style et sur les capacités intellectuelles et instrumentales du personnage.
Le dernier volume, consacré à Bartok, montre Geza Anda dans son élément, qu'il s'agisse des concertos, fins et aériens (particulièrement le deuxième avec Fricsay), ou dans la Suite op. 14 aux harmonies vif-argent, comme improvisée avec ses allures de folklore inventé. La Sonate pour deux pianos et percussions en compagnie de Solti est passionnante tandis que les Contrastes revendiquent leur modernité avec une clairvoyance qui achève de convaincre, s'il était besoin, de l'immensité du talent d'un artiste disparu bien trop tôt.
Diapason | juillet-août 2008 | Etienne Moreau | 1. Juli 2008
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Le volume suivant comporte un Concerto n° 1 de Beethoven en public, volontaire et lumineux, et surtout deux sonates qui font regretter que Geza Anda n'ait pas persisté dans la voie du Maître de Bonn, tant le résultat est convaincant par sa clarté et sa finesse. La sonate de Liszt et la Sonate n° 3 de Brahms sont l'occasion de montrer quel grand pianiste il fut, attiré par la lumière des aigus comme dans des Intermezzi d'un Brahms chauffant ses vieux os au soleil, ici magnifiquement et sobrement restitués.
Les Schumann (Vol. III) sonnent juste, comme chaque fois avec Anda, même si on peut leur préférer les enregistrements commerciaux, plus aboutis, publiés chez Deutsche Grammophon quelques années plus tard – Carnaval excepté. Les Préludes de Chopin sont d'un classicisme et les Etudes d'une épure – une seule et même grande arche – qui en disent long sur l'intelligence du style et sur les capacités intellectuelles et instrumentales du personnage.
Le dernier volume, consacré à Bartok, montre Geza Anda dans son élément, qu'il s'agisse des concertos, fins et aériens (particulièrement le deuxième avec Fricsay), ou dans la Suite op. 14 aux harmonies vif-argent, comme improvisée avec ses allures de folklore inventé. La Sonate pour deux pianos et percussions en compagnie de Solti est passionnante tandis que les Contrastes revendiquent leur modernité avec une clairvoyance qui achève de convaincre, s'il était besoin, de l'immensité du talent d'un artiste disparu bien trop tôt.
Scherzo | Julio 2008 | Rafael Ortega Basagoiti | 1. Juli 2008
De Pianistas: Géza Anda
Audite (distribuidor Diverdi) edita una colección en cuatro volúmenes, cada uno con dos discos, dedicada al pianista húngaro Géza Anda.
El volumen 1 (Audite 23.407) contiene obras de Mozart (Conciertos n°sMehr lesen
Crescendo Magazine | N° 94 - Été 2008 | Bernard Postiau | 1. Juli 2008 Une édition Geza Anda chez Audite
On ne louera pas assez l'éditeur Audite de consacrer une série de huitMehr lesen
Crescendo Magazine | N° 94 - Été 2008 | Bernard Postiau | 1. Juli 2008 Une édition Geza Anda chez Audite
On ne louera pas assez l'éditeur Audite de consacrer une série de huitMehr lesen
Scherzo | Julio 2008 | Rafael Ortega Basagoiti | 1. Juli 2008
De Pianistas: Géza Anda
Audite (distribuidor Diverdi) edita una colección en cuatro volúmenes, cada uno con dos discos, dedicada al pianista húngaro Géza Anda.
El volumen 1 (Audite 23.407) contiene obras de Mozart (Conciertos n°sMehr lesen
Scherzo | Julio 2008 | Rafael Ortega Basagoiti | 1. Juli 2008
De Pianistas: Géza Anda
Audite (distribuidor Diverdi) edita una colección en cuatro volúmenes, cada uno con dos discos, dedicada al pianista húngaro Géza Anda.
El volumen 1 (Audite 23.407) contiene obras de Mozart (Conciertos n°sMehr lesen
Crescendo Magazine | N° 94 - Été 2008 | Bernard Postiau | 1. Juli 2008 Une édition Geza Anda chez Audite
On ne louera pas assez l'éditeur Audite de consacrer une série de huitMehr lesen
SWR | Treffpunkt Klassik, 17. Juni 2008 | Lydia Jeschke | 17. Juni 2008
Heute mit Lydia Jeschke am Mikrofon und mit neuen Produktionen klassischerMehr lesen
Audiophile Audition | June 2008 | Gary Lemco | 16. Juni 2008
The second of a four-volume collection from WDR archives celebrating “theMehr lesen
Mitteldeutscher Rundfunk | MDR Figaro, „Figaro am Vormittag“, 11.6.08 | Dieter Kranz | 11. Juni 2008 „Altes ganz neu“ – Fischer-Dieskaus frühe Rundfunkaufnahmen auf CD
Das Label audite bietet als Erstveröffentlichung alte Rundfunkaufnahmen,Mehr lesen
Pizzicato | Juni 2008 | Alain Steffen | 1. Juni 2008 Unschätzbare Anda-Sammlung
Da es nicht sonderlich viele Aufnahmen des genialen ungarischen Pianisten Géza Anda gibt, besitzt diese Hommage für den Sammler einen unschätzbarenMehr lesen
Auch bei Chopin findet der Pianist die musikalische Wahrheit hinter der Virtuosität und beweist, dass die 24 Préludes bzw. die 12 Etudes des polnischen Meisters alles andere als Salonstücke sind. Diskutabler dagegen scheint mir Andas Annäherung an Schumann. Anstelle von Fantasie setzt Anda größtmöglichen Ernst, was allerdings Stücke wie Kreisleriana, Symphonische Etuden oder Carnaval nicht immer ins optimale Licht rückt. Somit bleiben die Schumann-Werke in der Aussage etwas akademisch, wenn Anda spieltechnisch auch hier wieder eine Meisterleistung bietet.
Die vierte Doppel-CD ist Werken von Bela Bartok gewidmet und ist die vielleicht aufregendste Publikation der Serie. Anda spielt hier die beiden Klavierkonzerte, Nr. 1 unter der Leitung von Michael Gielen, Nr. 2 unter Ferenc Fricsay, mit dem er ja einige Jahre später alle drei Konzerte für Deutsche Grammophon aufgenommen hat. Andas frische und direkte Annäherung dieser früheren Aufnahmen zeigt den Pianisten weniger auf der Suche nach Wahrheiten als in der Auseinandersetzung mit Klang und Struktur. Somit wirken beide Konzerte zugänglicher, zumal sowohl der junge Gielen wie auch Fricsay mit der gleichen Stringenz vorgehen wie der Solist. Georg Solti ist Andas Partner in der Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug, ein rares historisches Dokument und darüber hinaus in einer dynamischen und vollblutigen Interpretation. Sehr schön auch die Klaviersuite op. 14, die Anda als einen genuinen Bartok-Interpreten ausweist, sowie die weniger bekannten 'Kontraste für Klarinette, Violine und Klavier' mit u.a. dem hervorragenden Tibor Varga.
Pizzicato | Juni 2008 | Alain Steffen | 1. Juni 2008 Unschätzbare Anda-Sammlung
Da es nicht sonderlich viele Aufnahmen des genialen ungarischen Pianisten Géza Anda gibt, besitzt diese Hommage für den Sammler einen unschätzbarenMehr lesen
Auch bei Chopin findet der Pianist die musikalische Wahrheit hinter der Virtuosität und beweist, dass die 24 Préludes bzw. die 12 Etudes des polnischen Meisters alles andere als Salonstücke sind. Diskutabler dagegen scheint mir Andas Annäherung an Schumann. Anstelle von Fantasie setzt Anda größtmöglichen Ernst, was allerdings Stücke wie Kreisleriana, Symphonische Etuden oder Carnaval nicht immer ins optimale Licht rückt. Somit bleiben die Schumann-Werke in der Aussage etwas akademisch, wenn Anda spieltechnisch auch hier wieder eine Meisterleistung bietet.
Die vierte Doppel-CD ist Werken von Bela Bartok gewidmet und ist die vielleicht aufregendste Publikation der Serie. Anda spielt hier die beiden Klavierkonzerte, Nr. 1 unter der Leitung von Michael Gielen, Nr. 2 unter Ferenc Fricsay, mit dem er ja einige Jahre später alle drei Konzerte für Deutsche Grammophon aufgenommen hat. Andas frische und direkte Annäherung dieser früheren Aufnahmen zeigt den Pianisten weniger auf der Suche nach Wahrheiten als in der Auseinandersetzung mit Klang und Struktur. Somit wirken beide Konzerte zugänglicher, zumal sowohl der junge Gielen wie auch Fricsay mit der gleichen Stringenz vorgehen wie der Solist. Georg Solti ist Andas Partner in der Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug, ein rares historisches Dokument und darüber hinaus in einer dynamischen und vollblutigen Interpretation. Sehr schön auch die Klaviersuite op. 14, die Anda als einen genuinen Bartok-Interpreten ausweist, sowie die weniger bekannten 'Kontraste für Klarinette, Violine und Klavier' mit u.a. dem hervorragenden Tibor Varga.
Musica | musica 197, giugno 2008 | Riccardo Risaliti | 1. Juni 2008
Il tempo che passa inesorabile livella e oscura, indebolendo i ricordi. ChiMehr lesen
Musica | musica 197, giugno 2008 | Riccardo Risaliti | 1. Juni 2008
Il tempo che passa inesorabile livella e oscura, indebolendo i ricordi. ChiMehr lesen
Musica | musica 197, giugno 2008 | Riccardo Risaliti | 1. Juni 2008
Il tempo che passa inesorabile livella e oscura, indebolendo i ricordi. ChiMehr lesen
Musica | musica 197, giugno 2008 | Riccardo Risaliti | 1. Juni 2008
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Classica-Répertoire | juin 2008 | Jacques Bonnaure | 1. Juni 2008
Ce que l'on entend dans le volume II de la série WDR consacrée à GézaMehr lesen
Classica-Répertoire | juin 2008 | Jacques Bonnaure | 1. Juni 2008
Le volume III reprend des concerts radiodiffusés des années 1954-1960.Mehr lesen
Pizzicato | Juni 2008 | Alain Steffen | 1. Juni 2008 Unschätzbare Anda-Sammlung
Da es nicht sonderlich viele Aufnahmen des genialen ungarischen Pianisten Géza Anda gibt, besitzt diese Hommage für den Sammler einen unschätzbarenMehr lesen
Auch bei Chopin findet der Pianist die musikalische Wahrheit hinter der Virtuosität und beweist, dass die 24 Préludes bzw. die 12 Etudes des polnischen Meisters alles andere als Salonstücke sind. Diskutabler dagegen scheint mir Andas Annäherung an Schumann. Anstelle von Fantasie setzt Anda größtmöglichen Ernst, was allerdings Stücke wie Kreisleriana, Symphonische Etuden oder Carnaval nicht immer ins optimale Licht rückt. Somit bleiben die Schumann-Werke in der Aussage etwas akademisch, wenn Anda spieltechnisch auch hier wieder eine Meisterleistung bietet.
Die vierte Doppel-CD ist Werken von Bela Bartok gewidmet und ist die vielleicht aufregendste Publikation der Serie. Anda spielt hier die beiden Klavierkonzerte, Nr. 1 unter der Leitung von Michael Gielen, Nr. 2 unter Ferenc Fricsay, mit dem er ja einige Jahre später alle drei Konzerte für Deutsche Grammophon aufgenommen hat. Andas frische und direkte Annäherung dieser früheren Aufnahmen zeigt den Pianisten weniger auf der Suche nach Wahrheiten als in der Auseinandersetzung mit Klang und Struktur. Somit wirken beide Konzerte zugänglicher, zumal sowohl der junge Gielen wie auch Fricsay mit der gleichen Stringenz vorgehen wie der Solist. Georg Solti ist Andas Partner in der Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug, ein rares historisches Dokument und darüber hinaus in einer dynamischen und vollblutigen Interpretation. Sehr schön auch die Klaviersuite op. 14, die Anda als einen genuinen Bartok-Interpreten ausweist, sowie die weniger bekannten 'Kontraste für Klarinette, Violine und Klavier' mit u.a. dem hervorragenden Tibor Varga.
Pizzicato | Juni 2008 | Alain Steffen | 1. Juni 2008 Unschätzbare Anda-Sammlung
Da es nicht sonderlich viele Aufnahmen des genialen ungarischen Pianisten Géza Anda gibt, besitzt diese Hommage für den Sammler einen unschätzbarenMehr lesen
Auch bei Chopin findet der Pianist die musikalische Wahrheit hinter der Virtuosität und beweist, dass die 24 Préludes bzw. die 12 Etudes des polnischen Meisters alles andere als Salonstücke sind. Diskutabler dagegen scheint mir Andas Annäherung an Schumann. Anstelle von Fantasie setzt Anda größtmöglichen Ernst, was allerdings Stücke wie Kreisleriana, Symphonische Etuden oder Carnaval nicht immer ins optimale Licht rückt. Somit bleiben die Schumann-Werke in der Aussage etwas akademisch, wenn Anda spieltechnisch auch hier wieder eine Meisterleistung bietet.
Die vierte Doppel-CD ist Werken von Bela Bartok gewidmet und ist die vielleicht aufregendste Publikation der Serie. Anda spielt hier die beiden Klavierkonzerte, Nr. 1 unter der Leitung von Michael Gielen, Nr. 2 unter Ferenc Fricsay, mit dem er ja einige Jahre später alle drei Konzerte für Deutsche Grammophon aufgenommen hat. Andas frische und direkte Annäherung dieser früheren Aufnahmen zeigt den Pianisten weniger auf der Suche nach Wahrheiten als in der Auseinandersetzung mit Klang und Struktur. Somit wirken beide Konzerte zugänglicher, zumal sowohl der junge Gielen wie auch Fricsay mit der gleichen Stringenz vorgehen wie der Solist. Georg Solti ist Andas Partner in der Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug, ein rares historisches Dokument und darüber hinaus in einer dynamischen und vollblutigen Interpretation. Sehr schön auch die Klaviersuite op. 14, die Anda als einen genuinen Bartok-Interpreten ausweist, sowie die weniger bekannten 'Kontraste für Klarinette, Violine und Klavier' mit u.a. dem hervorragenden Tibor Varga.
www.classicstodayfrance.com | Juin 2008 | Christophe Huss | 1. Juni 2008
Ce volume 2 de l'édition Géza Anda nous donne l'occasion de nous rappelerMehr lesen
Schwäbische Zeitung | Nr. 117/2008 | man | 21. Mai 2008 Geza-Anda-Edition aus WDR-Archiv
CDs mit Geza Anda sind Raritäten. Mit der neuesten, 3. Folge seinerMehr lesen
www.classicstodayfrance.com | Mai 2008 | Christophe Huss | 17. Mai 2008
Les enregistrements s'échelonnent ici de 1956 (n° 21) à 1969 (n° 20),Mehr lesen
www.classicstodayfrance.com | Mai 2008 | Christophe Huss | 17. Mai 2008
Pour ceux qui ne connaissent pas le pianiste hongrois Géza AndaMehr lesen
www.critic-service.de | 35 | Christian Ekowski | 7. Mai 2008
Die Dokumentation mit Einspielungen des Pianisten Géza Anda war notwendig.Mehr lesen
www.critic-service.de | 35 | Christian Ekowski | 7. Mai 2008
Die Dokumentation mit Einspielungen des Pianisten Géza Anda war notwendig.Mehr lesen
www.critic-service.de | 35 | Christian Ekowski | 7. Mai 2008
Die Dokumentation mit Einspielungen des Pianisten Géza Anda war notwendig.Mehr lesen
www.critic-service.de | 35 | Christian Ekowski | 7. Mai 2008
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Piano News | 3/2008 - Mai/Juni | Carsten Dürer | 1. Mai 2008
Gleich zwei Reihen von CDs mit Aufnahmen des legendären ungarischenMehr lesen
Piano News | 3/2008 - Mai/Juni | Carsten Dürer | 1. Mai 2008
Gleich zwei Reihen von CDs mit Aufnahmen des legendären ungarischenMehr lesen
Piano News | 3/2008 - Mai/Juni | Carsten Dürer | 1. Mai 2008
Gleich zwei Reihen von CDs mit Aufnahmen des legendären ungarischenMehr lesen
Piano News | 3/2008 - Mai/Juni | Carsten Dürer | 1. Mai 2008
Gleich zwei Reihen von CDs mit Aufnahmen des legendären ungarischenMehr lesen
NDR Kultur | CD-Neuheiten | 20.04.2008 19:20 Uhr | Philipp Cavert | 20. April 2008 Geza Anda: magisch und ruhig
Wie im vorangegangenen Beispiel Piotr Anderszewski, ist auch Geza Anda hier dirigierender Klaviersolist. Er spielt mit magischer Gelassenheit und eineMehr lesen
RBB Kulturradio | Klassik-Diskothek, Freitag, 4. April 2008, 20.04 – 22.00 Uhr | Karl-Dietrich Gräwe & Michael Stegemann | 4. April 2008
Die erste Folge einer Edition mit den WDR-Aufnahmen des großen ungarischen Pianisten, hier von 1956 bis 1969: Technisch exzellent aufbereitet, und imMehr lesen
hifi & records | 2/2008 | Stefan Gawlick | 1. April 2008
Pianistische Hausapotheke
Lust auf Klaviermusik? Diese Aufnahmen lohnen sich allemal
Nein, das Wort der »Referenzaufnahme« will ich hier nicht bemühen,Mehr lesen
Scherzo | Abril 2008 | Maribel Carracedo | 1. April 2008
Fricsay comenzó a dirigir la Orquesta Sinfónica de la Radio de ColoniaMehr lesen
www.concertonet.com | Mars 2008 | Sébastien Foucart | 21. März 2008
Audite inaugure une série d’enregistrements du pianiste hongroisMehr lesen
Diapason | Mars 2008 | Christian Merlin | 1. März 2008
Quitte à avoir des extraits de Carmen en allemand par Fricsay, on aurait préféré voir réédités ceux de 1959 avec l'ébouriffante OraliaMehr lesen
Les Symphonies nos 44 et 98 de Haydn figuraient déjà dans la discographie officielle de Fricsay chez DG, avec le RIAS : considérant que l'orchestre de la Radio de Cologne est moins bon, et que Fricsay m'a toujours paru meilleur mozartien que haydnien, ce volume n'est pas prioritaire. Il n'empêche que le finale de la Symphonie « Tragique » ne manque pas d'allure...
Diverdi Magazin | N° 168 / marzo 2008 | Joaquín Martín Sagarmínaga | 1. März 2008
Dietrich Fischer-Dieskau
Doctor, oigo voces (retratos vocals)
Dietrich Fischer-Dieskau tenía en su pasaporte artístico una doble nacionalidad: ópera y lied. Del lied fue el gran monopolista de su tiempo,Mehr lesen
Conocida era su predilección por Schubert, por Mahler, por Wolf. Son, pues, ejemplares sus ciclos Viaje invernal o La bella molinera, divididos mejor que con nadie al cincuenta por ciento con el pianista inglés Gerald Moore. Dieskau homenajeó al propio Moore a través, entre otras cosas, de una afelpada Nachtviolen que está entre lo más luminoso que alumbrara, como entre lo más oscuro se sitúa Um Mitternacht de Mahler, angustiosa deriva de un alma en pena en su noche de vela. Mahler admiraba a Wolf literalmente como autor de canciones perfectas. Dieskau abarcó veintenas de ellas, pero sobresalía en algunos Mörike: en las líneas largas y contritas de El enfermo curado en la esperanza; en la duplicación del averno que es Der Feuerreiter; en la furiosa arremetida contra las posaderas de un crítico, plena de un humor bizco, que es Despedida.
La ópera fue para él un ramal trenzado en los más variados intereses (en cristiano: que metió la nariz en todo). Con ella ganseó un poco en La flauta mágica de DG, pero a su vez, como Sprecher con otra multinacional, nos hizo pensar serenamente en Bach por su maestría en el recitativo. En Tannhäuser lograba la mejor versión posible de La cancíon de la estrella mediante la argucia de frasearla como si fuera un lied, si bien afrontar Parsifal con voz tan lírica y mordiente poco incisivo – con unos Erbarmen! de tallas tan pequeñas – hubiera precisado de argucias similares. En Verdi traía a primer término una voz sobremanera clara, así como un centro algo escaso y falto de slancio, que él sabía compensar con su dicción pura y un muy elaborado fraseo, principios activadores que permitieron buenas muestras de sangre verdiana en Rigoletto o Don Carlo. Con todo ello reunió su inabarcable legado dieskaugráfico.
En el Konzerthaus de Viena le vi una vez fulminar con los ojos a una pareja por abandonar la sala en mitad de su concierto monográfico sobre Hans Eisler. La pareja no sufrió, pues marchaba ya de espaldas al cantante. Se fueron tranquilos a su casa sin saber que Dieskau los reconocería en cualquier parte y volvería a clavarles esa misma mirada fría, esta vez de frente, por haber profanado aquella gran música del intelecto. Así era este inmenso artista. No es más que una anécdota, pero ilustra la feroz exigencia del barítono de los sonidos aflautados y la línea de canto sin parangón.
Diverdi Magazin | N° 168 / marzo 2008 | Pablo-L. Rodríguez | 1. März 2008
El camaleón del piano
Audite lanza una impresionante colección In dedicada al eximio pianista húngaro-suizo Géza Anda
Géza Anda (1921-1976) llegó a hacer planes para dirigir una Tosca de Puccini poco antes de su muerte. ¿Sorprendente? Pues no, porque Anda, ademásMehr lesen
En realidad, existe tan sólo una monografía sobre este gran pianista suizo de origen húngaro que fue publicada por Hans-Christian Schmidt en 1991 bajo el curioso y objetivo título de Geza Anda: Sechzehntel Sind Auch Musik! Dokumente Seines Lebens (Zúrich: Artemis & Winkler). Se trata de una recopilación de comentarios y documentos encaminada a profundizar en la filosofía interpretativa de Anda que nació bajo el auspicio del concurso pianístico trienal que lleva su nombre en la capital suiza. En ella encontramos muchas claves para entender el arte de Anda (o "su espíritu", como lo denomina Schmidt) que parten de la idea de que su concepción de la música iba más allá de los problemas técnicos de su instrumento o de las limitaciones de un repertorio concreto. De hecho, el fin último de su interpretación pretende alcanzar el nivel dialéctico para presentar un texto objetivo por medios subjetivos, y ello es lo que le permite alcanzar un perfecto dualismo (imposible para otros pianistas) entre la pasión y robustez propias de Florestán y el intimismo lírico de Eusebius en sus interpretaciones de Schumann o le ayuda a encontrar la claridad necesaria para Mozart como resultado de un acercamiento muy profundo e intelectual a este compositor, o incluso lograr el equilibrio necesario en Bartók al atender no sólo a lo escrito en sus partituras como compositor sino también a las particularidades de él como pianista.
Y es que para Anda tocar el piano era una forma de intelectualidad y de reflexión filosófica. A diferencia de otros pianistas, él no fue un niño prodigio y quizá ello le permitió concentrarse más en el enriquecimiento de su personalidad artística que en el mero fortalecimiento de sus dedos. En esto último encontraría apoyo tanto en su maestro, Ernö von Dohnanyi, como también en varios colegas mayores como Clara Haskil, Alfred Cortot o Edwin Fischer, o incluso también en el filósofo Pierre Souvchinsky. Desde luego, la principal faceta de su arte reside en la capacidad innata que alcanzó Anda para adaptar su interpretación al estilo de cada compositor, pues prácticamente nunca uno encuentra en un mismo pianista acercamientos tan válidos y profundos a compositores y estilos tan diversos.
Ciertamente, la discografía de Géza Anda ha aumentado bastante en los últimos años. Lanzamientos de Testament, Hunt, Orfeo, BBC Music, Tahra, Idis, Col legno, Archipel o Golden Melodram han engrosado la lista de sus registros fonográficos a partir de archivos radiofónicos, que se suman a sus registros oficiales para EMI, DGG y RCA disponibles hoy en su gran mayoría. Sin embargo, muy pocos sellos han reparado en lo conservado de Anda en las corporaciones radiofónicas de la antigua República Federal alemana (la NDR, WDR, SWR, SR, BR, HR y la RIAS berlinesa) o, por lo menos, desde la frustrada edición en LP dedicada a este pianista por Ariola-Eurodisc en los setenta. Audite nos redescubre la figura de Géza Anda centrándose tan sólo en uno de estos archivos, el de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia (WDR), y publicando en cuatro entregas de dos discos un total de veintidós obras concertantes, solistas y camerísticas de Mozart, Beethoven, Brahms, Liszt, Schumann, Chopin y Bartók en su mayoría muy representativas del arte de Anda. Todos son registros inéditos en CD, realizados entre 1952 y 1969, cuya calidad va de lo aceptable a lo excelente, debido al buen estado de las cintas conservadas, a los nombres de los responsables técnicos de las mismas (en especial a Hans-Georg Daehn y a Heinz Oepen) y también a la labor de remasterización de Stephan Schmidt.
El primer volumen se dedica a Mozarr y en él encontramos cuatro conciertos muy característicos del repertorio de Anda junto a la rareza de una sinfonía interpretada bajo su dirección. En el Concierto n° 23 y la Sinfonía n° 28, Anda dirige a la Camerata Academica de Salzburgo, una formación con la que dio el salto de tocar dirigiendo en 1960, consiguiendo materializar con ellos su Mozart elegante, cantable y encantador (aderezado aquí con cadencias propias) y con la que grabó la pionera integral concertante para piano del salzburgués en los sesenta para DGG (siguiendo el ejemplo y la influencia de Edwin Fischer). No obstante, además de sus interpretaciones dirigiendo (se incluye además otra del Concierto n° 20 con la orquesta de la radio) sus colaboraciones con otros directores también fueron fructíferas, como queda patente en el mágico Andante del Concierto n° 21 dirigido por un inspiradísimo Joseph Keilberth en 1956.
El segundo volumen se consagra a Beethoven, Brahms y Liszt. Para empezar, Anda no fue un pianista especialmente beethoveniano, pues tan sólo tocó y grabó cinco sonatas y cuatro de sus conciertos (además de las Variaciones Diabelli y el Triple Concierto), aunque ello no quiere decir que su Beethoven sea menos interesante. Sin duda, entre lo más destacado de este volumen se encuentra su vienesa interpretación de su Primer concierto pianístico, tocando y dirígiendo en 1969, junto a una de las versiones más concentradas, bellas y misteriosas del Largo e mesto de Sonata n° 7, registrada en 1955. Las grabaciones intimistas de Brahms se suman a las realizadas en los cincuenta para EMI (Testament) y la gran sorpresa la encontramos en la Sonata de Liszt de 1955, que deja a un lado su registro del año anterior (Testament) y ahonda en lo narrativo, exquisito y dramático de esta música.
El tercer volumen incluye Otras dos especialidades de Anda: Schumann y Chopin. Sus versiones del primero son hoy todavía muy admiradas, especialmente por lo que tienen de mixtura entre la austeridad y objetividad clásica y la sensación de fluir continuo, de libertad, en una palabra. Al mismo tiempo, en sus interpretaciones destaca un transfondo muy polifónico y contrapuntístico, que supone llegar a Schumann y a Chopin desde Bach. En cierto modo, si en la idea de tocar y dirigir Mozart hay una clara influencia de Fischer, aquí encontramos la huella de Cortot (en todos ellos estaría también la de Haskil). Ninguna de las versiones de la Kreisleriana, los Estudios sinfónicos o el Carnaval, o de los Estudios y Preludios de Chopin, tienen nada que envidiar a sus famosos registros de los cincuenta (Testament) o los sesenta (DGG), y aquí Anda es el verdadero paradigma de un artista universal que "da cuenta de la música por sí misma", como dijo de él el filósofo Gabriel Marcel.
Finalmente, el cuarto volumen se dedica al compositor donde las interpretaciones de Anda siguen siendo más influyentes: Bela Bartók. Hoy nadie duda de que Géza Anda fue quien introdujo en el repertorio los tres conciertos pianísticos de Bartók, que tocó cientos de veces (incluso los tres en la misma velada como atestigua el impresionante concierto muniqués de 1957 publicado por Col legno) y grabó brillantemente junto a Ferenc Fricsay entre 1960 y 1961 (DGG). Pues bien, en este disco Audite publica el primer encuentro entre ambos artistas, que tuvo lugar en Salzburgo en 1952 y que se saldó con la versión más rapsódica, fresca y neoclásica del Concierto n° 2 del compositor húngaro (en los archivos de la WDR hay otro registro posterior de ambos). El resto no desmerece lo histórico de este registro, especialmente al incluir dos sorprendentes tomas camerísticos de Anda de Contrastes y de la Sonata para dos pianos y percursión realizados en 1953 en colaboración con viejos compañeros de estudios y amigos de su Hungría natal como Tibor Varga y Georg Solti. Y es que, según parece, hasta 1976 – el año de su muerte – Anda no descubrió su vocación tardía por la música de cámara, tocando en Innsbruck el Quinteto "La Trucha" de Schubert. Si a esto sumamos sus proyectos como director de orquesta está claro que su prematura muerte nos privó de Anda para rato.
Diverdi Magazin | N° 168 / marzo 2008 | Pablo-L. Rodríguez | 1. März 2008
El camaleón del piano
Audite lanza una impresionante colección In dedicada al eximio pianista húngaro-suizo Géza Anda
Géza Anda (1921-1976) llegó a hacer planes para dirigir una Tosca de Puccini poco antes de su muerte. ¿Sorprendente? Pues no, porque Anda, ademásMehr lesen
En realidad, existe tan sólo una monografía sobre este gran pianista suizo de origen húngaro que fue publicada por Hans-Christian Schmidt en 1991 bajo el curioso y objetivo título de Geza Anda: Sechzehntel Sind Auch Musik! Dokumente Seines Lebens (Zúrich: Artemis & Winkler). Se trata de una recopilación de comentarios y documentos encaminada a profundizar en la filosofía interpretativa de Anda que nació bajo el auspicio del concurso pianístico trienal que lleva su nombre en la capital suiza. En ella encontramos muchas claves para entender el arte de Anda (o "su espíritu", como lo denomina Schmidt) que parten de la idea de que su concepción de la música iba más allá de los problemas técnicos de su instrumento o de las limitaciones de un repertorio concreto. De hecho, el fin último de su interpretación pretende alcanzar el nivel dialéctico para presentar un texto objetivo por medios subjetivos, y ello es lo que le permite alcanzar un perfecto dualismo (imposible para otros pianistas) entre la pasión y robustez propias de Florestán y el intimismo lírico de Eusebius en sus interpretaciones de Schumann o le ayuda a encontrar la claridad necesaria para Mozart como resultado de un acercamiento muy profundo e intelectual a este compositor, o incluso lograr el equilibrio necesario en Bartók al atender no sólo a lo escrito en sus partituras como compositor sino también a las particularidades de él como pianista.
Y es que para Anda tocar el piano era una forma de intelectualidad y de reflexión filosófica. A diferencia de otros pianistas, él no fue un niño prodigio y quizá ello le permitió concentrarse más en el enriquecimiento de su personalidad artística que en el mero fortalecimiento de sus dedos. En esto último encontraría apoyo tanto en su maestro, Ernö von Dohnanyi, como también en varios colegas mayores como Clara Haskil, Alfred Cortot o Edwin Fischer, o incluso también en el filósofo Pierre Souvchinsky. Desde luego, la principal faceta de su arte reside en la capacidad innata que alcanzó Anda para adaptar su interpretación al estilo de cada compositor, pues prácticamente nunca uno encuentra en un mismo pianista acercamientos tan válidos y profundos a compositores y estilos tan diversos.
Ciertamente, la discografía de Géza Anda ha aumentado bastante en los últimos años. Lanzamientos de Testament, Hunt, Orfeo, BBC Music, Tahra, Idis, Col legno, Archipel o Golden Melodram han engrosado la lista de sus registros fonográficos a partir de archivos radiofónicos, que se suman a sus registros oficiales para EMI, DGG y RCA disponibles hoy en su gran mayoría. Sin embargo, muy pocos sellos han reparado en lo conservado de Anda en las corporaciones radiofónicas de la antigua República Federal alemana (la NDR, WDR, SWR, SR, BR, HR y la RIAS berlinesa) o, por lo menos, desde la frustrada edición en LP dedicada a este pianista por Ariola-Eurodisc en los setenta. Audite nos redescubre la figura de Géza Anda centrándose tan sólo en uno de estos archivos, el de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia (WDR), y publicando en cuatro entregas de dos discos un total de veintidós obras concertantes, solistas y camerísticas de Mozart, Beethoven, Brahms, Liszt, Schumann, Chopin y Bartók en su mayoría muy representativas del arte de Anda. Todos son registros inéditos en CD, realizados entre 1952 y 1969, cuya calidad va de lo aceptable a lo excelente, debido al buen estado de las cintas conservadas, a los nombres de los responsables técnicos de las mismas (en especial a Hans-Georg Daehn y a Heinz Oepen) y también a la labor de remasterización de Stephan Schmidt.
El primer volumen se dedica a Mozarr y en él encontramos cuatro conciertos muy característicos del repertorio de Anda junto a la rareza de una sinfonía interpretada bajo su dirección. En el Concierto n° 23 y la Sinfonía n° 28, Anda dirige a la Camerata Academica de Salzburgo, una formación con la que dio el salto de tocar dirigiendo en 1960, consiguiendo materializar con ellos su Mozart elegante, cantable y encantador (aderezado aquí con cadencias propias) y con la que grabó la pionera integral concertante para piano del salzburgués en los sesenta para DGG (siguiendo el ejemplo y la influencia de Edwin Fischer). No obstante, además de sus interpretaciones dirigiendo (se incluye además otra del Concierto n° 20 con la orquesta de la radio) sus colaboraciones con otros directores también fueron fructíferas, como queda patente en el mágico Andante del Concierto n° 21 dirigido por un inspiradísimo Joseph Keilberth en 1956.
El segundo volumen se consagra a Beethoven, Brahms y Liszt. Para empezar, Anda no fue un pianista especialmente beethoveniano, pues tan sólo tocó y grabó cinco sonatas y cuatro de sus conciertos (además de las Variaciones Diabelli y el Triple Concierto), aunque ello no quiere decir que su Beethoven sea menos interesante. Sin duda, entre lo más destacado de este volumen se encuentra su vienesa interpretación de su Primer concierto pianístico, tocando y dirígiendo en 1969, junto a una de las versiones más concentradas, bellas y misteriosas del Largo e mesto de Sonata n° 7, registrada en 1955. Las grabaciones intimistas de Brahms se suman a las realizadas en los cincuenta para EMI (Testament) y la gran sorpresa la encontramos en la Sonata de Liszt de 1955, que deja a un lado su registro del año anterior (Testament) y ahonda en lo narrativo, exquisito y dramático de esta música.
El tercer volumen incluye Otras dos especialidades de Anda: Schumann y Chopin. Sus versiones del primero son hoy todavía muy admiradas, especialmente por lo que tienen de mixtura entre la austeridad y objetividad clásica y la sensación de fluir continuo, de libertad, en una palabra. Al mismo tiempo, en sus interpretaciones destaca un transfondo muy polifónico y contrapuntístico, que supone llegar a Schumann y a Chopin desde Bach. En cierto modo, si en la idea de tocar y dirigir Mozart hay una clara influencia de Fischer, aquí encontramos la huella de Cortot (en todos ellos estaría también la de Haskil). Ninguna de las versiones de la Kreisleriana, los Estudios sinfónicos o el Carnaval, o de los Estudios y Preludios de Chopin, tienen nada que envidiar a sus famosos registros de los cincuenta (Testament) o los sesenta (DGG), y aquí Anda es el verdadero paradigma de un artista universal que "da cuenta de la música por sí misma", como dijo de él el filósofo Gabriel Marcel.
Finalmente, el cuarto volumen se dedica al compositor donde las interpretaciones de Anda siguen siendo más influyentes: Bela Bartók. Hoy nadie duda de que Géza Anda fue quien introdujo en el repertorio los tres conciertos pianísticos de Bartók, que tocó cientos de veces (incluso los tres en la misma velada como atestigua el impresionante concierto muniqués de 1957 publicado por Col legno) y grabó brillantemente junto a Ferenc Fricsay entre 1960 y 1961 (DGG). Pues bien, en este disco Audite publica el primer encuentro entre ambos artistas, que tuvo lugar en Salzburgo en 1952 y que se saldó con la versión más rapsódica, fresca y neoclásica del Concierto n° 2 del compositor húngaro (en los archivos de la WDR hay otro registro posterior de ambos). El resto no desmerece lo histórico de este registro, especialmente al incluir dos sorprendentes tomas camerísticos de Anda de Contrastes y de la Sonata para dos pianos y percursión realizados en 1953 en colaboración con viejos compañeros de estudios y amigos de su Hungría natal como Tibor Varga y Georg Solti. Y es que, según parece, hasta 1976 – el año de su muerte – Anda no descubrió su vocación tardía por la música de cámara, tocando en Innsbruck el Quinteto "La Trucha" de Schubert. Si a esto sumamos sus proyectos como director de orquesta está claro que su prematura muerte nos privó de Anda para rato.
Diverdi Magazin | N° 168 / marzo 2008 | Pablo-L. Rodríguez | 1. März 2008
El camaleón del piano
Audite lanza una impresionante colección In dedicada al eximio pianista húngaro-suizo Géza Anda
Géza Anda (1921-1976) llegó a hacer planes para dirigir una Tosca de Puccini poco antes de su muerte. ¿Sorprendente? Pues no, porque Anda, ademásMehr lesen
En realidad, existe tan sólo una monografía sobre este gran pianista suizo de origen húngaro que fue publicada por Hans-Christian Schmidt en 1991 bajo el curioso y objetivo título de Geza Anda: Sechzehntel Sind Auch Musik! Dokumente Seines Lebens (Zúrich: Artemis & Winkler). Se trata de una recopilación de comentarios y documentos encaminada a profundizar en la filosofía interpretativa de Anda que nació bajo el auspicio del concurso pianístico trienal que lleva su nombre en la capital suiza. En ella encontramos muchas claves para entender el arte de Anda (o "su espíritu", como lo denomina Schmidt) que parten de la idea de que su concepción de la música iba más allá de los problemas técnicos de su instrumento o de las limitaciones de un repertorio concreto. De hecho, el fin último de su interpretación pretende alcanzar el nivel dialéctico para presentar un texto objetivo por medios subjetivos, y ello es lo que le permite alcanzar un perfecto dualismo (imposible para otros pianistas) entre la pasión y robustez propias de Florestán y el intimismo lírico de Eusebius en sus interpretaciones de Schumann o le ayuda a encontrar la claridad necesaria para Mozart como resultado de un acercamiento muy profundo e intelectual a este compositor, o incluso lograr el equilibrio necesario en Bartók al atender no sólo a lo escrito en sus partituras como compositor sino también a las particularidades de él como pianista.
Y es que para Anda tocar el piano era una forma de intelectualidad y de reflexión filosófica. A diferencia de otros pianistas, él no fue un niño prodigio y quizá ello le permitió concentrarse más en el enriquecimiento de su personalidad artística que en el mero fortalecimiento de sus dedos. En esto último encontraría apoyo tanto en su maestro, Ernö von Dohnanyi, como también en varios colegas mayores como Clara Haskil, Alfred Cortot o Edwin Fischer, o incluso también en el filósofo Pierre Souvchinsky. Desde luego, la principal faceta de su arte reside en la capacidad innata que alcanzó Anda para adaptar su interpretación al estilo de cada compositor, pues prácticamente nunca uno encuentra en un mismo pianista acercamientos tan válidos y profundos a compositores y estilos tan diversos.
Ciertamente, la discografía de Géza Anda ha aumentado bastante en los últimos años. Lanzamientos de Testament, Hunt, Orfeo, BBC Music, Tahra, Idis, Col legno, Archipel o Golden Melodram han engrosado la lista de sus registros fonográficos a partir de archivos radiofónicos, que se suman a sus registros oficiales para EMI, DGG y RCA disponibles hoy en su gran mayoría. Sin embargo, muy pocos sellos han reparado en lo conservado de Anda en las corporaciones radiofónicas de la antigua República Federal alemana (la NDR, WDR, SWR, SR, BR, HR y la RIAS berlinesa) o, por lo menos, desde la frustrada edición en LP dedicada a este pianista por Ariola-Eurodisc en los setenta. Audite nos redescubre la figura de Géza Anda centrándose tan sólo en uno de estos archivos, el de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia (WDR), y publicando en cuatro entregas de dos discos un total de veintidós obras concertantes, solistas y camerísticas de Mozart, Beethoven, Brahms, Liszt, Schumann, Chopin y Bartók en su mayoría muy representativas del arte de Anda. Todos son registros inéditos en CD, realizados entre 1952 y 1969, cuya calidad va de lo aceptable a lo excelente, debido al buen estado de las cintas conservadas, a los nombres de los responsables técnicos de las mismas (en especial a Hans-Georg Daehn y a Heinz Oepen) y también a la labor de remasterización de Stephan Schmidt.
El primer volumen se dedica a Mozarr y en él encontramos cuatro conciertos muy característicos del repertorio de Anda junto a la rareza de una sinfonía interpretada bajo su dirección. En el Concierto n° 23 y la Sinfonía n° 28, Anda dirige a la Camerata Academica de Salzburgo, una formación con la que dio el salto de tocar dirigiendo en 1960, consiguiendo materializar con ellos su Mozart elegante, cantable y encantador (aderezado aquí con cadencias propias) y con la que grabó la pionera integral concertante para piano del salzburgués en los sesenta para DGG (siguiendo el ejemplo y la influencia de Edwin Fischer). No obstante, además de sus interpretaciones dirigiendo (se incluye además otra del Concierto n° 20 con la orquesta de la radio) sus colaboraciones con otros directores también fueron fructíferas, como queda patente en el mágico Andante del Concierto n° 21 dirigido por un inspiradísimo Joseph Keilberth en 1956.
El segundo volumen se consagra a Beethoven, Brahms y Liszt. Para empezar, Anda no fue un pianista especialmente beethoveniano, pues tan sólo tocó y grabó cinco sonatas y cuatro de sus conciertos (además de las Variaciones Diabelli y el Triple Concierto), aunque ello no quiere decir que su Beethoven sea menos interesante. Sin duda, entre lo más destacado de este volumen se encuentra su vienesa interpretación de su Primer concierto pianístico, tocando y dirígiendo en 1969, junto a una de las versiones más concentradas, bellas y misteriosas del Largo e mesto de Sonata n° 7, registrada en 1955. Las grabaciones intimistas de Brahms se suman a las realizadas en los cincuenta para EMI (Testament) y la gran sorpresa la encontramos en la Sonata de Liszt de 1955, que deja a un lado su registro del año anterior (Testament) y ahonda en lo narrativo, exquisito y dramático de esta música.
El tercer volumen incluye Otras dos especialidades de Anda: Schumann y Chopin. Sus versiones del primero son hoy todavía muy admiradas, especialmente por lo que tienen de mixtura entre la austeridad y objetividad clásica y la sensación de fluir continuo, de libertad, en una palabra. Al mismo tiempo, en sus interpretaciones destaca un transfondo muy polifónico y contrapuntístico, que supone llegar a Schumann y a Chopin desde Bach. En cierto modo, si en la idea de tocar y dirigir Mozart hay una clara influencia de Fischer, aquí encontramos la huella de Cortot (en todos ellos estaría también la de Haskil). Ninguna de las versiones de la Kreisleriana, los Estudios sinfónicos o el Carnaval, o de los Estudios y Preludios de Chopin, tienen nada que envidiar a sus famosos registros de los cincuenta (Testament) o los sesenta (DGG), y aquí Anda es el verdadero paradigma de un artista universal que "da cuenta de la música por sí misma", como dijo de él el filósofo Gabriel Marcel.
Finalmente, el cuarto volumen se dedica al compositor donde las interpretaciones de Anda siguen siendo más influyentes: Bela Bartók. Hoy nadie duda de que Géza Anda fue quien introdujo en el repertorio los tres conciertos pianísticos de Bartók, que tocó cientos de veces (incluso los tres en la misma velada como atestigua el impresionante concierto muniqués de 1957 publicado por Col legno) y grabó brillantemente junto a Ferenc Fricsay entre 1960 y 1961 (DGG). Pues bien, en este disco Audite publica el primer encuentro entre ambos artistas, que tuvo lugar en Salzburgo en 1952 y que se saldó con la versión más rapsódica, fresca y neoclásica del Concierto n° 2 del compositor húngaro (en los archivos de la WDR hay otro registro posterior de ambos). El resto no desmerece lo histórico de este registro, especialmente al incluir dos sorprendentes tomas camerísticos de Anda de Contrastes y de la Sonata para dos pianos y percursión realizados en 1953 en colaboración con viejos compañeros de estudios y amigos de su Hungría natal como Tibor Varga y Georg Solti. Y es que, según parece, hasta 1976 – el año de su muerte – Anda no descubrió su vocación tardía por la música de cámara, tocando en Innsbruck el Quinteto "La Trucha" de Schubert. Si a esto sumamos sus proyectos como director de orquesta está claro que su prematura muerte nos privó de Anda para rato.
Diverdi Magazin | N° 168 / marzo 2008 | Pablo-L. Rodríguez | 1. März 2008
El camaleón del piano
Audite lanza una impresionante colección In dedicada al eximio pianista húngaro-suizo Géza Anda
Géza Anda (1921-1976) llegó a hacer planes para dirigir una Tosca de Puccini poco antes de su muerte. ¿Sorprendente? Pues no, porque Anda, ademásMehr lesen
En realidad, existe tan sólo una monografía sobre este gran pianista suizo de origen húngaro que fue publicada por Hans-Christian Schmidt en 1991 bajo el curioso y objetivo título de Geza Anda: Sechzehntel Sind Auch Musik! Dokumente Seines Lebens (Zúrich: Artemis & Winkler). Se trata de una recopilación de comentarios y documentos encaminada a profundizar en la filosofía interpretativa de Anda que nació bajo el auspicio del concurso pianístico trienal que lleva su nombre en la capital suiza. En ella encontramos muchas claves para entender el arte de Anda (o "su espíritu", como lo denomina Schmidt) que parten de la idea de que su concepción de la música iba más allá de los problemas técnicos de su instrumento o de las limitaciones de un repertorio concreto. De hecho, el fin último de su interpretación pretende alcanzar el nivel dialéctico para presentar un texto objetivo por medios subjetivos, y ello es lo que le permite alcanzar un perfecto dualismo (imposible para otros pianistas) entre la pasión y robustez propias de Florestán y el intimismo lírico de Eusebius en sus interpretaciones de Schumann o le ayuda a encontrar la claridad necesaria para Mozart como resultado de un acercamiento muy profundo e intelectual a este compositor, o incluso lograr el equilibrio necesario en Bartók al atender no sólo a lo escrito en sus partituras como compositor sino también a las particularidades de él como pianista.
Y es que para Anda tocar el piano era una forma de intelectualidad y de reflexión filosófica. A diferencia de otros pianistas, él no fue un niño prodigio y quizá ello le permitió concentrarse más en el enriquecimiento de su personalidad artística que en el mero fortalecimiento de sus dedos. En esto último encontraría apoyo tanto en su maestro, Ernö von Dohnanyi, como también en varios colegas mayores como Clara Haskil, Alfred Cortot o Edwin Fischer, o incluso también en el filósofo Pierre Souvchinsky. Desde luego, la principal faceta de su arte reside en la capacidad innata que alcanzó Anda para adaptar su interpretación al estilo de cada compositor, pues prácticamente nunca uno encuentra en un mismo pianista acercamientos tan válidos y profundos a compositores y estilos tan diversos.
Ciertamente, la discografía de Géza Anda ha aumentado bastante en los últimos años. Lanzamientos de Testament, Hunt, Orfeo, BBC Music, Tahra, Idis, Col legno, Archipel o Golden Melodram han engrosado la lista de sus registros fonográficos a partir de archivos radiofónicos, que se suman a sus registros oficiales para EMI, DGG y RCA disponibles hoy en su gran mayoría. Sin embargo, muy pocos sellos han reparado en lo conservado de Anda en las corporaciones radiofónicas de la antigua República Federal alemana (la NDR, WDR, SWR, SR, BR, HR y la RIAS berlinesa) o, por lo menos, desde la frustrada edición en LP dedicada a este pianista por Ariola-Eurodisc en los setenta. Audite nos redescubre la figura de Géza Anda centrándose tan sólo en uno de estos archivos, el de la Westdeutscher Rundfunk de Colonia (WDR), y publicando en cuatro entregas de dos discos un total de veintidós obras concertantes, solistas y camerísticas de Mozart, Beethoven, Brahms, Liszt, Schumann, Chopin y Bartók en su mayoría muy representativas del arte de Anda. Todos son registros inéditos en CD, realizados entre 1952 y 1969, cuya calidad va de lo aceptable a lo excelente, debido al buen estado de las cintas conservadas, a los nombres de los responsables técnicos de las mismas (en especial a Hans-Georg Daehn y a Heinz Oepen) y también a la labor de remasterización de Stephan Schmidt.
El primer volumen se dedica a Mozarr y en él encontramos cuatro conciertos muy característicos del repertorio de Anda junto a la rareza de una sinfonía interpretada bajo su dirección. En el Concierto n° 23 y la Sinfonía n° 28, Anda dirige a la Camerata Academica de Salzburgo, una formación con la que dio el salto de tocar dirigiendo en 1960, consiguiendo materializar con ellos su Mozart elegante, cantable y encantador (aderezado aquí con cadencias propias) y con la que grabó la pionera integral concertante para piano del salzburgués en los sesenta para DGG (siguiendo el ejemplo y la influencia de Edwin Fischer). No obstante, además de sus interpretaciones dirigiendo (se incluye además otra del Concierto n° 20 con la orquesta de la radio) sus colaboraciones con otros directores también fueron fructíferas, como queda patente en el mágico Andante del Concierto n° 21 dirigido por un inspiradísimo Joseph Keilberth en 1956.
El segundo volumen se consagra a Beethoven, Brahms y Liszt. Para empezar, Anda no fue un pianista especialmente beethoveniano, pues tan sólo tocó y grabó cinco sonatas y cuatro de sus conciertos (además de las Variaciones Diabelli y el Triple Concierto), aunque ello no quiere decir que su Beethoven sea menos interesante. Sin duda, entre lo más destacado de este volumen se encuentra su vienesa interpretación de su Primer concierto pianístico, tocando y dirígiendo en 1969, junto a una de las versiones más concentradas, bellas y misteriosas del Largo e mesto de Sonata n° 7, registrada en 1955. Las grabaciones intimistas de Brahms se suman a las realizadas en los cincuenta para EMI (Testament) y la gran sorpresa la encontramos en la Sonata de Liszt de 1955, que deja a un lado su registro del año anterior (Testament) y ahonda en lo narrativo, exquisito y dramático de esta música.
El tercer volumen incluye Otras dos especialidades de Anda: Schumann y Chopin. Sus versiones del primero son hoy todavía muy admiradas, especialmente por lo que tienen de mixtura entre la austeridad y objetividad clásica y la sensación de fluir continuo, de libertad, en una palabra. Al mismo tiempo, en sus interpretaciones destaca un transfondo muy polifónico y contrapuntístico, que supone llegar a Schumann y a Chopin desde Bach. En cierto modo, si en la idea de tocar y dirigir Mozart hay una clara influencia de Fischer, aquí encontramos la huella de Cortot (en todos ellos estaría también la de Haskil). Ninguna de las versiones de la Kreisleriana, los Estudios sinfónicos o el Carnaval, o de los Estudios y Preludios de Chopin, tienen nada que envidiar a sus famosos registros de los cincuenta (Testament) o los sesenta (DGG), y aquí Anda es el verdadero paradigma de un artista universal que "da cuenta de la música por sí misma", como dijo de él el filósofo Gabriel Marcel.
Finalmente, el cuarto volumen se dedica al compositor donde las interpretaciones de Anda siguen siendo más influyentes: Bela Bartók. Hoy nadie duda de que Géza Anda fue quien introdujo en el repertorio los tres conciertos pianísticos de Bartók, que tocó cientos de veces (incluso los tres en la misma velada como atestigua el impresionante concierto muniqués de 1957 publicado por Col legno) y grabó brillantemente junto a Ferenc Fricsay entre 1960 y 1961 (DGG). Pues bien, en este disco Audite publica el primer encuentro entre ambos artistas, que tuvo lugar en Salzburgo en 1952 y que se saldó con la versión más rapsódica, fresca y neoclásica del Concierto n° 2 del compositor húngaro (en los archivos de la WDR hay otro registro posterior de ambos). El resto no desmerece lo histórico de este registro, especialmente al incluir dos sorprendentes tomas camerísticos de Anda de Contrastes y de la Sonata para dos pianos y percursión realizados en 1953 en colaboración con viejos compañeros de estudios y amigos de su Hungría natal como Tibor Varga y Georg Solti. Y es que, según parece, hasta 1976 – el año de su muerte – Anda no descubrió su vocación tardía por la música de cámara, tocando en Innsbruck el Quinteto "La Trucha" de Schubert. Si a esto sumamos sus proyectos como director de orquesta está claro que su prematura muerte nos privó de Anda para rato.
Pizzicato | N° 181, 3/2008 | Alain Steffen | 1. März 2008 Wichtiges Fricsay-Dokument
Allein schon die Veröffentlichung einer unbekannten Aufnahme des ungarischen Dirigenten Ferenc Fricsay ist für den Musikkenner eine sich lohnendeMehr lesen
Fanfare | March/April 2008 | Jerry Dubins | 1. März 2008
Little need be said about this 1963 radio broadcast of the Brahms First with Karl Böhm, other than the fact that it is a quick-paced, no-nonsense,Mehr lesen
The more interesting item on the disc is Henri Vieuxtemps's Violin Concerto No. 5 with Romanian-Belgian violinist Lola Bobesco, also from a 1963 broadcast. Bobesco (1921-2003) gained international recognition after having won the Eugene Ysaÿe contest in 1937. In 1958 she founded the Orchestre Royal de Chambre de Wallonie, and in 1971 and again in 1993 she was a jury member at the Queen Elizabeth competition. Bobesco's recording activities were not extensive, though she did commit to disc the violin sonatas of Beethoven, Brahms, Franck, Fauré, and Debussy.
Henri Vieuxtemps (1820-1881) was a famous violinist and composer who, like other Belgian musicians of the time (César Franck, for example, Vieuxtemps's exact contemporary) found French soil more fertile. Like a number of other virtuoso violinists competing for recognition and acclaim – Pierre Rode, Charles de Bériot, and Henryk Wieniawski – Vieuxtemps turned to composition, writing dazzling, death-defying works of derring-do. Much of his music, to be forgiving, is of interest mainly to violinists as contest pieces or as audience-wowing debut repertoire, and to students of the evolution of the violin and string-playing technique.
Of Vieuxtemps's seven concertos, the No. 5, however, has achieved a level of enduring popularity undeserved by its musical content, as a result of a jaw-dropping recording of it made in 1962 by Heifetz and Malcolm Sargent. Though the current catalog contains a number of recordings of other works by Vieuxtemps, I doubt that many are known beyond those with a keen interest in virtuoso violin music and its players. His Fifth Concerto, on the other hand, appears to have as many as 14 recordings, and I know for a fact there were once others, since the Philips CD I have with Arthur Grumiaux is no longer listed.
Bobesco was an accomplished fiddler – she would have to be to take on so technically challenging a work – but the reality is that she was technically challenged by it. Her playing can become labored and her bowing rough, as at 4:22 in the first movement; and her tone can turn abrasive in multi-stopped passages and pinched high on the G-string, the latter difficult for any violinist to make sound particularly alluring.
In short, Bobesco negotiates the treacheries of Vieuxtemps's high-wire act without any fatal slips or accidents, but not with a great deal of graceful ease. Personally, I've never found much grace in Heifetz's performance of the piece either, but if it's sailing through it with ease that you're looking for, he's your man. For grace, to the extent it's possible under such duress, I'll take Grumiaux, and for unperturbed, if a bit bland aplomb, I'll take Zukerman in his 1969 recording with Mackerras and the London Symphony Orchestra.
NDR Kultur | CD-Neuheiten, 24. Februar 2008 | Philipp Cavert | 24. Februar 2008
NDR Kultur, CD-Neuheiten. Mit Philipp Cavert und einer reinen Mozart-Ausgabe der CD-Neuheiten. Herzlich Willkommen. In drei Neuerscheinungen begegnenMehr lesen
Nigel Kennedy wird in wenigen Tagen sein erstes Mozart-Violinkonzert auf CD vorlegen. Bevor wir dazu kommen, widmen wir uns dem Klavierkonzert KV 466 im Interpretenvergleich. Einer digital aufbereiteteten Rundfunkaufnahme mit Géza Anda stellen wir die neue CD von Leif Ove Andsnes gegenüber. Fangen wir im Norden an – bei Andsnes und dem Norwegischen Kammerorchester. […]
Wenn Andsnes selbst dirigiert, dann hat er stets im Hinterkopf, dass jemand ihm den Weg dorthin geebnet hat. Es ist sein pianistisches Vorbild, der 1976 verstorbene Schweizer Pianist ungarischer Herkunft Géza Anda. Seine zurückhaltenden Mozart-Interpretationen hält Andsnes für unerreicht.
Dabei hat sich Anda seinen Mozart schwer erobern müssen. Joachim Kaiser schreibt in seinem Werk „Große Pianisten in unserer Zeit“ : „...es gab Jahre, da Anda mit Mozart offenbar nichts rechtes anfangen konnte“. Man habe falsche Beklommenheit gespürt, aber auch falsche Unbefangenheit vor dem Mozartschen Genius.
Es dauerte also, bis Anda zu einem Mozartinterpreten reifte. Dies begann in den 50er Jahren mit Dirigenten wie Böhm, Karajan und Keilberth und dann vor allem während jahrelanger Zusammenarbeit mit dem Mozarteum-Orchester. Anda spielte die erste Gesamtaufnahme ein, bei der er vom Flügel aus dirigierte. Das war damals noch ungewöhnlich und umstritten, heute ist dieser kammermusikalische Ansatz für viele Pianisten gängige Praxis. Anders als z.B. Andsnes, scheut Géza Anda jede Romantisierung, er spielt das Finale des Klavierkonzerts Nummer 20 leichter und gleichzeitig eindringlicher. Das beweist eine neue CD-Edition mit Aufnahmen aus digital aufbereiteten Bändern. Hier steht das Klavier zwar aufnahmetechnisch im Vordergrund. dennoch wirkt diese intelligent-phrasierte Mozart-Einspielung aus dem Jahr 1969 plastisch.
Ich könnte mir gut vorstellen, dass dies eine CD ist, die sich Leif Ove Andsnes aus persönlichem Interesse bereits zugelegt haben dürfte, eine Aufnahme, die wenige Monate vor seiner Geburt enstanden ist.
Hier kommt der Vergleich: Mozart KV 466, gleiches Konzert gleicher Finalsatz. Diesmal mit der Camerata Academica Salzburg und Géza Anda, der auf eine Kadenz verzichtet...
Musik 3
CD1, Track 3..............................................................................................6´31´
Edition Géza Anda – Vol. I: Mozart
WDR-Sinfonieorchester Köln/
Géza Anda, Klavier, Dirigent
Constantin Silvestri, Dirigent
Joseph Keilbert, Dirigent
WDR The cologne Broadcasts
Doppel-CD Audite 23.407
LC 04480
In den CD-Neuheiten auf NDR Kultur hörten wir noch einmal den abschließenden dritten Satz des Klavierkonzerts d-Moll KV 466 von Wolfgang Amadeus Mozart, diesmal mit Géza Anda, der vom Flügel aus die Camerata Academica Salzburg leitete, die heutige Camerata Salzburg. Dass der galante Ton gleichzeitig auch ein guter Ton ist, das liegt am digitalen Remastering der ursprünglichen Analogbänder.
Diese Doppel-CD ist der Anfang einer Reihe mit Aufnahmen aus dem Archiv des WDR. In den unveröffentlichten Studio-Aufnahmen von 1952-1970 wird der Pianist Géza Anda zum Teil von den Dirigenten Joseph Keilberth und Constantin Silvestri begleitet mit der Camerata Academica Salzburg bzw. dem Kölner Rundfunk-Sinfonieorchester. Der erste Teil der Géza Anda Edition ist bei audite erschienen. Die folgenden drei Teile sollen bis April herauskommen.
[…]
Das war´s in den CD-Neuheiten. Philipp Cavert dankt fürs Zuhören, Ihnen weiterhin einen angenehmen Sonntagabend!
Rondo | 3/2008 | Jörg Königsdorf | 16. Februar 2008
Teils aus Mangel an landeseigenen Sinfonikern, teils weil er den GroßteilMehr lesen
www.classicstodayfrance.com | Février 2008 | Christophe Huss | 1. Februar 2008
Ce disque n'ajoutera rien à la connaissance et à la gloire du grandMehr lesen
Scherzo | Febrero de 2008, Num. 227 | Enrique Pérez Adrián | 1. Februar 2008 Fricsay y Böhm (II)
Cuatro nuevos álbumes Audite (distribuidor: Diverdi) dedicados a Fricsay yMehr lesen
Fono Forum | 02/2008 | Christoph Vratz | 1. Februar 2008 Der Blick ins Ich
Es ist der wohl meistgesungene Liederzyklus der Musikgeschichte: Franz Schuberts „Winterreise“. Dabei handelt es sich keineswegs um dieMehr lesen
eines einsamen Wanderers. Christoph Vratz stellt das Werk und einige der wichtigsten Aufnahmen vor.
[…]
Die Diskographie der „Winterreise“ liest sich wie das Who's who namhafter Liedsänger. Doch wohl niemand hat sich so oft und so ausführlich mit diesem Zyklus auseinandergesetzt wie Dietrich Fischer-Dieskau. Rund ein Dutzend Einspielungen tragen seinen Namen. Den späteren Aufnahmen wurde oft nachgesagt, dass sie zum Manierierten neigen und das Wort-Ton-Gefüge in Schieflage geraten sei. Mag sein, auch wenn die Zusammenarbeit mit Pianisten wie Alfred Brendel und Murray Perahia immer noch zu neuen Facetten geführt hat.
Fischer-Dieskaus zweite Aufnahme der „Winterreise“, mit Hermann Reutter am Klavier, stammt aus dem Jahr 1952. Die Unmittelbarkeit der Darstellung resultiert aus einer wunderbar ausgeglichenen, kraftvoll-fülligen Stimme und einigen betont langsam gewählten Tempi. Schlicht phänomenal, wie es dem damals 27-jährigen Sänger gelingt, den Zyklus als Ganzes zu gestalten. Fischer-Dieskau spannt einen klugen dramaturgischen Bogen, bettet die einzelnen Etappen des Wanderers in einen psychologischen Zusammenhang.
Scherzo | Enero de 2008, Num. 226 | Enrique Pérez Adrián | 1. Januar 2008
Audite, el sello alemán que distribuye Diverdi, nos trae tres interesantesMehr lesen
Fanfare | January/February 2008 | Alan Swanson | 1. Januar 2008
This is the second of Fischer-Dieskau's many recordings of Schubert's cycle. The booklet cover of this 1952 radio recording shows a still lean andMehr lesen
Whatever one thinks of the subsequent development of Fischer-Dieskau as a singer of Lieder, there can be no doubt that this early recording of this cycle is a salient reminder of that tingle we all got in the spine when we first heard his voice. This is a young man with something interesting to say about these songs, even if it is not everything. Three aspects stand out from the first: the beauty of the voice, the absolute clarity of the diction, and a most enviable breath control that lets long phrases be neither broken nor lost.
One can praise and grumble, but I find that my notes are mostly of small things: an odd, but consistent, handling of appoggiaturas, a tendency to scoop slightly in upward leaps over a fifth, sounding a bit pressed on the high G, and other niggles. The overall result, however, is coherent within the framework of a young man's view of the cycle. This gives a song like "Täuschung" a nice lightness, but it means, in this case, that the last song, "Der Leiermann," doesn't come off with the full pathos it needs. But it's still pretty good.
The same cannot be said of his accompanist, Hermann Reutter. This may be partly due to the recording itself—the relation between singer and pianist greatly favors the singer—and to the piano, which is fairly dull, but it is also true that Reutter only really seems to catch on in the second part of the cycle.
The year 1955 brought the famous recording with Gerald Moore on EMI, whose re-release was warmly recommended by Raymond Beegle in 26:3. Though the later recording is about one minute faster overall, certain critical moments are up to half a minute slower, the last song, for instance. One cannot expect the voice to have changed too much in only three years, but the later performance evidences a slightly darker, rounder, sound, only partly due to the recording, I think. Barring the timing differences, there is a similarity to the phrasing. If you have the later recording, you will not need this new one, unless one must have everything by this singer. That said, however, this earlier version has a directness that is refreshing and I am pleased to have heard it.
The notes to this recording by Kurt Malisch are a model of malice. They praise every recording by the hero and then denigrate each and every performance by someone else. Fischer-Dieskau's interpretative claims are not strengthened by such pettiness. The insert assumes that this skewing is all we need to know about this recording and that the listener has no use for the words or their translation. Never mind. The quality of the re-mastering is excellent, the singing a pleasure. Throw away the notes and have a good time.
Fono Forum | 01/2008 | Peter T. Köster | 1. Januar 2008 Antiquarische Frische
Das Spektrum der aktuellen Wiederveröffentlichungen historischer Orchesteraufnahmen reicht von frühen Erkundungen französischer Barockmusik bis zurMehr lesen
Alter Musik in historischen Aufnahmen begegnen wir relativ selten. Offenbar hat der Siegeszug der Originalklangbewegung den Produzenten weitgehend den Mut genommen, ältere Aufnahmen wieder zur Diskussion zu stellen.
[…]
Auch die Ferenc-Fricsay-Edition von Audite bedient sich gerne aus dem WDR-Archiv, das über einige der schönsten Aufnahmen des früh gestorbenen Dirigenten verfügt. Die neueste (hinsichtlich der Spieldauer mit 46 Minuten etwas zu kurz gekommene) Folge enthält die Haydn-Sinfonien Nummer 44 („Trauer") und 98, die damals noch keineswegs zum Standard-Repertoire zählten. Fricsäy dirigierte Haydn schlank im Klang und energisch im Zugriff.
www.concertonet.com | Décembre 2007 | Sébastien Foucart | 15. Dezember 2007
Succédant à un couplage Schumann – Tchaïkovsky remarqué, ces gravuresMehr lesen
www.musicweb-international.com | December 2007 | Christopher Howell | 3. Dezember 2007
These radio archive performances are issued for the first time. A very interesting essay by Kurt Malisch relates the position of these recordings inMehr lesen
The op. 39 “Liederkreis” occupies a position in music lovers’ affections scarcely lower than the ubiquitous favourites “Frauenliebe und Leben” and “Dichterliebe”. In spite of its spellbindingly passionate tenth song, “Stille Tränen”, the gloomier, pessimistic Kerner set – Schumann did not call it a cycle – is less loved. Fischer-Dieskau believed strongly in it while admitting that “Not one of the poems celebrates joy or calm happiness. Each one speaks of sadness, loneliness, renunciation, madness – but also of dramatic impulse”.
While the op.39 “Liederkreis” made it onto disc well before the Second World War, the present issue now becomes the earliest complete “Kerner-Lieder” in existence. It was followed by Fischer-Dieskau’s first commercial recording, with Weissenborn, in 1957, a live version from the 1959 Salzburg Festival with Moore and a studio recording with Eschenbach in 1977. Malisch also mentions that various radio archives contain further performances.
Do we need all this Fischer-Dieskau? For those who can afford it, yes. Whatever reservations one may have over his sometimes forceful, interventionist approach, Dietrich Fischer-Dieskau has a chapter all his own in the history of lieder singing. Strong as his own personality was, he always worked each performance afresh in collaboration with the pianist for the occasion. Any archive recording which brings a different pianist from the commercial recordings is therefore of interest.
Günther Weissenborn (1911-2001) shows a powerful intellectual engagement with the music. In the opening song, each one of accompanying semiquavers is placed with clarity, with a life of its own, whereas even a classically restrained pianist such as Imogen Cooper (with Wolfgang Holzmair) lets them run into one another more romantically. With Weissenborn there is little romantic dawdling – ritardandos at the end of songs are used sparingly, as is rubato. But, while Holzmair seems restrained by Cooper’s emotionally polite playing, Fischer-Dieskau rises to the challenge of giving a performance which is intensely committed within these parameters. The result is the closest one would get to a non-interventionist Fischer-Dieskau performance and some will like it all the more for that.
Hertha Klust (1903-1970) is more romantic, with leanings towards slower tempi and thicker textures. Fischer-Dieskau’s commitment is not in doubt and this looks like being the “Kerner-Lieder” recording from him which gives fullest rein to the pessimistic side of the cycle. Much of it is sung in the husky half-voice of which he was such a master. I should like to remind readers, though, of the superb version by the young Peter Schreier. Perhaps for the very fact that his voice was not intrinsically very large, he can sing these songs more. I find his emotional punch in “Stille Tränen” unmatched even by Fischer-Dieskau. Perhaps, too, the higher tenor key helps to make these songs not sound any gloomier than they absolutely have to.
All the same, Fischer-Dieskau is in a class of his own and these additional recordings take their place in history. There is some distortion at climaxes, the piano sound is a little muddy, particularly in 1954, but generally the quality is very acceptable for the date.
Audiophile Audition | November 2007 | Gary Lemco | 4. November 2007
Karl Boehm (1894-1981) still looms large in the annals of GermanMehr lesen
Fanfare | Issue 31:2 (Nov/Dec 2007) | Henry Fogel | 1. November 2007
These are early broadcast recordings made by West German Radio in the mid 1950s, when Fischer-Dieskau was about 30 years old. This 1954 effortMehr lesen
In some ways, the young Fischer-Dieskau is the most satisfying to listen to. While a strong case can be made that he deepened his interpretations over time, an equally strong case can be made that the effort and thought he put into those interpretations became increasingly evident, resulting in overly artful and even precious singing. There is none of that here—listening to these performances is pure unalloyed pleasure. The voice is smooth, flexible, solidly produced at soft and loud dynamic levels. His ability to float soft tones is almost without equal among German baritones, and here he does so with a naturalness and ease that is simply engrossing, and he does it when it fits the flow of the music perfectly. Nothing seems applied externally—it all comes from within.
If you set this disc against his 1954 EMI recording of Liederkreis, you’ll hear very similar singing and more imaginative piano-playing from EMI (Gerald Moore vs. Günter Weissenborn). But taken on its own merits, this is a spectacular performance. And the only comparably early recording of the Kerner cycle is with Weissenborn instead of Hertha Klust. Klust is more to my taste—lingering over the music when appropriate, as opposed to Weissenborn’s more efficient approach. This broadcast, if you consider it to be a recording, serves as the first complete recording of Schumann’s op. 35 cycle. (Otherwise, Fischer-Dieskau’s 1957 version with Weissenborn fills that role.)
To some degree, I suppose how the enthusiasm behind my recommendation of this disc affects you will depend on how devoted you are to Lieder and on what other recordings you already own. If you own Fischer-Dieskau’s earliest recordings of both of these cycles, it is probably a needless duplication to get this. But if you do not, I can very strongly recommend this as a set of performances that will leave you astonished at the combination of vocal, musical, dramatic, and intellectual skills demonstrated. The monaural sound is at the highest level of mid-1950s broadcast quality, and Kurt Malisch’s essay on the music and these performances is way above the norm in insight and quality, and it is well translated. No texts or translations are included.
www.musicweb-international.com | November 2007 | Jonathan Woolf | 1. November 2007
Audite’s Cologne Broadcasts series has at its focus here Karl Böhm in performances given at the Funkhaus in April 1963. He conducted the CologneMehr lesen
So let’s start with the Vieuxtemps A minor concerto where he partners the Romanian violinist Lola Bobesco (1920-2003). Bobesco was best heard live when she brought a genuine intensity to her playing that even the best of her relatively small commercial performances could not quite reach. She left behind no studio recording of the Vieuxtemps which makes this survival all the more valuable to admirers. The sound can be a little congested and Böhm doesn’t do all he could to clarify orchestral textures. One imagines him content with an all-purpose heavyweight sonority – and this he duly gets, one that lacks Mackerras’s finesse for Zukerman and Sargent’s for Heifetz (both recordings, 1947 and 1961). Some of Bobesco’s passagework sounds a touch smeary under pressure but this is a live performance after all and compensation comes from her powerful commitment. In the final resort whilst Bobesco may lack the studio perfection of such as Perlman, Zukerman, Grumiaux or Menuhin (with Fistoulari) she digs deeply into the string and makes something valuable of the first movement cadenza. In a work that’s barely eighteen minutes long there’s not much time to stake one’s claim but she assuredly does; and a rougher hewn one than all the players already noted. She plays the central movement with great lyric and tonal generosity – with more allure than the more aristocratic Zukerman for example – and is suitably dashing in the sliver of a finale.
There’s not as much to be said about the Brahms. If you know Böhm’s 1975 Berlin Philharmonic DG studio recording, or the contemporaneous Vienna traversal, then you will know what to expect. Maybe he relaxes just a fraction more in the Cologne opening movement but otherwise both tempi and more importantly tempo relationships are consistent. The BPO performance however is both better recorded and better played and various other performances – from Berlin in 1959 and the on-tour Vienna Philharmonic Tokyo reading - probably have as many claims on the collector as this one. Furthermore Audite blots its copybook by muddled banding. Band three includes the Scherzo and the Adagio opening of the finale, leaving band four to take over at the Piu Andante Allegretto of the finale. Bizarre!
The constituency for this will be mixed. Bobesco admirers have a new discographical entrant but it’s conjoined with what will be for them an expendable Brahms symphony. Admirers of the conductor will find the performance of the symphony "straight down the middle" but will have an unexpected though not always insightfully conducted concerto adjunct to their discographies.
Pizzicato | Oktober 2007 | Rémy Franck | 1. Oktober 2007
Schon die weiche Pauke in den Anfangstakten der Brahms-Symphonie zeigt, dass uns Böhm keinen norddeutsch-strengen und harten Brahms vorführen will.Mehr lesen
www.classicstodayfrance.com | septembre 2007 | Christophe Huss | 11. September 2007
La 1re Symphonie est celle de Brahms qui convenait le plus, à mon sens, auMehr lesen
Haute Fidelite | Septembre 2007 | 1. September 2007
Dietrich Fischer-Dieskau chantant Schubert, c'est une évidence. L'artisteMehr lesen
Diapason | septembre 2007 | Rémy Louis | 1. September 2007
Ce deuxième volume du cycle Karl Böhm d'Audite (cf. n° 548) nous mène simultanément en terrain connu et inconnu. Connu en ce qui concerne laMehr lesen
Böhm met en lumière de façon presque psychologique l'état d'esprit de ce Brahms qui ose enfin cette Symphonie n° 1 si longtemps repoussée. Il en libère la force vitale avec une énergie irrésistible et pressante, pour engager le finale dans une apothéose borderline qui ne met pourtant jamais la forme en péril. Et si l'Orchestre de la Radio de Cologne ne possède pas la richesse de texture et de timbres qui sera, peu d'années après, celle de l'Orchestre symphonique de la Radio bavaroise (Diapason d'or, cf. n° 386), il ne peut que céder à un magnétisme aussi impérieux et agissant.
Jusque-là inconnu dans la discographie de Böhm, le Concerto pour violon n° 5 de Vieuxtemps, gravé le même jour (cf. l'introduction), le voit dialoguer avec Lola Bobesco. Loin d'être impeccable (intonation, précision), la violoniste roumaine imprègne l'oeuvre de sa forte personnalité, avec des phrasés très expressifs – sinon appuyés –, une riche sonorité, un vibrato généreux. Précisons enfin que L'Oiseau de feu chronique le mois dernier est issu de la même session.
Prestige Audio Vidéo | n°126 (Septembre/Octobre 2007) | Michel Jakubowicz | 1. September 2007
Dietrich Fischer-Dieskau, au cours de sa longue carrière, enregistrera dixMehr lesen
muzica-etc.blogspot.com | joi, august 30, 2007 | George | 30. August 2007
Lola Bobescu sub bagheta lui Karl Böhm<br /> <br /> Imi amintesc mai mult cuMehr lesen
Imi amintesc mai mult cu
Pforzheimer Zeitung | 22. August 2007 | Thomas Weiss | 22. August 2007 Frische und Reife vereint
Wie souverän schon der junge Dietrich Fischer Dieskau sich alsMehr lesen
Pforzheimer Zeitung | 22. August 2007 | Thomas Weiss | 22. August 2007 Frische und Reife vereint
Wie souverän schon der junge Dietrich Fischer Dieskau sich alsMehr lesen
www.concertonet.com | Août 2007 | Sébastien Foucart | 13. August 2007
Cet enregistrement de la Première Symphonie de Brahms permet de retrouverMehr lesen
www.classicalcdreview.com | August 2007 | R.E.B. | 1. August 2007
Admirers of Karl Böhm (1894-1981) will wish to investigate these April 5,Mehr lesen
The Guardian | 27th August 2007 | Andrew Clements | 27. Juli 2007
In his long career, Dietrich Fischer-Dieskau recorded Schumann's Op 39Mehr lesen
Arte | Juli 2007 | Mathias Heizmann | 10. Juli 2007
Franz Schubert gesungen von Dietrich Fischer-Dieskau<br /> <br /> Bei den RomantikernMehr lesen
Bei den Romantikern
Scherzo | N° 221, julio 2007 | Juan Carlos Moreno | 1. Juli 2007
En colaboración con la WDR de Colonia, Audite sigue rescatando el legadoMehr lesen
Ópera Actual | OA 102 (julio de 2007) | Xaver Cester | 1. Juli 2007
El legado discográfico de Dietrich Fischer-Dieskau, impresionante enMehr lesen
Diverdi Magazin | N° 161 / julio 2007 | Roberto Andrade | 1. Juli 2007
Mozartiano y antidivo
Audite rescata grabaciones inéditas de Karl Böhm
Nacido en Graz, Austria, Karl Böhm (1894-1981) siguió en principio los pasos de su padre, abogado, y se doctoró en derecho en 1919. Pero prontoMehr lesen
Böhm alcanzó la cima de su carrera y el unánime reconocimiento internacional en los años 60 y 70, gracias a sus colaboraciones con las grandes orquestas de Berlín y Viena y la London Symphony, más las de los teatros de ópera de las ciudades citadas: todas ellas rendían al máximo guiadas por su batuta firme y segura, sus gestos sobrios pero eficaces y su infalible buen gusto. Pese a su rigor en los ensayos y su vivo genio, Böhm fue un director favorito de los Filarmónicos de Berlín y Viena, con quienes realizó magníficas grabaciones de los grandes clásicos, especialmente de las grandes óperas de Mozart y de los ciclos de sinfonías de éste, de Beethoven y de Schubert, además de muchas partituras de Richard Strauss, su autor preferido junto con Mozart. También briIló como intérprete de Haydn, Bruckner, Wagner y Alban Berg.
Audite nos lo presenta ahora al frente de la Orquesta de la Radio de Colonia, con dos significativas adiciones a su discografía, que hacen especialmente valiosos estos dos CDs: el “Concierto para violín no 5” de Vieuxtemps, con la interesante violinista Lola Bobesco - ¿recuerdan su CD Testament de música francesa, comentado en este Boletín? - y la “suite de EI Pájaro de Fuego” de Stravinsky, registros procedentes de un concierto celebrado en Colonia eI 5 de abril de 1963, que se completó con una notable “Primera Sinfonía” de Brahms de creciente intensidad (se advierte que la pista 3 del CD contiene no solo eI tercer movimiento, sino tambíen la introducción del cuarto; de ahí lo inhabitual de las duraciones). Pero lo más destacado de esta entrega son la “Sinfonía 28 K 200” de Mozart, de sobria elegancia y perfecta proporción y un sensacional “Don Juan” de Richard Strauss, obras umbas muy bien tocadas por la orquesta. Notable sonido.
Fono Forum | Juli 2007 | Gerhard Persché | 1. Juli 2007 Fidi vor der Priesterweihe
Dietrich Fischer-Dieskau war schon früh zur Ikone geworden – vor allem im Bereich des deutschsprachigen Lieds. Dass er im Unterschied zu den auchMehr lesen
Durch Fischer-Dieskaus Einsatz wurde das Werk, in das Johannes Brahms zwischen 1861 und 1868 fünfzehn Romanzen aus Ludwig Tiecks Roman „Die wundersame Liebesgeschichte der schönen Magelone und des Grafen Peter aus der Provence“ umgegossen hatte, wohl dem Repertoire wiedergegeben. Oft ist der Sänger zu diesem frühromantischen Traum vom Mittelalter zurückgekehrt, mit den Begleitern Jörg Demus (1957), Gerald Moore (1964), Svjatoslav Richter (1970), Daniel Barenboim (1978-82), wobei auch ein interpretatorischer Paradigmenwechsel deutlich wurde. Die hier beschriebene frühe Einspielung dokumentiert, um Ulrich Schreiber zu paraphrasieren, quasi einen Dieskau-Stil vor der Priesterweihe. Denn die typische Detaildeklamation, das zum Ausdrucksprinzip erhobene Non-legato, das Kritiker an den späteren Interpretationen des Baritons monierten, ist hier noch keineswegs ausgeprägt. Vielmehr scheint der Text zumeist in die musikalische Linie eingeschmolzen; Dieskau singt mit kernigem, virilem Ton und großer Natürlichkeit, verbindet das Expressiv-Eindringliche mit den zartesten Nuancen. Die Manierismen der 1960er, 1970er Jahre fehlen fast vollständig. Dass der Zyklus auch als „Ersatzoper“ des der Theaterbühne nicht zugeneigten Komponisten gilt, kommt der Auffassung Fischer-Dieskaus entgegen – waren für den Sänger nach eigenem Bekenntnis die Lied- und die Opernkunst doch untrennbar miteinander verbunden. Dass die Einspielung auf einen die erklärenden Prosatexte rezitierenden Sprecher verzichtet (sie sind in gekürzter Form im Booklet nachzulesen) und dass der Sänger die Nummer 13, das Lied der Türkin Sulima ausspart – im Duktus des Werks ohnehin als Fremdkörper gemeint und dramaturgisch stimmiger von einer Frauenstimme vorzutragen –, fällt nicht wirklich ins Gewicht.
Was über Dietrich Fischer-Dieskaus Interpretation der „Schönen Magelone“ gesagt wurde, gilt durchaus auch für die weiteren hier behandelten Veröffentlichungen aus dem WDR-Archiv, CDs mit ausgewählten Liedern Schuberts sowie den Schumannschen Kerner-Liedern op. 35 und dem Liederkreis op. 39. Eingespielt 1954/55 mit Hertha Klust bzw. Günther Weißenborn, fasziniert die intime Intensität der Interpretationen, in den Schumann-Zyklen wie bei den Schubert-Liedern. Fischer-Dieskau beeindruckt mit Legato-Kunst, flüssiger Phrasenbildung (pars pro toto in Schuberts „Liebesbotschaft“) und treibt andererseits das Dramatische (wie in „Der Atlas“) nicht ins Krasse, sondern gestaltet im Vergleich zu späteren Interpretationen insgesamt mit wohltuender Schlichtheit. Vorzüglich auch die Booklet-Beiträge, in denen Kurt Malisch die WDR-Aufnahmen in Fischer-Dieskaus Lebenswerk sowie vergleichend in den Katalog aller vorliegenden Einspielungen einzuordnen sucht.
CD Compact | Julio 2007 | Sergi Vila | 1. Juli 2007
El sello Audite inició con un modélico Winterreise, la serie deMehr lesen
Fono Forum | Juli 2007 | Gerhard Persché | 1. Juli 2007 Fidi vor der Priesterweihe
Dietrich Fischer-Dieskau war schon früh zur Ikone geworden – vor allem im Bereich des deutschsprachigen Lieds. Dass er im Unterschied zu den auchMehr lesen
Durch Fischer-Dieskaus Einsatz wurde das Werk, in das Johannes Brahms zwischen 1861 und 1868 fünfzehn Romanzen aus Ludwig Tiecks Roman „Die wundersame Liebesgeschichte der schönen Magelone und des Grafen Peter aus der Provence“ umgegossen hatte, wohl dem Repertoire wiedergegeben. Oft ist der Sänger zu diesem frühromantischen Traum vom Mittelalter zurückgekehrt, mit den Begleitern Jörg Demus (1957), Gerald Moore (1964), Svjatoslav Richter (1970), Daniel Barenboim (1978-82), wobei auch ein interpretatorischer Paradigmenwechsel deutlich wurde. Die hier beschriebene frühe Einspielung dokumentiert, um Ulrich Schreiber zu paraphrasieren, quasi einen Dieskau-Stil vor der Priesterweihe. Denn die typische Detaildeklamation, das zum Ausdrucksprinzip erhobene Non-legato, das Kritiker an den späteren Interpretationen des Baritons monierten, ist hier noch keineswegs ausgeprägt. Vielmehr scheint der Text zumeist in die musikalische Linie eingeschmolzen; Dieskau singt mit kernigem, virilem Ton und großer Natürlichkeit, verbindet das Expressiv-Eindringliche mit den zartesten Nuancen. Die Manierismen der 1960er, 1970er Jahre fehlen fast vollständig. Dass der Zyklus auch als „Ersatzoper“ des der Theaterbühne nicht zugeneigten Komponisten gilt, kommt der Auffassung Fischer-Dieskaus entgegen – waren für den Sänger nach eigenem Bekenntnis die Lied- und die Opernkunst doch untrennbar miteinander verbunden. Dass die Einspielung auf einen die erklärenden Prosatexte rezitierenden Sprecher verzichtet (sie sind in gekürzter Form im Booklet nachzulesen) und dass der Sänger die Nummer 13, das Lied der Türkin Sulima ausspart – im Duktus des Werks ohnehin als Fremdkörper gemeint und dramaturgisch stimmiger von einer Frauenstimme vorzutragen –, fällt nicht wirklich ins Gewicht.
Was über Dietrich Fischer-Dieskaus Interpretation der „Schönen Magelone“ gesagt wurde, gilt durchaus auch für die weiteren hier behandelten Veröffentlichungen aus dem WDR-Archiv, CDs mit ausgewählten Liedern Schuberts sowie den Schumannschen Kerner-Liedern op. 35 und dem Liederkreis op. 39. Eingespielt 1954/55 mit Hertha Klust bzw. Günther Weißenborn, fasziniert die intime Intensität der Interpretationen, in den Schumann-Zyklen wie bei den Schubert-Liedern. Fischer-Dieskau beeindruckt mit Legato-Kunst, flüssiger Phrasenbildung (pars pro toto in Schuberts „Liebesbotschaft“) und treibt andererseits das Dramatische (wie in „Der Atlas“) nicht ins Krasse, sondern gestaltet im Vergleich zu späteren Interpretationen insgesamt mit wohltuender Schlichtheit. Vorzüglich auch die Booklet-Beiträge, in denen Kurt Malisch die WDR-Aufnahmen in Fischer-Dieskaus Lebenswerk sowie vergleichend in den Katalog aller vorliegenden Einspielungen einzuordnen sucht.
CD Compact | Julio 2007 | Sergi Vila | 1. Juli 2007
El sello Audite inició con un modélico Winterreise, la serie deMehr lesen
Standpunkte | 06_07 | Alexander Werner | 1. Juni 2007 Jugendlich
Lange waren die frühen Kölner Rundfunkdokumente von DietrichMehr lesen
Standpunkte | 06_07 | Alexander Werner | 1. Juni 2007 Jugendlich
Lange waren die frühen Kölner Rundfunkdokumente von DietrichMehr lesen
Diapason | juin 2007 | Sylvain Fort | 1. Juni 2007 Fischer-Dieskau, radioscopie d'un mythe
Après deux volumes dédiés à Schubert, dont un Voyage d'hiver d'une puissance inouïe, Audite a puisé dans les archives de la WDR deux autresMehr lesen
Audite poursuit l'exhumation des pépites qui dormaient dans les archives de la Radio de Cologne (cf. n° 546), dont l'existence était connue, mais dont aucune publication sérieuse en compact ne semble avoir été diffusée. C'est dans ces studios, en 1954, que Fischer-Dieskau grave avec Herta Klust ses premiers Kerner-Lieder. De ce cycle négligé et ardu, il fera un cheval de bataille. Le son ici est un peu bouché, et le chant sonne comme voilé, mais aussi avec cette espèce de rondeur sombre qu'il affectait à l'époque. Cette voix grossie nuit un peu à certains lieder, comme Wanderlied. Toutefois la ductilité incroyable de l'instrument, la délicatesse infinie de l'interprétation balaient toute réserve. Il est peu probable qu'Erstes Grün ait jamais été traité avec autant de douceur. Que Sehnsucht nach der Waldgegend ait résonné de tant de juvénile nostalgie. Le reste est à l'avenant, avec un sommet absolu : Stille Tränen, hallucination véritable, les yeux ouverts, portée par une dynamique vocale et un art du rubato inouïs.
En 1955, Fischer-Dieskau grave avec Weissenborn le Liederkreis op. 39. Ce témoignage vient après les versions essentielles de 1951 et 1954 avec Gerald Moore. L'expansion lyrique est supérieure, le cycle porté par une liberté neuve, la voix facile, presque nonchalante. La complicité avec Weissenborn est toute de décontraction. Waldesgespräch ludique, Mondnacht flottant, Auf einer Burg limpide comme certains souvenirs, et tout ainsi. Vision plus claire, plus simple que la gravure de 1954, presque détrônée par l'espèce de perfection insouciante, la profondeur immédiate.
Trois ans plus tôt, en 1952, le baryton choisissait encore Cologne pour une autre première discographique – et peut-être même une première dans l'histoire du disque : il gravait avec Reutter, austère professeur au pianisme granitique et inspiré, la rare Belle Maguelone (amputée de Sulima). En la matière, le baryton n'est guère comparable qu'à lui-même – avec Demus, Moore, Richter (sans parler d'autres archives radiophoniques dormantes !)... autant de merveilleux disques, où pourtant on n'entend pas l'alchimie ici à l'œuvre. Fischer-Dieskau a dans la voix une arrogante jeunesse qui cadre aussi bien avec le cycle que le piano grondant, âpre de Reutter. Partout règnent un naturel mais aussi une urgence stupéfiants, un ton de simplicité autorisé par une entente intime entre les deux interprètes que ni Barenboim ni Richter ne déploieront au même degré ; et cela que la veine soit celle de la saine gaieté ou de la tendre complaince. Complétée de trois lieder suprêmes accompagnés par Weissenborn, cette publication confirme – si besoin était – le rang de Fischer-Dieskau dans l'histoire du lied : la première. Et de très loin, de si loin.
Diverdi Magazin | N° 160 / junio 2007 | Justo Romero | 1. Juni 2007
Fischer-Dieskau, veinteañero en Colonia
Audite prosigue su colección dedicada a los años de juventud del baritone berlinés
Fue en los primeros años cincuenta del siglo XX cuando Dietrich Fischer-Dieskau (Berlín, 1925) se consolidó corno una de las voces más valiosas deMehr lesen
El repertorio no puede ser más oportuno: Schubert, Schumann y Brahms, tres compositores que han sido pilares permanentes de la larga carrera del hoy octogenario barítono. Impresiona, conmueve y encanta escuchar a este joven Fischer-Dieskau pIetórico e intimista, cargado de impulso y belleza vocal, pero también de instinto expresivo, de una asombrosa madurez y de ese modo de entender el Lied romántico que ha hecho de él intérprete único e inconfundible.
Las grabaciones suponen un inestimable documento sonoro, y poco o nada importa, que la calidad sonora de las grabaciones no alcance la sofisticación de futuros registros de estudio. La entidad de las versiones y el momento en el que éstas se producen compensan cualquier deficiencia. Todas las cualidades del arte de Fischer-Dieskau están ya poderosamente presentes en este joven barítono que por aquellos años cincuenta andaba por Bayreuth (Wolfram, Amfortas, Kurwenal, Telramund ...), y que en 1952 ¡con 27 años! había conmovido a todos cantado el Viaje de invierno en el Festival de Prades.
La voz, plena de armónicos y resonancias, se revela cálida, carnosa e intensamente Hermosa, y sirve un fraseo pleno de intencionalidad y agudeza, en el que cada palabra, cada sílaba, genera un universo expresivo implicado en el conjunto, como si fuera un mosaico en el que cada pieza, cada detalle cobra valory relieve. Todo suena espontáneo y minuciosamente calibrado a un tiempo. Verso y pentagrama, palabra y música, se abrazan asombrosamente en la inteligencia vocal del intérprete, que para esta larga serie de recitales contó con la implicada colaboración pianística de Hermann Reutter, Günther Weissenborn y Hertha Klust.
Neue Zürcher Zeitung | 1. Juni 2007 | Thomas Baltensweiler | 1. Juni 2007
Der junge Fischer-Dieskau
Liedaufnahmen der fünfziger Jahre
Dietrich Fischer-Dieskau zählt zu den wenigen Sängerinnen und Sängern,Mehr lesen
Neue Zürcher Zeitung | 1. Juni 2007 | Thomas Baltensweiler | 1. Juni 2007
Der junge Fischer-Dieskau<br /> Liedaufnahmen der fünfziger Jahre<br /> <br /> DietrichMehr lesen
Liedaufnahmen der fünfziger Jahre
Dietrich
Pizzicato | 5/2007 | Guy Wagner | 1. Mai 2007
Wie viele Einspielungen der 'Winterreise' mit Dietrich Fischer-Dieskau es gibt, hätte ich nicht zu sagen gewusst, aber das Beiheft einerMehr lesen
Nun kam eine weitere hinzu. Sie ist eine der frühesten und stammt von 1952, hat demnach 55 Jahre auf dem Buckel, wirkt aber erstaunlich frisch, auch von der Aufnahmequalität her: Es handelt sich um eine Rundfunkproduktion des WDR.
Fischer-Dieskau hatte gerade einmal 27 Jahre, als er diese 'Winterreise' sang, und war bereits ein reifer Künstler. Mit brillanter Intelligenz setzte er sich mit dieser Reise ans Ende der Nacht auseinander. Seine Stimme ist warm, abgerundet, ausgewogen und versteht es prachtvoll, durch feinste Modulationen alle Stimmungsschwankungen zu verdeutlichen. Er kann ebenso zurückhaltend und introvertiert singen wie zu eindringlichen Ausbrüchen kommen, ohne dass diese je übertrieben oder manieriert wären. Seine Stimme wirkt auch nie gequetscht oder gepresst, wie das in späteren Aufnahmen manchmal der Fall ist. Vor allem aber beeindruckt die Intelligenz, mit der Fischer-Dieskau die Höhen und Tiefen dieser Seelenwanderung auslotet, und seine phänomenale bereits voll ausgereifte Kunst, Melodien mit Sinn zu füllen.
Überzeugend ist auch sein Partner, Hermann Reutter, selbst ein ausgezeichneter Liedkomponist. Er macht, im Wechselspiel mit der Gestaltung des Sängers, aus der Klavierbegleitung ein eigenständiges Psychodrama. Reutter erinnert mich an einen anderen Komponisten, Aribert Reimann, der ein exemplarischer Begleiter für Brigitte Fassbaender in der 'Winterreise' wurde.
Dies ist demnach eine überaus wichtige Veröffentlichung, nicht nur als Glied in der einzigartigen Karriere von Fischer-Dieskau, sondern als eine Gestaltung des größten Liedzyklus der Musikgeschichte, die nichts an Frische und Aktualität eingebüßt hat.
Classica-Répertoire | N° 92 mai 2007 | André Tubeuf | 1. Mai 2007 Lieder du sublime et des raretés
Poursuite chez Audite du filon Fischer-Dieskau à Radio Cologne auxMehr lesen
Pizzicato | 5/2007 | Guy Wagner | 1. Mai 2007 Wunderbar frisch
Kurz nach Veröffentlichung der WDR-Winterreise, stellt Audite drei weitere Liedeinspielungen aus den 50er Jahren mit Dietrich Fischer-Dieskau vor,Mehr lesen
Wunderbar frisch ist auch die Stimme des großen Pioniers des Liedes. Mein Gott, jeder der sich an diese so schwierige und gefahrvolle Domäne heranwagt, müsste sich vorher als Pflichtübung diese Aufnahmen des jungen Meister sozusagen als Lehrstücke anhören.
In den ausgewählten Liedern aus dem so genannten Zyklus 'Schwanengesang' hat DFD die dramatischsten und sensibelsten ausgewählt: 'Liebesbotschaft' nach Rellstab, und 'Der Atlas', 'Ihr Bild', 'Die Stadt', 'Am Meer' von Heine. Nur 'Der Doppelgänger' fehlt in dieser Reihe. Dafür hat der Sänger 'Die Taubenpost' ausgewählt und daraus ein Kabinettstück gemacht. Eine besondere Kostbarkeit ist auch 'Der Erlkönig', in dem er mit einer Intelligenz und zugleich eine außerordentlichen, aber gebändigten Intensität bis an die Grenzen der eigenen Möglichkeiten geht. Und wie schön ist die Spontaneität von 'Prometheus', wo er Hertha Klust zur Partnerin hat! Im übrigen ist es der getreue Günther Weißenborn, der behutsam, aufmerksam und zuverlässig begleitet, ohne allerdings immer der Genialität des Gesangs gerecht zu werden. Das ist besonders in der 'Taubenpost' bemerkbar.
Eine Pioniertat vollbrachte Fischer-Dieskau mit der Aufnahme von 'Die Schöne Magelone' von Johannes Brahms. Er war, so weit uns bekannt ist, der erste, der die Romanzen überhaupt einspielte, und er tat es mit einem solchen Feuer, einer so frischen Männlichkeit und einer so farbenreichen Darstellung, dass diese leuchtende Interpretation zu Ehrenrettung Brahms' als Liedkomponist wird. Wie in der 'Winterreise', wird Fischer-Dieskau hier von Hermann Reutter begleitet, der nicht zögert, mit dem Sänger das Wagnis einer expressiven, klanglich und gesanglich aufs Äußerste hinzielenden Deutung einzugehen. Drei weitere Brahms-Lieder, diesmal von Günther Weißenborn begleitet, runden die bemerkenswerte CD ab. Es fehlen aber in dieser Aufnahme die begleitenden Prosatexte, die heute immer zu Recht auch aufgenommen werden, um den Zusammenhang der 'Liebesgeschichte der schönen Magelone und des Grafen Peter von Provence' von Ludwig Tieck besser verständlich zu machen. Klugerweise sind sie aber im Booklet abgedruckt.
Das ist leider nicht der Fall für die Liedtexte, die Schubert benutzte, und auch nicht für die der vierten CD, die zwei Schumann-Zyklen vorbehalten ist: den 'Kerner-Liedern' op. 35 und dem 'Liederkreis' op. 39 von Eichendorff. Wie viel Poesie doch diese Aufnahme des 'Liederkreises' von 1955 hat! Unglaublich erscheint das Spektrum der Möglichkeiten des Sängers. Hier gelingt ihm eine einschmeichelnde Zurückhaltung und Verinnerlichung, die der Intimität der Gedichte sehr zugute kommt. Dabei unterstützt ihn Günther Weißenborn sehr sensibel. Etwas von dieser Sensibilität fehlt allerdings Hertha Klust in der Begleitung der 'Kerner-Liedern', die denn auch nicht ganz die emotionale Spannung der anderen Aufnahmen haben.
Es gibt für diese CDs von Audite sehr gute Kommentare von Kurt Malisch, sowohl zu den Werken selbst als zu Fischer-Dieskau riesigem Aufnahme-Angebot. Umso bedauerlicher ist daher, dass die andern Liedtexte fehlen und bei der Schubert Collection nicht einmal die verschiedenen Dichter angegeben werden, was angebracht gewesen wäre, denn bestimmt weiß nicht jeder, dass etwa der Text zu 'An die Musik' von Schuberts engstem Freund Franz von Schober (1798-1882) stammt.
Kölner Stadtanzeiger | April 2007 | Olaf Weiden | 24. April 2007 Perlen aus dem Klassik-Archiv
„WDR: The Cologne Broadcasts“ nennt sich ein neues Label, das dieMehr lesen
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Westdeutsche Allgemeine Zeitung | WTS_7051 | Michael Stenger | 20. April 2007 Der Bariton in jungen Jahren
Es gibt wenige Ausnahmekünstler. Der Ausnahmesänger DietrichMehr lesen
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www.classiquenews.com | mardi 3 avril 2007 | Anthony Goret | 3. April 2007
Audite nous ofre une excellente occasion d'écouter DietrichMehr lesen
Diapason | avril 2007 | Sylvain Fort | 1. April 2007
La nouvelle série d'Audite, consacrée à Fischer-Dieskau et puisée dans les archives de la WDR, nous révèle un inédit de 1954 et nous rend unMehr lesen
WDR 3 | HörZeichen, 31.03.2007, 14:45 | Klaus Leymann | 31. März 2007
Die unermesslich große Diskographie des Jahrhundert-Sängers DietrichMehr lesen
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klassik-heute.com | März 2007 | Ekkehard Pluta | 9. März 2007
Schuberts Winterreise ist fast untrennbar mit dem Namen des BaritonsMehr lesen
klassik-heute.com | März 2007 | Ekkehard Pluta | 8. März 2007
Schumanns Lieder haben den Bariton Dietrich Fischer-Dieskau einMehr lesen
Hessischer Rundfunk | CD-Tipp in Klassik-Zeit, 15.05 Uhr | Gisela Walther | 2. März 2007
Der CD-Tipp ist heute zum hr2-Programmschwerpunkt „50er Jahre“ wiederMehr lesen
Rondo | Nr. 463 | Michael Wersin | 2. März 2007
Viermal früher Fischer-Dieskau aus dem Archiv des WDR – viermal bisherMehr lesen
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Partituren | Nr. 9 / März/April 2007 | Michael Horst | 1. März 2007
Wer braucht, ehrlich gesagt, diese Aufnahme? Natürlich alle Fischer-Dieskau-Fans, die mit der WDR-Produktion vom Dezember 1952 endlich die letzteMehr lesen
Classica-Répertoire | N° 90 mars 2007 | André Tubeuf | 1. März 2007
En allemand
Brassée de chefs-d’oeuvre avec Fischer-Dieskau, Scherchen et Furtwängler
A peu près ineffable ensemble Schubert par un Fischer-Dieskau de 29 ans.Mehr lesen
Opernwelt | 03.2007 | Christoph Vratz | 1. März 2007
Kraftvolle Jugendlichkeit
Frühe WDR-Dokumente zeigen die Anfänge des Liedsängers Dietrich Fischer-Dieskau zwischen 1952 und 1955
«Man kann das Technische, das Vokalartistische dieser prachtvollMehr lesen
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Fono Forum | März 2007 | Christoph Vratz | 1. März 2007
Der Gang ins Archiv kann sich durchaus lohnen: Verschiedene Labels haben alte Liedproduktionen aufbereitet und veröffentlicht, in erster LinieMehr lesen
Einen lohnenswerten Archivfund bietet die Erstveröffentlichung von Dietrich Fischer-Dieskaus zweiter Aufnahme der Schubertschen „Winterreise“, die im Dezember 1952 im WDR in Köln entstanden ist. Diese Einspielung ist eine ideale Brücke zwischen dem frühen Dokument von 1948, als der allzu brave Klaus Billing den damals 22-Jährigen begleitete, und der 1955 für die EMI entstandenen Produktion mit dem kongenialen Gerald Moore. Diesmal ist es Hermann Reutter, der auf teils arg vornehme, teils angenehm diskrete Weise den Klavierpart übernommen hat. Fischer-Dieskau singt kontrolliert, aber keineswegs ausdrucksarm, er gestaltet nicht so reflektiert wie in vielen seiner späteren Aufnahmen, sondern eher mit einer – scheinbar – dem Volkslied abgelauschten Schlichtheit, die vor allem dem doppeldeutigen „Lindenbaum“ zugute kommt und die in Liedern wie „Erstarrung“ dramatisch aufgeladen wird.
Cellesche Zeitung | Februar 2007 | Reinald Hanke | 13. Februar 2007 Welch Liedkunst!
Dietrich Fischer-Dieskaus frühe Einspielung der „Winterreise“ vonMehr lesen
Crescendo | Februar / März 2007 | Uwe Schneider | 1. Februar 2007
Dieskaus „Winterreise“
Frühe Meisterschaft
Jugendlich frisch. Nicht weniger als zehn offizielle Einspielungen vonMehr lesen
schallplattenmann.de | #519 | Sal Pichireddu | 29. Januar 2007 Der junge Fischer-Dieskau mit seinem Paradewerk
Allein Dietrich Fischer-Dieskau (*1925) hat Franz Schuberts (1797-1828)Mehr lesen
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klassik.com | Januar 2007 | Martin Morgenstern | 19. Januar 2007 | Quelle: http://magazin.k... Zweitbesteigung der Nordwand
Etwa einhundertfünfzig Aufnahmen der Schubertschen ‘Winterreise’Mehr lesen
WDR 3 | Mosaik, 3. Stunde | Ulrike Froleyks | 13. Januar 2007
Willkommen zum dritten Teil des Samstags-„Mosaik“. Am Mikrophon: UlrikeMehr lesen
Scherzo | N° 221, julio 2007 | Juan Carlos Moreno | 1. Januar 2007
Dietrich Fischer-Dieskau tenía 27 años cuando llevó a cabo su segundaMehr lesen
concerti - Das Konzert- und Opernmagazin | September 2015 | Matthias Corvin
»Chapeau! Das ist ein wahnsinniges Tempo«
Der Dirigent Jukka-Pekka Saraste hört und kommentiert CDs von Kollegen, ohne dass er erfährt, wer spielt.
Das ist schön. Das klingt sehr gut ... Eine wirklich gute Aufnahme!Mehr lesen
ClicMag | N° 38 Mai 2016 | Jérôme Angouillant
La chanteuse Camilla Tilling excelle dans l'expression de ce spleen, accompagnée de façon quasi magnétique par un orchestre et son chef rodé au répertoire du compositeur norvégien. Un beau disque qui complète une série déjà passionnante.Mehr lesen
http://theclassicalreviewer.blogspot.de | Sunday, 1 December 2013 Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester Köln bring much clarity and detail to Schumann, as well as joy and flair, in this first volume of the Complete Symphonic Works on Audite
Holliger and his orchestra bring so much clarity and detail to Schumann as well as joy and flair. These performances have made me hear Schumann with fresh ears and bodes well for future Schumann issues from this team.Mehr lesen
Gramophone | 26.12.2013 | Rob Cowan Holliger launches Schumann symphonic cycle in Cologne
Right from the off, things augur well. The Spring Symphony’s opening Andante un poco maestoso is also, usefully, con moto, which means a refreshingMehr lesen
Aside from its Faustian opening, the wonderful symphony in three movements that goes by the name of Overture, Scherzo and Finale breathes Mendelssohnian fresh air, even though the Scherzo seems to suggest infant Valkyries. The Finale’s coda blazes triumphantly, which leaves what’s called in this context the Symphony in D minor, in reality the Fourth in its original 1841 incarnation, leaner, lighter and more abrupt than the familiar revision and with some different thematic material. It’s useful to have, though there can be little doubt that Schumann’s later thoughts were his best, and by some considerable distance. Precise playing and fine, detailed sound guarantee a generous pleasure quota. Other excellent Schumann conductors on disc such as Rafael Kubelik (DG), Fabio Luisi (Orfeo), Paavo Järvi (RCA or C Major on DVD), David Zinman (Arte Nova) and Thomas Dausgaard (BIS) remain on hand as viable alternatives; but, as Holliger is en route to a complete cycle, I’d hold on to your shekels, at least for the moment. His may well be the one to go for.
Gramophone | 17.03.2015 | Philip Clark
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings bless the darkness with glimpses of light—when you’re RobertMehr lesen
The symphonic models are clear and we hear the ghostly spectre of Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms and Mendelssohn—but no one has told Schumann’s material that it needs to conform, and the music cannot help but spill over any frame its composer attempts to place around it. The first movement of his Symphony No 1 reaches an apparent cathartic end-point as a solo flute line marked dolce reconciles grinding harmonic and structural inner tensions. Time to stop this madness. But then brass, percussion and trilling woodwinds unleash a stampeding burlesque march. Baleful chromatic inclines smudge the harmony, like Offenbach or Sousa turned on their dark side, and such instability derives from the restlessness of Schumann’s mind, you think, rather than being an overtly conceptual compositional strategy. The free jazz of the Second Symphony’s sostenuto assai prologue, C major credentials asserted by having the strings play anything but, as the brass sustain pure C major triads; in the Third Symphony, that extra movement that sneaks in before the finale, a cobwebby and gothic reimagining of the grounding contrapuntal principles of Renaissance music and Bach; and the audacious cyclic structure of the Fourth Symphony, each movement played attacca and dovetailing into the next. This music of demons and angels grapples also with angles—to take on structure, awkward punctuation, Schumann pushing form, his personal mission being to remould the symphony. And when the realisation dawns that Schumann composed the first version of what would become his Fourth Symphony in the same year as his First Symphony, eyes blink in astonishment. The natural order of things would be to presume that Schumann’s streamlined Fourth Symphony is a perfect distillation of the first three symphonies—but the pathway through Schumann’s symphonic journey is filled with unexpected and improbable twists and turns.
Deciding to record a cycle of the Schumann symphonies begs the question: what exactly should be recorded? And complementary but divergent ideas about the Schumann symphonies have been paraded as rarely before, with four major conductors during the past 18 months releasing four major cycles on disc. Sir Simon Rattle, with the Berlin Philharmonic, gives us four symphonies with the early 1841 version of the Fourth, while Yannick Nézet-Séguin (and the Chamber Orchestra of Europe) and Robin Ticciati (with the Scottish Chamber Orchestra) opt for Schumann’s 1851 revised version. But Heinz Holliger and the WDR Symphony Orchestra of Cologne—like Sir John Eliot Gardiner and his Orchestre Révolutionnaire et Romantique, whose trailblazing 1997 Schumann cycle was given the boxed-up DG reissue treatment last year—perceive Schumann’s symphonic evolution in seven stages. When Holliger completes his cycle during the next year and a half, Schumann’s early Symphony in G minor (the Zwickau Symphony) will take its place alongside the first three canonic symphonies, both versions of the Fourth, and the oftenoverlooked mini-me symphony Overture, Scherzo and Finale—Schumann’s compositional twists of fate put into historical context by a composer/conductor/oboist who has been obsessed with the composer’s enigma for more than 40 years.
I made Rattle’s cycle my Critics’ Choice album of the year in the December 2014 issue; I’ve also elevated Nézet-Séguin’s to an equivalent position in the past. Ticciati’s set has given me much pleasure too, and even more to think about. Nézet-Séguin and Ticciati deploy chamber-orchestra string sections, with Ticciati most explicitly evoking period-instrument practice. Rattle’s Berlin set carries its weightier orchestral ballast very elegantly, and his set became my portal back to Schumann after a longer period than I care to admit when my listening had been dominated by Beethoven, Brahms and Bruckner. Rattle’s opulent, rapacious approach—the climax of the First Symphony’s opening movement and the Trio in the Second Symphony’s Scherzo seemingly moving faster than time itself, while the Berlin strings float the slow movement towards heaven—represented the warmest welcome back possible to Schumann’s dream-built chimeric fantasy world, the heartfelt directness of his melodic fancy played out over structural chess moves. Ticciati’s sometimes manically driven, flintier orchestral sound can be unexpectedly austere; Nézet-Séguin’s cycle is the most unashamedly Romantic of the four, fevered-brow gesturing, rubato with attitude.
Despite their differences, though, the sets are unified by one underlying common denominator—none of them could have been recorded 30, or even 20, years ago. Over the phone from his home in Zurich, Heinz Holliger suppresses a laugh when I ask: why now? Why, suddenly, have maestros gone all Schumann crazy? ‘Well, I started conducting him 30 years ago, when too many conductors had problems with Schumann,’ he reflects. ‘He was never a problem for pianists or composers—Debussy and Berg held him in great esteem—but conductors realised that you cannot try to sight-read Schumann; if you do, the music is completely grey.’ And even 50 shades of grey would not be enough to express Schumann’s multiverse of colour? ‘He does not write out everything; he doesn’t tell you which voice is the principal and which accompanies; nor whether one instrument should have a diminuendo while the others crescendo. To make a Schumann symphony sound light and transparent, as he intended, takes a lot of rehearsal. Each player needs to know whether they’re playing part of only the harmony, or whether they are involved in the counterpoint. Schumann was a great writer of words too, and you need to understand how close the phrasing is to speech. But many conductors are not so interested in this background; they just play what they read.’
Holliger reminds me that Schumann never heard more than 12 first violins during his whole life and, in his view, the period-instrument movement has had a very positive effect on how conductors perceive appropriate orchestral weighting and internal balance. And when I talk to Sir Simon Rattle a few weeks earlier, he makes a characteristically smart analogy: ‘We think of Beethoven and Brahms as being the grizzled old lions of Austro-German symphonic tradition,’ he tells me, ‘but Schumann’s symphonies move like a panther. Beethoven plunges his feet forcefully through the ground; but Schumann’s feet sprint and never fully touch the floor.’
Rattle can’t quite explain why Schumann is suddenly so de rigueur, although sometimes, he says, mysterious forces collude to raise the collective consciousness around a particular composer. But the important thing for Rattle is that distinct and informed conductorly perspectives must all be celebrated. Ticciati’s way is not his way, but Rattle admires enormously how he tackles the 1851 revision of the Fourth Symphony: ‘Robin makes a clear case for how the revised version can retain the radical edge of the 1841 version. Still it sounds like a fireball and I take my hat off to him.’
Which Fourth Symphony? That’s the most fundamental decision any wannabe Schumann conductor must make. To programme the 1841 version is to agree with Brahms, who owned the autograph score and wrote: ‘It is a real pleasure to see anything so bright and spontaneous expressed with corresponding ease and grace.’ He found the revised version charmless and stodgy, and Rattle and Holliger concur with Brahms, and each other, that the first version is much preferable—although they choose to do notably different things with that information. ‘Schumann made the revised piece in a depressive state,’ Rattle says, ‘and Brahms was completely right about the relative merits of the two versions.’ Holliger adds that Schumann’s orchestra in Düsseldorf, which premiered the new version, was nowhere near as honed as the standard of playing he had become accustomed to in Leipzig, while Schumann himself ‘was heavier, and moved and spoke more slowly’. But the pertinent point for Holliger is that Schumann retained his high-velocity metronome marks. Rattle chooses to ignore the later rewrite—Holliger gives us both but attempts to play the 1851 version, as he says, ‘retaining the true spirit of the earlier version’.
Holliger reminds me that he met Rattle 40 years ago when the young conductor invited him to perform Richard Strauss’s Oboe Concerto with the Bournemouth Symphony Orchestra. And Rattle clearly remains in awe of Holliger’s status as a Schumann guru—‘Ask Heinz, when you speak to him, to tell you about the tempo relationships in the symphonies and about his extraordinary discovery in the fourth movement of the Rhenish Symphony.’ And I’m happy to take my cue from the Music Director of the Berlin Philharmonic.
On paper, and in the mind, Schumann’s Second Symphony registers as the most conventionally ‘symphonic’, its four movement groundplan—with a slow introduction breaking into an Allegro trot—putting you in mind of the first two Beethoven symphonies or of Haydn. And as I began to reacquaint myself with Schumann’s symphonic world, I pondered how a composition that felt instinctively unified melodically and motivically could also sound so disparate and varied, like each movement acting as a standalone character piece (not that you would necessarily want that). Holliger provides an answer.
‘The first and second movements,’ he tells me, ‘have the same metronome mark of crotchet=144, and the slow movement is nearly half; then the finale is in a very fast one-beat-per-bar, but still you feel like each bar matches the beat of the slow movement. The whole symphony is in one, like the conception of Mendelssohn’s Scottish Symphony.’ Holliger explains how the music is glued together throughout by a four-note cell, but I ask him to tell me about the music’s disunity. Am I right to hear each movement orbiting independently too, in a way that is uniquely Schumann? Holliger alludes to Bernd Alois Zimmermann, the composer of Die Soldaten, Photoptosis and Requiem für einen jungen Dichter, who died in 1970, and who was famous for pieces that made liberal use of collage and knitted together layers of borrowed material. ‘He was fascinated by the idea of Kugelgestalt—that time is like a ball, and all times of all centuries are focused in one single point. I think Schumann understood this too. You ask about the Second Symphony—well, the beginning could be like 17thcentury polyphony and then, suddenly, it looks 120 years or more into the future. You feel this composer knows the whole history of music.’
The Second Symphony’s Scherzo has something of the lightness of Mendelssohn’s A Midsummer Night’s Dream, Holliger explains as he tells me about those angels and demons, ‘but is relentless, a diabolic dance, in the mood of ETA Hoffmann’. And that shockingly abrupt change of mood, the solo flute overtaken by a brutal march as the first movement of the First Symphony reaches its climax, is another characteristic Schumann moment. ‘In the First Symphony the flute symbolises a butterfly which here is overwhelmed by very tragic music. Marches are a frightening thing. Send soldiers to kill, and you’re asking them to stop thinking about what they are doing. Trills in Schumann, like the woodwind trills you mention, often tremor and shiver like music with a high fever—this is not the Baroque idea of a trill as ornamentation.’
Holliger talks about the symbolism of instrumental identity in Schumann’s music. In Overture, Scherzo and Finale a choir of three trombones appear suddenly like a premonition of the role they will take in the fourth movement of the Rhenish. ‘When his brother Eduard was dying, Schumann woke up at three in the morning. He had been dreaming about three trombones, and later he learnt that his brother had died at 3am. Always in Schumann, three trombones is a message about death.’ I mention that Rattle urged me to ask him about this same movement. ‘Well, when I looked at the sketches, I realised that the tempo changes to double the speed two beats later than in the printed score—nobody ever does this, but the difference is essential.’
That Schumann had such specific ideas about orchestral colour and instrumental identity runs triumphantly contrary to that tired cliché about his orchestration being somehow inept and clumsy. In the September 2014 issue of Gramophone, Robin Ticciati revealed that, for him, the attraction of Schumann is precisely because the orchestration is so, as he put it, ‘crazy’. ‘It’s also so controlled, and the palette is extraordinary. And I think when you get to a Schumann score, the first reaction is not to go, “What is all that?” but “What does he want?” and “What’s important here?”’ Ticciati hears clues about how Schumann ought to sound orchestrally in how he ‘orchestrates’ his piano music; and in the booklet-notes accompanying his cycle, Yannick NézetSéguin discusses how the defined attack and decay of modern trumpets help balance the orchestration.
And so Schumann wins. The consensus, circa 2014/15, is leave well alone. ‘Schumann learnt lots about orchestration from Mendelssohn, the greatest orchestrator of his time,’ Holliger explains, ‘and he tried to have a very transparent sound in the orchestra. It’s not that very heavy “German potato soup” sound. I never change a single note in any of the symphonies.’ Rattle confirms that Schumann must be ‘light and singing, or the sound can be too brittle—the key word is sostenuto.’ The impulsive and spontaneous side of Schumann is also important to Rattle. ‘The last symphonic music Schumann wrote was the Rhenish,’ he says, ‘and the fourth movement feels like Schumann falling apart, then the finale is an attempt to cradle him in a warm embrace. And for that to work, you can’t micromanage too heavily.’ Music to Schumann’s ears, I suspect—a composer who clearly knew the value of spontaneity: ‘My symphonies would have reached Opus 100 if I had but written them down,’ he said. ‘Sometimes I am so full of music, and so overflowing with melody, that I find it simply impossible to write anything.’
Stereo | 12/2014 Dezember | Thomas Schulz
Schumanns sinfonisches Schaffen hat in letzter Zeit viele Neueinspielungen erlebt, doch der Holliger-Zyklus dürfte, wenn er beendet ist, einen der vorderen Ränge einnehmen.Mehr lesen
Record Geijutsu | 2016.5
Japanische Rezension siehe PDF!Mehr lesen
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These are first CD issues of radio recordings from WDR Cologne. Most of these...
The only item in this collection designated as “live” is the Beethoven piano...
Fricsay (1914–1963) struck me as the Dinu Lipatti of conductors: once you...
For those with only a tangential or cursory familiarity with the art of Géza...
These are early broadcast recordings made by West German Radio in the mid 1950s,...
I cannot recall a more beautifully played or more thoughtfully conducted disc of...
Hvem trenger enda en innspilling av Griegs orkestermusikk? (Jeg tror det er hva...
Ob es klug war, in der Grieg-Gesamtaufnahme eine CD mit einem Programm nur für...
Volume two of the Grieg symphonic works devotes itself to the string ensemble, particularly those folk-spirited dances and songs rife with rustic energies.
Deuxième étape d’une intégrale orchestrale Grieg chez Audite
Mit den ersten beiden Folgen der Gesamteinspielung aller sinfonischen Werke...
Er gingen al twee cycli aan vooraf: van Ole Kristian Ruud (BIS) en van Bjarte...
This new complete series of Grieg's orchestral music is building into a really...
Norwegian conductor Eivind Aadland leads the WDR Sinfonieorchester of Köln...
Like Vol. 1 of Audite's survey of Edvard Grieg's complete symphonic music, Vol....
Edition Ferenc Fricsay – Werke von Haydn, Mozart, Beethoven, Rossini, Bizet, Brahms, Strauß, Verdi, Bartók u. a.
The finest Grieg disc to be issued for a long time from the WDR Sinfonieorchester Köln conducted by Eivind Aadland on Audite
Of the five works included on the third part of Audite's series devoted to...
Das WDR Sinfonierochester und der norwegische Dirigent Eivind Aadland setzen...
Discover Grieg's music, beyond the big hits of the Piano Concerto and 'Peer...
I have been much impressed with Eivind Aadland's earlier volumes in this ongoing...
Eivind Aadland's Grieg survey for Audite just seems to go from strength to...
Sehr verdienstvoll, diese Entdeckungsreise Aadlands und des WDR SO durch Griegs...
Tagesspiegel-Kritiker empfehlen – Die besten CDs für den Herbst
Das neueste Produkt der Zusammenarbeit zwischen audite und dem WDR...
A warm welcome to the third of Aadland's survey of Grieg's Orchestral Works,...
Er gingen al twee cycli aan vooraf: van Ole Kristian Ruud (BIS) en van Bjarte...
Die Kritik der Kritik an Schumanns vorgeblich schwacher Instrumentation rennt...
Heinz Holliger begins his survey of Schumann's orchestral music at the...
Drei Symphonien des Düsseldorfer Komponisten Robert Schumann (1810-1856) kommen...
Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester Köln bring much clarity and detail to Schumann, as well as joy and flair, in this first volume of the Complete Symphonic Works on Audite
Holliger's profound empathy for Schumann shines through these outstanding...
Schumann-Symphonien sind, so Orchestermusiker, schwieriger zu spielen als zu...
"Holliger's profound empathy for Schumann shines through this outstanding...
Is there a group of orchestral works in the Romantic canon more vexed than the...
There’s always a particular pleasure to be had when listening to Robert...
Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 1, Spring Symphony
Heinz Holliger succède à Christian Zaccharias dans le club des instrumentistes...
This is listed as Volume 3, but we are not sure what happened to Volume 2....
Eivind Aadland’s superlative third volume of orchestral Grieg for Audite...
Que connaît-on de Grieg, en dehors de son concerto pour piano, des Suites de...
Suite de l’intégrale germano-norvégienne de la musique orchestrale de Grieg
Somehow I missed the second volume of this survey of the complete works of Grieg...
There is often some trepidation to experience at the arrival of a new Schumann...
A genuine tonic to begin with: the first volume from Audite in a series of...
Mendelssohns Aufführung von Schuberts C-Dur-Sinfonie hatte in Robert Schumann...
Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 2, Second & Rhenish Symphonies
Terrific new performances of Schumann’s second and third symphonies from Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester, Köln on Volume II of Audite’s complete symphonic works series
Zusammen mit dem WDR Sinfonieorchester Köln zaubert der Dirigent Heinz Holliger...
Holliger brings amazing textural clarity to the composer's orchestration without...
Heinz Holliger's cycle of Schumann's symphonic works continues in Volume 2 (the...
There’s no special price for the Audite recording but, at $12.02 – just over...
There’s no special price for the Audite recording but, at $12.02 – just over...
Heinz Holliger (b. 1939) extends his repute as an orchestra leader – besides...
Que faire des œuvres symphoniques de Schumann? Vilipendées par certains pour...
Que faire des œuvres symphoniques de Schumann? Vilipendées par certains pour...
Inside Robert Schumann lies a stalwart Romanticist: a verve for poetry and...
Rob Cowan reviewed the first volume of Heinz Holliger's Schumann symphony cycle...
These are light and airy performances, with Oren Shevlin a poignant and...
As an instrumentalist (oboe) Holliger’s Schumann discography dates back to...
Die Musik Robert Schumanns spielt eine entscheidende Rolle im Kosmos Heinz...
An intimate account of the Cello Concerto from Oren Shevlin is tellingly offset...
Deuxième étape (cf n° 622 pour le Volume 1) de ce qui s'impose comme un des...
Schumann ist der Komponist der Komponisten. Sein Enthusiasmus hat auf so manchen...
The Mantovani-style fanned chords at the start of Arthur H Lilienthal's...
Cellist Oren Shevlin joins Heinz Holliger and the WDR Sinfonieorchester Köln to provide a very fine Volume 3 of Audite’s series of the Complete Symphonic Works of Robert Schumann
Heinz Holliger conducts Robert Schumann’s Complete Symphonic Works – Volume 3, Cello Concerto (with Oren Shevlin) & Revised Fourth Symphony
With this third volume completing Audite's cycle of Schumann's symphonic works,...
I wish I could be more enthusiastic about these performances. But I’m afraid...
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings...
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings...
Music that grapples with demons and is never wholly at ease, even when wings...
This is Volume 3 of Schumann’s complete Symphonic Works on Audite. These two...
»Chapeau! Das ist ein wahnsinniges Tempo«
The eagerly awaited second volume of Heinz Holliger’s complete survey of...
Het afgelopen jaar is een lawine aan nieuwe registraties van de symfonieën van...
Het afgelopen jaar is een lawine aan nieuwe registraties van de symfonieën van...
Het afgelopen jaar is een lawine aan nieuwe registraties van de symfonieën van...
De Noorse dirigent Eivind Aadland (1956) is in Bergen, niet ver van Griegs...
De Noorse dirigent Eivind Aadland (1956) is in Bergen, niet ver van Griegs...
De Noorse dirigent Eivind Aadland (1956) is in Bergen, niet ver van Griegs...
„Das in Form und Gehalt bedeutende Werk“ hat sein Verleger immer wieder von...
What a delight this survey of Grieg’s orchestral music has proved to be – a...
Jansons und Aadland mit Bahms und Grieg bei RCA und audite
For the fifth and final issue in their series of orchestral works of Edvard...
Bei seinem Violinkonzert, das Robert Schumann noch vor dem Fall in die geistige...
Prosegue l’integrale delle opere sinfoniche di Schumann che l’Audite sta...
Il quinto volume del corpus sinfonico di Schumann che Heinz Holliger e la WDR...
Here at last is the fourth volume of Schumann’s complete symphonic works,...
Here at last is the fourth volume of Schumann’s complete symphonic works,...
Malgré leur éloignement commun des conventions formelles du concerto de...
Nach fast anderthalb Jahren setzt das Label audite seinen Schumann-Zyklus mit...
Nach fast anderthalb Jahren setzt das Label audite seinen Schumann-Zyklus mit...
Un rinnovato interesse per le opere orchestrali di Robert Schumann ha visto...
Un rinnovato interesse per le opere orchestrali di Robert Schumann ha visto...
Gidon Kremer und Nikolaus Harnoncourt haben ihm eine engagierte Rettung zuteil...
A very fine Violin Concerto from Patricia Kopatchinskaja that will surely help this work to gain acceptance and a particularly musical performance of the Piano Concerto in A Minor from Dénes Várjon on Heinz Holliger’s fourth volume of his complete survey of the orchestral works of Schumann for Audite
This series has been good except where there is formidable competition. This...
Im Rahmen der Gesamteinspielung der Orchesterwerke von Robert Schumann stehen...
Im Rahmen der Gesamteinspielung der Orchesterwerke von Robert Schumann stehen...
De la musique symphonique et un florilège de mélodies avec orchestre composent...
La fluidité de la phrase et le raffinement sonore situent le Konzertstück op....
This is volume five of Audite’s survey of the complete symphonic music of...
Robert Schumann hat Hochkonjunktur, gemeinsam mit Brahms ist er aktuell ein...
Recorded between October 2012 and November 2014, the fifth, final volume of...
Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
Fin d’une très belle intégrale Schumann par Heinz Holliger
Bij deel IV van Holligers' complete Schumann was de magnetische Patricia...
Robert Schumann ist für den Schweizer Oboisten, Komponisten und Dirigenten...
Patricia Kopatchinskaja is typically bold and provocative in Schumann's Violin...
Patricia Kopatchinskaja is typically bold and provocative in Schumann's Violin...
Schumann’s Violin Concerto has one of the strangest histories of all great...
Schumann’s Violin Concerto has one of the strangest histories of all great...
Nun ist Holligers Schumann-Projekt abgeschlossen, und die Qualität hat sich von...
Two of today’s leading violinists take on the challenge of Schumann’s Concerto
With this sixth and final volume in his series of the 'Complete Symphonic...
The fourth and fifth volumes of Audite’s Schumann series with Heinz Holliger...
The fourth and fifth volumes of Audite’s Schumann series with Heinz Holliger...
The Schumann Violin Concerto, rejected in his lifetime by its dedicatee, Joseph...
This is Volume 6 of Audite’s Complete Symphonic Works edition and contains...
Alles kommt irgendwann einmal heraus… Mit dieser Binsenweisheit könnte man...
This is the sixth and final volume of Audite’s survey of the complete...
As usual (as if you remember these things from one year to the next), I’ll...
Im Herbst des Jahres 2013 startete das Label audite eine neue Serie mit...
Im Herbst des Jahres 2013 startete das Label audite eine neue Serie mit...
Baker Box and New Discs from BIS, Oehms, Audite & Challenge
Bemerkenswerte Musik, renommierte Interpreten, die etwas zu sagen haben: Beide...
Die fünfte und vorletzte Folge von Heinz Holligers Aufnahmen sämtlicher...
Mit dieser CD endet die von Heinz Holliger und dem Kölner WDR Sinfonieorchester...
Über Schumanns d-Moll-Violinkonzert, das der Komponist 1853 wenige Monate vor...
Über Schumanns d-Moll-Violinkonzert, das der Komponist 1853 wenige Monate vor...
Bij de aankondiging van deze cd veerde ik op, want de naam Patricia...